la nuova carne

Blackfield - Blackfield II (2007)

2012-01-23T15:04:00.001+01:00

La nebbia del disco d’esordio si è diradata mostrandoci in modo evidente il grigio che ci circonda. Se il senso di affascinante mistero si è ridimensionato, è più esplicita la malinconia. Ormai diventati una band vera e propria, i Blackfield delineano in modo più esplicito sensazioni e atmosfere, confermando la capacità di elaborazione melodica attraverso 10 brani che brillano per melodie tanto semplici quanto mai banali, agrodolci bozzetti al tempo stesso nostalgici e appassionati, caldi e quietamente disperati, sempre in grado di entrare nella memoria emotiva dell’ascoltatore. La solitudine, spesso accompagnata da un senso di abbandono, è disegnata a tratti marcati da una musica matura e ricercata , mai eccessivamente sofferta grazie alla perfetta contrapposizione tra delicatezza e drammaticità. L’enfasi emotiva è accentuata dai ricercati arrangiamenti, che se perdono un po’ del sottile tocco psichedelico dell’esordio, si arricchiscono di orchestrazioni, per un risultato epico, a tratti cinematografico. Proprio come un film, il secondo album dei Blackfield necessita di una costante immersione nel soffice ed ovattato universo del sentimento, sognante e fantastico ma incredibilmente affascinante. Anche se l’esordio rimane inarrivabile per freschezza melodica e intimità, questo secondo capitolo appassiona per i ritmi lenti e rilassati oltre che per le atmosfere cupe. Un film da assaporare con gli occhi di un bambino, lasciandosi trasportare dalla emozioni. Come canta la maestosa End of the World, in un mondo senza speranza, addormentiamoci confidando che ci venga inviato un sogno.

Blackfield - Welcome to my DNA (2011)

2012-01-13T17:14:00.001+01:00

Un uomo di fronte ad una spaziosa vetrata osserva un oceano di nuvole. La bella copertina di Welcome to my DNA (concepita da Carl Glover inizialmente per l’ultimo disco dei Marillion) ben si sposa con la serenità della musica della band di Wilson e Geffen, che mai in precedenza aveva ricercato atmosfere tanto solari. La delicata malinconia assume in quest’occasione un tono ancor più romantico che in passato, smarrendo il retrogusto sottilmente psichedelico e l’affascinante nostalgia dei primi due album, per avvicinarsi molto a sofisticato pop da classifica. Anziché lasciarsi andare a sussulti emotivi, l’album scorre in una quiete soffusa che da una parte ammalia e coinvolge per il suo spirito sentimentale, dall’altra stucca per alcuni passaggi ai limiti dello sdolcinato e del melenso. La sensibilità di Geffen è la vera protagonista dei Blackfield recenti, e la dimostrazione risiede nel fatto che il musicista israeliano abbia composto 10 degli 11 brani, e si sia preso cura di quasi tutti gli arrangiamenti orchestrali. Proprio l’abbondanza degli strati sonori a tratti risulta eccessiva e soffoca le melodie, togliendo un pizzico di intimità, in favore di una vena epica e maestosa. Ma nel complesso l’album emoziona, soprattutto quando con semplicità disegna melodie romantiche (Glass House, DNA). Il rischio di cadere nel calderone del pop da supermercato è quanto meno evidente ma la band riesce sempre a rimanere in bilico senza mai precipitare, grazie soprattutto ad alcuni lampi degni del sublime passato (Zigota).

Pearl Jam - Vitalogy (1994)

2012-01-11T17:36:00.001+01:00

Suicidio.
Un attacco di batteria secco e sporco. Una chitarra acida che graffia un riff dissonante. Musica tesa e nervosa, nella quale appare il fantasma della morte, che da qui in poi non abbandonerà più i solchi di Vitalogy. Frammenti di pensiero, conflittuali, tormentati. Last Exit.
Il suicidio come ultima, anzi unica, manifestazione di libertà in una vita non controllata da noi stessi? Oppure come atto di debolezza di fronte alle pressioni crescenti? O semplicemente ineluttabile?
Ultima e inesorabile uscita da una società ipocrita e malvagia, interessata a sfruttare le sofferenze altrui per nutrire la propria, apparente, forza, spesso penetrando negli spazi intimi con morbosità tale da controllare direttamente le nostre scelte.
I Pearl Jam non cercano compromessi nell’urlare in faccia il loro disagio. Per farlo si affidano ad atmosfere acide, schegge rugginose, immagini fuori fuoco, rabbia incontrollabile. Una poetica disturbante, fino a quel momento sconosciuta, nella discografia della band di Seattle. Not for You incarna alla perfezione la metamorfosi artistica del gruppo, con il suo corpo ringhiante, ed una coda che brilla di ipnotiche dissonanze, degne dei migliori Sonic Youth. Musicalmente spigoloso e sporco, Vitalogy è un disco ulceroso che non lascia spazio ai riff e agli assoli hard rock dei primi due album, tantomeno agli slanci melodici ed epici che hanno contribuito al successo del gruppo. Per certi versi simile a In Utero, come il disco dei Nirvana risente dell’influenza del noise americano degli anni 80 (Jesus Lizard e Pixies soprattutto), come per volersi riavvicinare ad una dimensione musicale indipendente dalle logiche di mercato, e per questo più sincera. La carica psichedelica, dal sapore vagamente noise, caratterizza Tremor Christ, enigmatica canzone che mostra quanto il lato drammatico sia prossimo a quello profondamente romantico, in un disco che come fine ultimo canta la libertà. Se il frammento Pry to è un esplicito richiamo al valore della privacy, Corduroy, splendido brano dai continui crescendo emotivi, approfondisce il tema focalizzando l’attenzione sull’ipocrisia di coloro che penetrano nella vita degli altri. Un elogio della libertà, non soltanto artistica, e una sfida da affrontare a testa alta.
Vitalogy vede la luce alla fine del 1994, anno in cui il fenomeno grunge, al quale i Pearl jam sono stati fin dall’inizio accostati, diventa immortale con il suicidio di Kurt Cobain. Il gesto del leader dei Nirvana è la dimostrazione di sincero disagio che tale stile musicale si trascina appresso, e , inevitabilmente, viene sfruttato economicamente da tutto il mondo dello spettacolo musicale. La morbosa curiosità di una folla in continua ricerca di miti da adorare alimenta il circolo vizioso, e rende sempre più grottesca e surreale la realtà del rock di quegli anni. I Pearl Jam, proprio come i Nirvana, sono tra i fautori di quella restaurazione della poetica rock mainstream in atto nei primi anni 90, sempre più lontana dagli effimeri sogni di trasgressione e libertà degli anni 80. E proprio come i Nirvana, vengono travolti e macinati dalla macchina del business che in pochissimo tempo inscatola le spinte vitali del rock di Seattle per poterlo vendere ad un pubblico di adolescenti, snaturandone quindi completamente le urgenze espressive. Vitalogy nasce in questo contesto, e ne è la perfetta sintesi. Strappo rabbioso nei confronti del passato, è un disco abrasivo, malato e disturbante, che non può non richiamare alla mente il colpo di fucile sparato da Cobain. Da una parte, proprio come questo, è ciò che la massa, e di conseguenza i grandi nomi del mercato musicale, vuole.
Vitalogy è diretto, aggressivo, senza compromessi. Spin the Black Circle, primo singolo tratto dal disco, è un brano violento e tirato, un punk rabbioso che mal si sposa con i precedenti singoli della band e con i trend musicali del momento. Senza contare che inneggia al fascino del vinile (con velati doppi sensi riguardanti l’abuso di eroina), ormai decisamente fuori moda. Abrasivo e ringhiante è anche Whipping, il quale si scaglia contro le forze antiabortiste, tornando alle tematiche sociali dei dischi precedenti.
Tra uno scatto d’ira e un grido disperato, c’è spazio per la malinconia intima delle ballate, orientate sui rapporti interpersonali. Nothingman mostra come i Pearl Jam siano perfettamente in grado di rielaborare la lezione di Neil Young, toccando l’anima con una storia di incomunicabilità e bugie. Un bozzetto semiacustico dalla bellezza abbagliante, al quale fa da contraltare Betterman, vecchia canzone di Vedder scritta ai tempi del suo primo gruppo, che si conclude con un’esplosione epica (una delle poche presenti nell’album) che lo renderà uno dei classici della band, nel corso degli anni.
I momenti riflessivi lasciano più spesso spazio al delirio incontrollabile (come dimostra il booklet, che riprende immagini e frammenti di un vecchio libretto degli anni 20, dedicato a consigli pseudo medici, tanto grotteschi quanto spaventosi per la carica di bigottismo). L’assurda Bugs è degna di Tom Waits in preda a delirium tremens, che, in tono completamente paranoide, richiama ancora una volta il tema dell’invasione nella sfera privata. Le schegge impazzite sono numerose, ma la più spaventosa è forse Mophandlemama, caotico incubo che chiude l’album con feedback chitarristici, frammenti di dialogo e voci distorte, ancora una volta in un’atmosfera kafkiana che culmina negli ennesimi richiami al tema del suicidio. L’ultima uscita per continuare a vivere è la morte?
Nessuna risposta. Solo fotografie sbiadite che galleggiano sulle note della splendida Immortality, istantanee sfocate in cui Vedder lascia fluire i conflitti che lo tormentano, con un’intensità poetica disarmante, apice di una delle opere più significative degli anni 90. Libertà, in fuga dalla società odierna, senza ritorno. L’attrazione dell’oblio è irresistibile. Alcuni muoiono soltanto per vivere.
"La vertigine è qualcosa di diverso dalla paura di cadere. La vertigine è la voce del vuoto sotto di noi che ci attira, che ci alletta, è il desiderio di cadere, dal quale ci difendiamo con paura." (Milan Kundera, L’insostenibile leggerezza dell’essere)

Where I End and You Begin

2012-01-10T19:16:00.001+01:00

Con il 2012 la Nuova Carne muore per resuscitare!
Lunga vita alla Nuova Carne!

...a presto...

Concerto Ozric Tentacles

2010-11-26T16:23:00.004+01:00

Ed Wynne e la sua strana famiglia sembrano provenire da un universo parallelo, ricco di colori brillanti e dall’atmosfera gioiosa. I quattro raccontano il loro mondo attraverso ritmi elettronici ipnotici, suoni subacquei e al contempo spaziali, tappeti di tastiera stranianti e psichedelici, una sezione ritmica compatta e precisa, sempre in movimento, e una chitarra laccatissima che dona brillantezza alle immagini evocate. La loro psichedelia è straniante ma sempre luminosa e ironica. La musica si espande e si gonfia come bolle di sapone, per poi esplodere in mille schizzi colorati, difficili da contenere. La batteria è lo scheletro che dona regolarità al flusso strumentale prodotto dalla band, che per quasi due ore e mezzo ipnotizza il pubblico del Viper di Firenze. L’ipnosi è trascinante, ricca di energia, e parte del pubblico si lascia trasportare dal ritmo e inizia a ballare. Il gruppo dal vivo suona più potente e rumoroso che su disco, in certi momenti si affaccia perfino verso il metal progressivo, grazie ai riff rocciosi e ai suoni ipercompressi del chitarra di Ed Wynne. I volumi sono elevatissimi (forse troppo), e contribuiscono ad amplificare l’effetto del bombardamento surreale della musica. Per metà concerto le alte frequenze raggiungono dei picchi talvolta fastidiosi, inconveniente che però pian piano verrà risolto. La chitarra si arrampica in virtuose scale orientali, e la compressione elevatissima, unita alle frequenze alte, dona una limpidezza accecante all’immaginario evocato dalla musica del gruppo, che suona acida senza mai sfociare nell’inquietante. Sembra di essere immersi in un mondo subacqueo, dove strane e divertenti creature nuotano velocissime, per poi trasformarsi in assurdi esseri volanti, sospesi nell’infinito. Forse pacchiani ed eccessivi, ma sicuramente evocativi, trascinanti e divertenti, gli Ozric Tentacles si confermano, dopo tanti anni di attività e tanti cambi di formazione, un gruppo che dal vivo è in grado di sprigionare un’energia positiva, colorata e allucinogena come poche altre band. Un’allegra famigliola in acido che, come dimostra la durata del concerto di Firenze, non ha nessuna intenzione di interrompere il trip.

Concerto Porcupine Tree + Anathema

2010-11-26T16:12:00.002+01:00

Nella splendida cornice di Piazza Duomo, a Pistoia, gli Anathema mostrano come il punto di forza si trovi nell’intensità emotiva e nel trasporto passionale. Romantici e delicatamente malinconici, convincono anche con i brani dell’ultimo disco, più solare e carico di speranza. Anche Angels walk Among Us assume una nuova energia, abbandonando il sapore esageratamente zuccheroso che talvolta colora l’ultimo album. I suoni sono i grandi nemici della band, che soprattutto nella sperimentale Closer, non riesce a mettere a fuoco la proposta, che risulta invece di folgorante bellezza in A Simple Mistake e Flying, vere e proprie perle del concerto, emotivamente coinvolgenti così come la splendida Universal . Chiude le danze la classica e trascinante Fragile Dreams.
I Porcupine Tree sono precisi e professionali, con suoni curati al millimetro (nonostante qualche inevitabile sbavatura, tipica dei festival) e proiezioni allucinate ad amplificare l’effetto della musica. La scaletta è incentrata sull’ultimo concept album, e risulta quasi una rivisitazione di quella proposta nell’ultimo tour. Brani rocciosi e poderosi (Bonnie the Cat) si alternano a momenti romantici e malinconici, quasi soffusi (Kneel and Disconnect). Time Flies, è un vortice di emozioni, soprattutto nell’assolo centrale. Blackest Eyes, con la sua carica d’adrenalina, ed Hatesong, impreziosita da assoli mai banali, risultano adattissime al contesto di un festival, senza per questo mai sacrificare l’atmosfera tanto cara alla band, che con Dark Matter dipinge un quadro chiaro-scuro, dal sapore misterioso, che perfettamente si sposa con la splendida Piazza Duomo. Anesthetize (eseguita solo in parte, in abbinamento alla pinkfloydiana Russia on Ice) è il pezzo più trascinante di un concerto riuscitissimo, che si conclude sulle note della classica Trains.

The Beginning and the End

2010-05-20T20:46:00.003+02:00

Una delle migliori band degli ultimi 10 anni si è sciolta.
Partiti (come molti) dall'insegnamento dei Neurosis, sono poi stati capaci di tracciare una strada personale, rendendo il post hardcore fangoso meno sporco e spigoloso, più melodico, liquido, psichedelico. Una carriera esemplare, caratterizzata da grandi dischi e da nessuna caduta. All'interno spiccano due dischi meravigliosi (Oceanic e Panopticon), giustamente presi come esempio da molte band successive, per la ricchezza di idee e l'elevatissima capacità di creare atmosfere e melodie uniche, senza perdere in immediatezza e impatto. Quel genere di dischi che non mi vergogno a definire Capolavori. Panopticon mi ha aperto la mente e rimane tutt'ora, a sei anni di distanza dal primo ascolto, uno dei miei album preferiti in assoluto. Difficile dimenticare poi i tre concerti ai quali ho assistito, e che hanno confermato il valore di una band che ha avuto il coraggio di andarsene nel momento più opportuno, con grande stile e senza mai perdere credibilità.
Grazie di tutto, Isis!

Playlist Aprile

2010-05-02T12:09:00.003+02:00

1. Brian Eno - Music for Films
2. Ozric Tentacles - Erpland
3. Alan Sorrenti - Aria
4. Brian Eno - Apollo: Atmospheres & Soundtracks
5. Megadeth - Rust in Peace
6. Nevermore - Dead Heart in a Dead World
7. Osanna - L'uomo
8. Tangerine Dream - Zeit
9. Nevermore - This Godless Endeavor
10. Marillion - Marbles

Altri:

Gong - Angel's Egg (Radio Gnome Invisible Part II)
Osanna - Palepoli
Pink Floyd - Animals
Porcupine Tree - Up the Downstair
Tangerine Dream - Alpha Centauri

Playlist Marzo

2010-04-04T18:10:00.005+02:00

1. Porcupine Tree - Lightbulb Sun
2. Nevermore - Nevermore
3. Brian Eno - Music for Films
4. Nevermore - The Politics of Ecstasy
5. King Crimson - Lizard
6. Anathema - A Natural Disaster
7. The Mars Volta - The Bedlam in Goliath
8. Porcupine Tree - Up the Downstair
9. Marillion - Marbles
10. Alan Sorrenti - Aria

Altri:

The Mars Volta - De-loused in the Comatorium
Nick Drake - Pink Moon
King Crimson - Red
Nevermore - This Godless Endeavor
The Mars Volta - Frances the Mute

Concerto Katatonia

2010-04-04T17:11:00.005+02:00

Dopo qualche anno (5 mi pare) riesco a rivedere i Katatonia. Nel tour di Viva Emptiness mi piacquero moltissimo, e la prova vocale di Renkse fu piuttosto buona, sfatando ogni leggenda che parlava di prestazioni ai limiti dell'imbarazzante. Questa volta invece i cedimenti sono stati evidenti, anche se in definitiva posso ritenermi soddisfatto.
Arrivo al Rock Planet di Pinarella poco prima dell'inizio degli Swallow the Sun, cloni dei Katatonia, ma comunque interessanti e con un cantante con una bella voce. Un buon antipasto.
I Katatonia attaccano con Forsaker ed è orrore. Suoni terribili (basso inesistente, voci troppo troppo alte, batteria con suoni tipo bidoni della spazzatura) e soprattutto Renkse che stona in maniera imbarazzante, ma davvero inascoltabile. Dalle prime file arretro per avvicinarmi al mixer. Leggermente più ascoltabili ma la sensazione è sempre molto negativa. Finisce il primo brano, tiro un sospiro di sollievo. Dal secondo in poi Renkse riacquista le corde vocali e, pur senza strafare, canta bene per il resto del concerto. Qualche cedimento qua e là, ma in generale la sua prova risulta convincente. I suoni migliorano e dalla terza-quarta canzone i risultati sono piuttosto buoni. La band è compatta e ha un gran tiro, il batterista è un macigno, il risultato è buono, nonostante qualche coro di Nystrom sia zoppicante. Con il procedere del concerto (un'oretta e mezzo) le cose migliorano sempre di più, e raggiungono picchi notevoli in brani come July, Tonight's Music (assolutamente da lacrime), The Longest Year, Evidence. In definitiva un buon concerto, con alcuni picchi notevoli, peccato per l'inizio davvero fuori fuoco, sia per i suoni che per la prova vocale (ripeto: imbarazzante, mai sentito stonature così madornali!). I nuovi membri del gruppo non sbagliano un colpo e si dimostrano all'altezza, le canzoni del nuovo, straordinario, disco, sono un caleidoscopio di emozioni, e l'energia sprigionata dalla band per tutta la durata del concerto è trascinante. In definitiva un concerto molto buono, anche se a tratti un pò altalenante.

Playlist Febbraio

2010-03-03T23:50:00.002+01:00

1. King Crimson - Red
2. King Crimson - Lizard
3. Ulver - Blood Inside
4. Ulver - Shadows of the Sun
5. Ulver - Perdition City
6. King Crimson - In the Wake of Poseidon
7. Porcupine Tree - The Incident
8. Klaus Schulze - Timewind
9. Nosound - A Sense of Loss
10. High Tide - High Tide

Altri:

Blackfield - Blackfield
Fripp & Eno - (No Pussyfooting)
Frederic Chopin - Etudes for Piano (Maurizio Pollini)

Concerto Il Teatro degli Orrori

2010-03-03T22:30:00.004+01:00

Difficile giudicare la prestazione della band, di fronte ad un'acustica così terribile. Nel Teatro Mascagni di Villa Corridi, a Livorno, i suoni rimbombano, si disperdono, saturano tutto e nascondono le capacità di una band che con il suo disco d'esordio si era dimostrata una delle più interessanti realtà italiane. Mi getto alla cieca nei nuovi pezzi, sperando che dal vivo si lascino apprezzare, anche se "a freddo". Ma la resa sonora è talmente insufficiente da rendere vano ogni tentativo di giudizio. Certo l'impressione che lasciano i nuovi brani, meno immediati e più sovrarrangiati, è quella di canzoni meno d'impatto, e forse anche meno particolari. Sembra si sia rotto l'equilibrio perfetto tra noise rock alla Jesus Lizard e rock italiano, sbilanciandosi troppo in direzione di quest'ultimo (dove sono i riff sbilenchi?! Cosa ci fanno tutti quei coretti a 3 voci?!), e anche Capovilla non convince con linee melodiche poco originali (in certi passaggi praticamente identiche al disco precedente) e con testi (e commenti nei momenti di pausa) di natura politico-sociale, che cadono di testa nel mare della banalità. L'impressione insomma è negativa, e rimane l'amaro in bocca. Perchè anche se la band sta facendo il grande salto verso un pubblico sempre più numeroso, la qualità non riesce a rimanere ai livelli elevatissimi del primo, bellissimo, album. L'acustica pessima del concerto invita però ad un ascolto più attento dei nuovi brani, davvero difficili da apprezzare in una situazione tanto deludente.

New Millennium: my 2006

2010-02-24T21:39:00.017+01:00

Battle of Mice - A Day of Nights.
A Day of Nights (side project di Josh Graham dei Neurosis e Julie Christmas dei Made Out of Babies) è un piccolo capolavoro passato incredibilmente inosservato. In 43 minuti ci sono echi di Swans, Neurosis, Bjork, Babes in Toyland, ma soprattutto tanta personalità e una capacità espressiva fuori dal comune.
La potenza emotiva che scorre tra quei rintocchi di batteria, quelle melodie ondulanti, quelle filastrocche disperate, mi scava un buco dentro. Nella prima parte brillano le esplosioni emotive, quadri di malinconia vera e vissuta, poi la decadenza prende il sopravvento, trascinando verso la rabbia, e la perdita di controllo. Momenti che con oscura calma si caricano come una molla, per poi sputare di colpo, senza possibilità di riprendere ciò che si è gettato via. C'è la perversione vocale di Julie Christmas, una delle poche voci femminili in grado di farmi venire i brividi, c'è la perversione psichica dei Neurosis di A Sun That Never Sets, il tutto fuso in un unico corpo. Scosse elettriche e convulsioni isteriche , in un universo rallentato, sfocato, sfasato. Inquietante per la sua capacità di essere tangibile, e incredibilmente vicino, fino a fondersi con le paranoie interiori.
E la dolcezza che appare in alcuni momenti, è un abile mezzo per far percepire il suo crollo con un fragore ancora maggiore. Guardarsi allo specchio e non vedere nulla.
Tenhi - Airut: Aamujen.
Affascinante disco di folk notturno. Chitarre acustiche, pianoforte, e una voce profondissima che canta in finlandese. Più atmosferico e strumentale di Maaaet, altro bel disco della stessa band uscito nel 2006, questo Airut: Aamujen ha il suo punto di forza nelle bellissime melodie di pianoforte.

Sunn O))) & Boris - Altar.
Boris e Sunn O))) significano noise e sperimentazione. E il risultato è proprio quello, con sferragliate chitarristiche e droni ipnotici, con alcuni passaggi psichedelici (da notare la presenza di Kim Thayil dei Soundgarden). Sghembo e rumoroso, è un vulcano di suoni.

Om - Conference of the Birds.
Riff ipnotici ripetuti all'infinito, percussioni tribali, voce bisbigliata. Sono soltanto in due (basso e batteria) ma riescono a creare atmosfere dilatatissime, visionarie e oniriche. Ex membri degli Sleep (storica band doom psichedelica) e si sente quando attaccano il distorsore che ti trasporta davvero in un'altra dimensione. Psichedelia molto mistica, pesante e ossessiva, che ricorda molto i Pink Floyd di Pompei e Ummagumma.

Kayo Dot - Dowsing Anemone with Copper Tongue.
Tempi lentissimi, quasi lunghe sospensioni al di sopra del rumore, e le voci contorte, stranianti e viscerali, ribaltano la lezione dei Khanate, trasformando il nero in bianco, la claustrofobia in pace, il senso di ruggine tra i denti in neve gelida da stringere tra le mani. Ma nel capolavoro della band di Boston c'è anche molto altro. Ci sono dolci momenti in bilico tra il malinconico Jeff Buckley e il tenebroso Martin Grech, ci sono progressioni post-rock e musica classica, c'è un senso per il rumorismo decisamente fuori dal comune, spesso con un tocco minimalista (nonostante l'incredibile cura per ogni strumento) che rende sincera ogni nota, ogni rumore, ogni parola. Ci sono soprattutto melodie ricche di calore, nascoste tra esperimenti di avanguardia talmente eccezionali da risultare leggeri. Il tempo perde il suo significato, per diventare fascio di luce, e lasciarsi avvolgere è necessario, fino a perdersi tra le onde fluttuanti, spesso estenuanti, di un'opera che negli anni 70 sarebbe stata chiamata rock progressivo, proprio per la sua capacità di abbattere ogni convenzione, con l'unico obiettivo di squarciare l'anima.
Red Sparowes - Every Red Heart Shines Toward the Red Sky.
Più personali rispetto al disco d’esordio, i Red Sparowes compongono un bellissimo disco post rock, liquido e psichedelico, in continua trasformazione. Emotivamente toccante, risulta una delle creature più convincenti all’interno del genere, anche grazie al tocco psichedelico progressivo.

The Gathering - Home.
Ultimo disco dei The Gathering con Anneke alla voce. Il canto del cigno è l’ennesimo dipinto crepuscolare, arricchito con qualche passaggio elettronico, ma soprattutto con un calibratissimo rock malinconico. Non ai livelli di alcuni dischi precedenti, ma decisamente riuscito.

Isis - In the Absence of Truth.
Melodico, emotivamente intenso, nel suo avvicinarsi tanto al post rock quanto ai Tool. Non ai livelli dei suoi immensi predecessori, ma è un disco davvero emozionante.

Vanessa Van Basten - La Stanza di Swedenborg.
Con la sua commistione di drone e post rock, La Stanza di Swedenborg si dimostra un’interessantissima deriva psichedelica dello shoegaze. Malinconico ma anche sognante, è un emozionante affresco della musica sperimentale italiana. Tra l’altro in anticipo (e con risultati migliori) rispetto a Jesu e Alcest, che nell’anno successivo svilupperanno, anche se con sensibilità diversa, un percorso simile.

Converge - No Heroes.
Una bella mazzata nei denti. Meno metal del capolavoro Jane Doe, ma più coinvolgente del precedente You Fail Me, questo è un disco che fa capire cosa significa fare hardcore senza suonare hardcore (o meglio, non limitandosi a suonare hardcore). Ha l'immediatezza del punk e la violenza del death, risultando veloce e incazzato come pochi.

Callisto - Noir.
Le atmosfere che questo disco riesce a creare sono intense, malinconiche. I Callisto sondano territori post rock con una mentalità profondamente metal (gotica?!) e questo li rende diversi da tanti altri, oltre che capaci di emozionare profondamente.

Red Sparowes - Oh Lord, God of Vengeance, Show Yourself!
Più grezzo e rumoroso dei dischi in studio, questo live coglie i Red Sparowes all'apice della creatività, e si dimostra un bellissimo e imperdibile lavoro.

Xasthur - Subliminal Genocide.
Black metal dissonante e acido, che a tratti ricorda il funeral doom più sepolcrale. Agghiacciante e spaventoso.

Thom Yorke - The Eraser.
Ancora più intimo dei dischi dei Radiohead, in questo progetto solista Yorke si diverte con arrangiamenti elettronici basilari e poco rifiniti, ma decisamente adatti al mood malinconico del disco. Con qualche momento di calo, ma anche con picchi molto elevati, The Eraser si dimostra un ottimo lavoro, e piacevolissimo antipasto al capolavoro In Rainbows.

Katatonia - The Great Cold Distance.
Le chitarre sono più compresse, il ritmo più incalzante. La via è quella del metal crepuscolare di Viva Emptiness, ma suoni sono sempre più quadrati, le canzoni sempre più basate sui riff, e l’influeza dei Tool è sempre più evidente. Un disco emozionante con le sue atmosfere glaciali, che, nonostante qualche calo in alcune melodie vocali, si dimostra l’ennesima conferma per la band svedese.

Concerto Ulver

2010-02-20T17:15:00.005+01:00

Il tour degli Ulver è sicuramente un evento. Per la prima volta dal vivo, la band di Garm mette a repentaglio la sua fama di band di culto. Ma il coraggio e la voglia di osare non mancano a questi norvegesi, capaci di rivoluzionare la propria musica svariate volte, senza mai abbassare il livello qualitativo. Le aspettative sono molto alte, ma c'è anche la consapevolezza che sarà impossbile riprodurre dal vivo una musica complessa e ricercata come quella degli Ulver, non concepita per essere vissuta live. Il Teatro Rasi di Ravenna è esaurito, l'atmosfera è quella del grande evento. Assaporiamo seduti lo spettacolo. Il pubblico si dimostra fin da subito rispettoso e silenzioso, quasi in religiosa ammirazione. Attila Csihar, con il suo pregetto Void ov Voices, apre il concerto. Mezzora di voci che si accavallano e si rincorrono, ipnotiche, ossessive, degne dei Sunn O))) più sepolcrali. Drone vocali, cantilene funebri e cori inquietanti, guidate da una voce calda e particolarissima, per una messa nera di grandissimo impatto. E' poi il turno di Garm e soci.
Un'ora e venti di grandissima musica, che ripercorre gli ultimi anni di carriera della band, con una presenza massiccia dei brani degli ultimi 3 album, più alcune sparse schegge tratte dai loro ep. L'apertura con Eos è struggente ed emozionante, i filmati alle spalle della band intensificano le sensazioni trasmesse dalla musica, e risultano affascinanti, e a tratti davvero disturbanti. In certi momenti la musica si fà apocalittica richiamando i migliori Coil e le immagini di periodo nazista sono un pugno nello stomaco. L'intensità non cala , la band suona bene e non ha paura a reinterpretare alcuni brani. Musica elettronica, metal d'avanguardia, trip hop, noise, sia quel che sia, questa è ottima musica. I suoni sono molto buoni nonostante in alcuni frangenti i bassi dei synth saturino troppo l'ambiente, e alcuni volumi risultino sballati e contribuiscano a rendere surreale la reinterpretazione di alcuni brani. Ma in definitiva il risultato è buono, a tratti (soprattutto nei brani più scarni di Shadows of the Sun) davvero grandioso. La voce di Garm è caldissima, profonda, intensa, e sulle note basse fa letteralmente venire i brividi, mentre sulle note alte non si dimostra sempre perfetta. L'esecuzione di For the Love of God risente di una prova vocale non convincente, ma per il resto i risultati sono molto buoni, a tratti strepitosi. I brani di Blood Inside risentono un pò dei nuovi arrangiamenti rock, mentre quelli di Shadows of the Sun si dimostrano a dir poco splendidi. Hallways of Always è straordinaria, così come la conclusiva Like Music, seguita dalla struggente coda di pianoforte. Emozionanti, mai banali, sempre ricercati e sofisticati, gli Ulver si confermano una delle migliori band degli ultimi anni, anche dal vivo. In definitiva uno splendido concerto, che per ovvi motivi, in certi frangenti, si è dovuto basare sulla reinterpretazione in chiave maggiormente rock dei brani, spiazzando un pò all'inizio, ma dimostrandosi poi riuscitissimo. Alcuni momenti, a dir poco sublimi, da soli bastano per considerare questo concerto un evento assolutamente fantastico e irripetibile.

Concerto David Cross

2010-02-19T13:20:00.005+01:00

Sono passati più di 35 anni dal trittico Larks' Tongues in Aspic, Starless and Bible Black, Red, e non so cosa aspettarmi dal violinista che ha contribuito ha rendere storico il nome dei King Crimson, con la sua eleganza melodica, ma anche con i suoi deraglianti deliri rumorosi. Rimango sorpreso quindi di trovarmi di fronte una band di metal progressivo, con suoni compressi e potenti, batteria martellante e passaggi di doppia cassa, assoli alla velocità della luce. La sorpresa è positiva. Le canzoni hanno grande groove e melodicamente sono ineccepibili e coinvolgenti. Niente di originalissimo ma comunque molto efficace, suonato ovviamente in modo divino, ma mai freddo o distaccato, nè eccessivo. Il violino di Cross si innesta benissimo in questa matrice musicale, che comunque prende a piene mani anche dagli anni 70 crimsoniani, alternando momenti melodici di grande atmosfera, passaggi nervosi, e sfuriate metal. Dimostrazione dell'incredibile apertura mentale di questo ultra sessantenne, che continua a divertirsi sul palco, e a creare inusuali melodie. C'è tempo anche per una versione stravolta di Exiles, davvero riuscita nel suo alternare un intro degno degli Ozric Tentacles e alcuni passaggi che ricordano molto i Pink Floyd. Le canzoni della band convincono, soprattutto negli ottimi intrecci chitarra-violino, ma il compito di chiudere lo show è affidato all'immortale Starless, suonata piuttosto simile all'originale, anche se "metallizzata" e "squadrata" in alcuni passaggi. Risultato emozionante e convincente, per una delle canzoni migliori di tutti i tempi (senza esagerare!). Il bis è affidato ad una versione stravolta e decisamente metal di 21st Century Schizoid Man, carina ma a mio parere non eccelsa come le precedenti rivisitazioni proposte, oltre che non legata al periodo che Cross ha trascorso nella band di Fripp. E' comunque una chicca per i fans della band inglese (chissà se avranno apprezzato così tanto metallo?! Mah...dubito...) che ha segnato la storia del rock. Grande concerto

Nosound - A Sense of Loss

2010-02-08T00:16:00.001+01:00

A Sense of Loss, terzo disco dei romani Nosound, rappresenta la maturazione. Dopo i primi esperimenti solisti di Giancarlo Erra, culminati nell’album Sol29 (2005), e la costituzione di una band vera e propria, che con Lightdark (2008) si è imposta come una delle più interessanti realtà italiane, con A Sense of Loss i Nosound acquisiscono una personalità che nei lavori precedenti non era ancora pienamente matura. Fin dalle prime, eteree, note del disco si percepisce una rielaborazione maggiormente personale della proposta, a cavallo tra ambient, rock progressivo e post rock. Atmosfere sospese, come una fitta nebbia autunnale, dal sapore vagamente onirico e psichedelico. La lezione è sempre quella dei primi Porcupine Tree e dei No-man, ma la sensibilità con la quale Erra tratta la materia sonora è personale, e completamente matura. Un tappeto fluttuante di synth, tastiere e archi che creano uno strato sonoro compatto ma mai pesante, nel quale penetrano delicati arpeggi chitarristici e malinconiche note di pianoforte. La sensazione è quella di vagare, senza una meta precisa, in una città solitaria e resa gelida da una leggera nebbia. In alcuni momenti una luce si accende in una casa, e sembra guidarci con il suo calore, ma niente è ben definito, e ci perdiamo nuovamente. Le melodie sono bozzetti che scivolano senza farsi afferrare completamente, e donano un senso di incompiutezza che rende questo lavoro ancor più affascinante e misterioso.
L’incipit è delicato e fragile, l’atmosfera è straniante, e fin da subito ci sentiamo persi nel lungo accordo iniziale. Some Warmth into this Chill, brano d’apertura, mette da parte la ricerca di una melodia portante, in favore di un’analisi delle atmosfere, e raggiunge il suo culmine in un breve assolo pianistico che ricorda lo stile di David Sylvian.
Con la successiva Fading Silently veniamo introdotti in un universo che scorre al rallentatore, e le melodie risultano più riconoscibili e di facile approdo. Il brano ha come struttura portante un affascinante arrangiamento sinfonico che perfettamente si abbina alle poche e calibrate note di pianoforte, dimostrando la capacità della band di creare arrangiamenti complessi ma mai pesanti, e perfettamente funzionali alle necessità comunicative dei brani.
Tender Claim richiama più esplicitamente lo stile psichedelico dei Porcupine Tree di Steven Wilson, principale fonte d’ispirazione per la band. Ma i Nosound rielaborano il pop sinfonico dai sapori psichedelici con una maturità decisamente superiore rispetto al passato. Come il precedente, anche questo brano nella seconda parte scorre strumentale, ma in questo caso per perdersi alla deriva di un tappeto ambient davvero affascinante.
My Apology si dimostra un brano più terreno, guidato da un bellissimo arpeggio di chitarra e dalla voce di Erra. Gli strati sonori si assottigliano in questa ballata malinconica, che mantiene comunque l’atmosfera crepuscolare e vagamente onirica del resto dell’album. La voce di Erra convince, con il suo incedere lento e profondamente ipnotico, ma forse il timbro non è abbastanza intenso e caldo, naturale, e risulta un piccolo difetto in un disco decisamente riuscito.
Constant Contrast suona come una silenziosa meditazione dei Bark Psychosis, e nella sua ipnosi malinconica risulta ricca di particolari che si intrecciano perfettamente senza mai accavallarsi. Rarefatta, ricca di spazi vuoti, è un momento cruciale del disco. Un sogno che scivola nella nebbia umida che avvolge l’album, un passaggio senza il quale non potremmo entrare nella lunga suite finale.
I 15 minuti di Winter Will Come sono il cinematografico capitolo finale dell’album. La surreale nebbia onirica che ci ha guidati fin qui, si sviluppa e si trasforma in una nuova consapevolezza, si apre mostrandoci tutto più chiaramente, con lucidità. Questo non attraverso facili e immediate melodie, bensì grazie ad un’evoluzione delle atmosfere che si fanno qui più luminose e calde, e ci indirizzano lungo una strada definita che è la struttura del brano, a metà tra rock progressivo e post rock. C’è un senso di quiete, di pace, che intravediamo più chiaramente dietro il velo di nostalgica malinconia. Un finale epico ma non ridondante, che ricorda i Sigur Ros per i suoi crescendo, le sue lunghe pause, e le ripartenze. La nebbia si è diradata, e la sensazione è quella di trovarsi su una spiaggia deserta, in autunno, assaporando il calore dell’ultimo Sole, prima dell’esplosione di un nuovo, gelido, inverno. Una distorsione irrompe possente, accompagnata ancora una volta dagli archi, e la canzone si spalanca, meravigliosa, prima di accartocciarsi e prendere nuovamente fiato. Un passaggio che carpisce ancora una volta linfa vitale dalla musica d’ambiente, prima delle battute finali, epiche e drammatiche.
Se già il precedente Lightdark dimostrava una band capace di comporre ottima musica, A Sense of Loss non solo è la conferma di tale capacità, ma è un decisivo passo in avanti per quanto riguarda la sviluppo della personalità. Manca forse ancora la maturità necessaria per comporre melodie portanti efficaci da innestarsi sui meravigliosi tappeti ambient, ma forse è proprio questa incompiutezza che dona maggior fascino ad un album straordinario, in grado di miscelare con sapienza arrangiamenti complessi ed emozioni intime, senza mai perdere intensità.

Playlist Gennaio

2010-02-06T13:04:00.002+01:00

1. Katatonia - Night is the New Day
2. Porcupine Tree - The Incident
3. Radiohead - Amnesiac
4. Radiohead - Kid A
5. King Crimson - In the Wake of Poseidon
6. Morbid Angel - Domination
7. Nevermore - Dead Heart in a Dead World
8. Andrea Carboni - La terapia dei sogni
9. Klaus Schulze - Timewind
10.Slayer - Hell Awaits

Altri:
Cynic - Traced in Air
King Crimson - The Power to Believe
Warrel Dane - Praises to the War Machine
Megadeth - Peace Sells...but Who's Buying?
Megadeth - Rust in Peace

Avatar

2010-01-26T16:13:00.002+01:00

La tecnologia 3D diventerà il futuro del cinema o rimarrà un divertente ma sterile giocattolo? Avatar, film più pompato del momento, si propone come rivoluzione del mondo cinematografico, non resta che raccogliere la sfida e immergersi in quasi tre ore di proiezioni tridimensionali. Visivamente il film colpisce perchè riesce ad abbinare un'elevata spettacolarità a un ottima sensibilità nella cura delle immagini, anche se la sovrabbonadanza di computer grafica rende ai miei occhi il lavoro piuttosto stucchevole. Non c'è la follia dai sapori psichedelici e dark di Coraline, nè l'onirica nostalgia di Up, purtroppo. Alcune scene sono davvero affascinanti, ma ci sono anche alcune ambientazioni pacchiane e troppo plastificate per trasmettere la poesia e la delicatezza delle ambientazioni fantasy. Al di là delle immagini, il film è banale e già visto, e gioca a criticare la politica americana degli ultimi anni, e più in generale l'uomo occidentale degli ultimi secoli, e il suo folle rapporto con se stesso, e con gli equilibri naturali. Alcuni richiami ad una filosofia di stampo orientale sollevano un pò il film, ma l'approfondimento non è certo la caratteristica di Avatar, che scorre sempre sul binario dell'immediatezza (o della banalità?!). Creato ad uso e consumo del popolo americano, il film è americano fino al midollo (con tutti i suoi pro e contro, a seconda dei gusti) e sembra quasi una rappresentazione della svolta (?!) politica ad opera di Obama. Non si scappa dal sogno americano, insomma.
Visivamente promosso, anche se le vere potenzialità della tecnologia 3D si misureranno su film un pò più misurati.

New Millennium: my 2005

2010-01-24T22:15:00.026+01:00

Siamo alla fine del decennio, così raccolgo alcune idee e impressioni sui dischi che ritengo fondamentali e imprescindibili, tra quelli usciti negli anni 00.
Ancora molto devo approfondire e conoscere, questa è un'istantanea di fine 2009 di quello che, passando dal mio stereo, ha raggiunto finora il mio cervello e il mio cuore, e ha lasciato segni profondi.
(l'ordine di presentazione dei dischi è alfabetico...non è una classifica)

Anno 2005

Red Sparowes - At the Soundless Dawn.
Bellissimo disco di classico post rock, con atmosfere più vicine alla spiritualità degli Isis che alla dolce malinconia dei Mogwai. Un disco strumentale di rara bellezza che emoziona e, pur non inventando nulla, suona personale e affascinante.

Sunn O))) - Black One.
Se gli Earth hanno reso la loro proposta più melodica, i Sunn O))) estremizzano sempre più le atmosfere. I muri di suono rimangono intatti e altissimi, ma su di loro scivola un liquido nero, chiamato black metal. Come ribaltare la lezione della musica del demonio, annullandone il ritmo per un senso annichilente davvero spaventoso. Impressionante e monolitico, indubbiamente uno degli apici della band.

Ulver - Blood Inside.
Gli Ulver cambiano ancora le carte in tavola. La voce di Garm torna protagonista, e si contorce tra le atmosfere oscure di questo disco, che suona folle e stralunato, nel suo umorismo nero

Khanate - Capture & Release.
Due brani lunghissimi per un estenuante passeggiata all’Inferno. La formula è sempre quella, musica abrasiva e acida, dai ritmi rallentati e stranianti. Dissonante e ipnotica nelle sue risonanze drone, squarciata da urla inumane. Dolore

Dredg - Catch Without Arms.
Più pop del disco precedente, il nuovo parto dei Dredg è una bellissima opera solare che avvolge con il suo calore. Soliti arrangiamenti sopraffini per un rock che non lascia indifferenti grazie all’incredibile efficacia delle melodie. Un disco immediato e per questo apparentemente banale, ma le sensazioni che lascia sono intensissime, basta avere la sensibilità per scavare sotto le chitarre brillanti di questo lavoro.

Porcupine Tree - Deadwing.
Sviluppando sempre di più il lato metallico già presente su In Absentia, la band di Wilson compone un lavoro crepuscolare sempre più vicino alle atmosfere degli Opeth. Ma la band non perde la propria personalità, e mantiene una forte impronta melodica e vagamente psichedelica. A parte un paio di episodi meno interessanti, il disco risulta convincente ed emozionante.

Oceansize - Evryone into Position.
Secondo disco per questa band di Manchester che costruisce un fluttuate suono psichedelico, a metà tra la malinconia degli A Perfect Circle e quella dei Porcupine Tree, con il tocco dei Mogwai e la sensibilità dei Radiohead. Un rock rumoroso caratterizzato da suoni brillanti e arrangiamenti molto particolari in cui le chitarre si intrecciano alla perfezione.

The Mars Volta - Frances the Mute.
Senza freni inibitori i Mars Volta vomitano il loro fiume in piena di note, che si intrecciano, si sovrappongono, si rincorrono all'infinito in un caleidoscopio folle. Un disco per certi versi eccessivo e ridondante, ma forse proprio per questo pregno di un'energia travolgente e strabordante, inarrestabile. Una buona dose di melodia condisce il tutto, per creare uno straordinario esempio di rock progressivo del nuovo millennio.

Opeth - Ghost Reveries.
Gli Opeth provengono dal grande successo di pubblico di Damnation ma anche dalle critiche feroci dei fans storici che iniziano a considerarli ormai sulla via della "svendita artistica". La band continua per la propria strada e compone un bellissimo disco, originale e moderno, ma profondamente ancorato al passato della band. Si percepisce un maggior gusto per la melodia, e soprattutto una profonda influenza per quel prog settantiano che da sempre appassiona Akerfeldt e compagni. Per amplificare questa esigenza, nel gruppo entra in pianta stabile il tastierista Per Wiberg che ricama bilanciatissime e mai invadenti note dal sapore leggermente psichedelico.
Earth - Hex: or Printing in the Infernal Method.
Reinventarsi e risultare ancora una volta originali, creativi ed espressivi. Abbandonato il drone rumoristico gli Earth si incamminano sulla via della melodia, con costruzioni di matrice post rock, ma con una sensibilità decisamente più vicina al blues ipnotico e alla psichedelia. Suoni carichi e caldi risuonano all'infinito, in un bellissimo disco strumentale che richiama alla mente spazi sconfinati, nel deserto americano. Una visione personale di Dead Man di Neil Young, ovviamente in acido.

Harvestman - Lashing the Rye.
Strumentale, ipnotico, psichedelico. Un disco dove la chitarra e i sintetizzatori creano atmosfere oniriche, ora desertiche e caldissime, ora liquide e gelate. Colonna sonora di un H2Odio, film thriller che, seppur interessante, non riesce a rappresentare visivamente le atmosfere create da un disco spirituale e sottilmente misterioso.

Ufomammut - Lucifer Songs.
Il disco a mio parere più personale e interessante tra i tanti ottimi lavori della band di Tortona. Un doom altamente lisergico condito da passaggi ambient caldi come la lava. Ipnotico, pesante, inquietante ma anche travolgente. Non soltanto Neurosis ed Electric Wizard, qui si sente la spiccata personalità della band italiana, in assoluto tra le più interessanti del decennio.

Shora - Malval.
Un ep in cui convive il miglior post rock e il miglior math rock. Pur non essendo niente di particolarmente innovativo, è una sintesi straordinariamente coinvolgente. Ingiustamente dimenticato.

Behold...the Arctopus - Nano-Nucleonic Cyborg Summoning.
Tre brani strumentali che devono molto al death metal ipertecnico degli anni 90. Intrecci folli e in continua evoluzione, che non perdono mai un attimo di groove e di efficacia melodica (a differenza del successivo full length). C’è spazio anche per riflessioni oniriche per certi versi davvero psichedeliche. Straordinario

35007 - Phase V.
Con Phase V la band olandese conferma il percorso intrapreso con Liquid e ne amplifica le suggestioni oniriche, attraverso atmosfere più rilassanti e meno catartiche che in passato, ma comunque straordinariamente efficaci. Proiettarsi nello spazio e perdere il legame con il proprio corpo.

Sigur Ros - Takk...
Ennesima evoluzione per questa straordinaria band, che in questa occasione riduce le dilatazioni, abbandona il mondo ovattato e onirico del disco precedente, e crea dei bozzetti dal sapore nostalgico, come vecchie fiabe per bambini. Dolcissimo e fresco come l'estate islandese, non più coperto da un enorme strato di neve, ma anzi rischiarato da gentili raggi di Sole. Ennesimo capolavoro.

Coil - The Ape of Naples.
Musica elettronica affascinante e misteriosa, che vede la luce pochi mesi dopo la morte del cantante John Balance. Un disco ipnotico, sottile e di gran classe, che necessita di tempo per depositarsi nell’anima di chi, come me, è praticamente a digiuno del genere. Ma la profondità di questa musica è davvero indiscutibile. Fondamentali, tra l’altro, per la crescita musicale di un’altra grandissima band, gli Ulver.

Amplifier - The Astronaut Dismantles HAL.
Hard rock psichedelico molto moderno che prende spunto dai grandi gruppi degli anni 90 e dei primi anni 2000. Molto convincenti grazie soprattutto ad ottimi arrangiamenti spaziali che rendono i brani davvero suggestivi. Questo ep risulta più interessante del comunque buon disco d’esordio, che in certi momenti risultava troppo derivativo, e non sempre interessante per l’intera durata.

Pelican - The Fire in Our Throats Will Beckon the Thaw.
Il post rock strumentale si appesantisce ma non perde la grande capacità melodica. Dal doom rumoroso degli esordi i Pelican si son pian piano evoluti verso la melodia, raggiungendo con questo disco il perfetto equilibrio.

Nevermore - This Godless Endeavor.
Ennesima conferma per la band di Seattle. Un disco più classico, meno acido e deviato dei precedenti, con una dose di melodia molto elevata ma mai stucchevole. L'ennesimo capolavoro di thrash metal intelligente, forse meno sorprendente di alcuni predecessori, ma comunque azzecatissimo in ogni sua nota.

Toner Low - Toner Low.
Stoner doom psichedelico figlio dei migliori Electric Wizard e Sleep. Distorsioni grasse, energia possente, tanta psichedelia, questo è davvero un gioiello che meriterebbe maggior attenzione.

Martin Grech - Unholy.
Questo giovanissimo musicista raggiunge la maturità con il suo secondo disco, che, pur non essendo privo di difetti, si dimostra un freschissimo mix tra la poesia di Jeff Buckley e l'oscurità dei Tool, con un occhio agli esperimenti elettronici di Nine Inch Nails e Radiohead.

La doppia vita di Veronica

2010-01-05T13:32:00.003+01:00

Un capolavoro. Toccante ed emotivo, è un film che lascia moltissime domande in sospeso, e fa riflettere. Il tema del doppio è trattato con una sensibilità e una creatività unica. Due donne che vivono in paesi diversi, legate indissolubilmente. Ma le loro scelte saranno diverse, e ognuna esplorerà in modo diverso il proprio talento e la propria unicità. Weronicka si getterà nel vortice della sua passione, il canto, fino a morirne e Veronique, più razionale e osservatrice (anzichè attrice) di se stessa, da quel momento percepirà che qualcosa è cambiato. E andrà alla ricerca di quella parte di sè che non c'è più. La straordinaria fotografia e la magnifica colonna sonora non solo impreziosiscono il film, ma sono fondamentali per lo sviluppo tematico di questo gioiello.

Playlist: Dicembre

2010-01-02T11:41:00.004+01:00

1. Katatonia - Night is the New Day
2. Sigur Ros - Agaetis Byrjun
3. Godspeed You! Black Emperor - Yanqui U.X.O.
4. Isis - Wavering Radiant
5. King Crimson - Red
6. Lunatic Soul - Lunatic Soul
7. Steven Wilson - Insurgentes
8. Fripp & Eno - No Pussyfooting
9. David Sylvian - Manafon
10. Sunn O))) - Monoliths & Dimensions

Altri:
Cynic - Traced in Air
Porcupine Tree - The Incident
Marillion - Marbles
King Crimson - In the Wake of Poseidon

New Millennium: my 2004

2009-12-28T18:00:00.017+01:00

Anno 2004

Nortt / Xasthur - A Curse for the Lifeless / Hedengang
Un abisso nero. Immergersi nella sofferenza di questo disco è un'esperienza che non lascia indifferenti. Note di pianoforte che gocciolano su un tappeto di distorsioni glaciali, e una voce giunge distorta dall'Aldilà. E poi gli arpeggi dissonanti e la depressione...non c'è via d'uscita da capolavori come questo

Blackfield - Blackfield
Un bellissimo disco di pop romantico, con un pizzico di psichedelica. Melodie immediate ed efficaci che richiamano chiaramente i Beatles (e di conseguenza i Porcupine Tree di Lightbulb Sun), arrangiate in maniera sopraffina dal duo Wilson-Geffen, tra arpeggi malinconici, chitarre liquide di ispirazione floydiana, cori e controcori. Atmosfere nostalgiche e sentimentali. Niente di sperimentale o particolarmente nuovo, ma niente di già sentito. Insomma melodie straordinarie e atmosfere coinvolgenti. Personalmente uno degli apici della carriera di Wilson.
Fantomas - Delirium Cordia
Ogni appassionato di film horror dovrebbe conoscere questo disco. Ma preparandosi ad un’ascolto imprevedibile, non una semplice colonna sonora sottilmente inquietante, né ad una serie di scricchiolii di porte di legno. Ci troviamo di fronte ad un flusso incessante che alterna esplosioni folli a lunghissime attese, passaggi noise e tappeti di dark ambient profondamente acida e psichedelica. Un disco oscuro e misterioso, ma anche profondamente ironico (come un buon film splatter). Ancora una volta per la serie: “presa di culo o capolavoro”. Io non ho dubbi, sono per la seconda ipotesi.
Guapo - Five Suns
La musica dei Guapo è una scala mobile strumentale dove si susseguono echi di rock progressivo made in canterbury, kraut rock, math rock... Tastiere e basso in evidenza per una suite dal sapore psichedelico

Jesu - Jesu
Meraviglioso esordio del nuovo progetto di Justin Broadrick (Godflesh). Un mare di distorsioni e muri di sintetizzatori per creare un'atmosfera nebbiosa e onirica, gelida come la ruggine che divora i resti di un'industria ormai morta. Un capolavoro a metà tra shoegaze, drone, noise e industrial. Pesantissimo e meravigliosamente decadente.

Meshuggah - I
Ventuno minuti. Un macigno che riassume e sintetizza le varie anime della band svedese, risultando, grazie anche alla varietà della proposta, più immediato dei lavori precedenti. Fenomenale in ogni singola nota, I alterna sfuriate violentissime a riff elastici e pesantissimi, con passaggi acidi per condire il tutto.Ennesimo capolavoro.

Marillion - Marbles
Un disco magnifico che, senza inventare nulla, dimostra quanto il rock progressivo abbia ancora da donare. Melodicamente impeccabile, arrangiato in modo mai banale, è uno strabiliante lavoro guidato da una voce caldissima e una chitarra che parla all’anima.

Isis - Panopticon
Dopo Oceanic gli Isis accentuano il loro lato psichedelico e post rock, creando un disco dalle atmosfere eteree, sognanti, irreali. Non mancano i passaggi violenti, comunque.
Vetro, freddo e trasparente, sul quale si poggiano raggi di sole lontani. E' un disco che evoca grandi spazi, con nostalgia. Non racconta direttamente l'imprigionamento e il controllo al quale siamo sottoposti, ma il senso di libertà perduta che ci pervade, la sensazione di impotenza, e la consapevolezza crescente di non essere più noi stessi, ma solo marionette. E' un disco dalla forte emotività, che scava dentro la società passando dall'anima di chi la compone.
Deathspell Omega - Si Monumentum Requires, Circumspice
Il black metal è spesso considerato un genere immobile, nella sua ricerca di estremismo sonoro senza compromessi. Questa band francese dimostra che è proprio da coloro che cercano di abbattere i confini che nascono le idee più innovative. Mischiare le gelide atmosfere che hanno reso famoso il genere con passaggi dissonanti e acidi, degni del miglior noise, è un’operazione difficile. Ma perfettamente riuscita.

The Gathering - Sleepy Buildings - A Semi Acoustic Evening
L’unplugged dei The Gathering è, personalmente, il picco emotivo della carriera della band. La voce di Anneke è celestiale e comunicativa come non mai, e gli arrangiamenti risultano caldi e profondi e donano nuova vita alle già bellissime canzoni.

Neurosis - The Eye of Every Storm
Il mio disco preferito di questa grandissima band. Dopo l’apocalisse di A Sun That Never Sets i toni si distendono. C’è una strana sensazione di pace, nel contemplare le rovine. Immagini di solitudine, nebbia, e una città distrutta. Passaggi ambient dal sapore psichedelico, chitarre acustiche ai limiti del folk apocalittico, arpeggi formalmente post rock, ma dall’atmosfera opposta, il tutto perfettamente combinato con distorsioni acide e sferraglianti schegge industrial. Emotivamente devastante.

65daysofstatic - The Fall of Math
Il post rock incontra la musica elettronica e il risultato è un disco bellissimo, caratterizzato da atmosfere delicate in perfetto equilibrio con ritmi trascinanti. Malinconica dolcezza ed fiumi di energia, per un mix unico che dona ossigeno ad un genere musicale in affanno.

Electric Wizard - We Live
Meno psichedelico e più doom. Sepolcrale come un film horror degli anni 70, We Live è l’ennesima resurrezione della band di Oborn, stravolta nella line up. Il risultato è un disco meno marcio, più compatto, ma comunque tremendamente intenso. Non un disco epocale come alcuni precedenti, ma sicuramente un ottimo lavoro, assolutamente impedibile per tutti gli amanti del doom acido e zozzo.

Bark Psychosis - ///Codename: Dustsucker
Dopo dieci anni dal capolavoro Hex, tornano i Bark Psychosis con un disco che non si discosta molto dal predecessore ma risulta emozionante, ricca di fascino e delicatezza. Un pop raffinato che si tinge di elementi elettronici, rumoristici, post rock, il tutto senza perdere di vista l’atmosfera.

New Millennium: my 2003

2009-12-22T23:05:00.021+01:00

Siamo alla fine del decennio, così raccolgo alcune idee e impressioni sui dischi che ritengo fondamentali e imprescindibili, tra quelli usciti negli anni 00.

Ancora molto devo approfondire e conoscere, questa è un'istantanea di fine 2009 di quello che, passando dal mio stereo, ha raggiunto finora il mio cervello e il mio cuore, e ha lasciato segni profondi.
(l'ordine di presentazione dei dischi è alfabetico...non è una classifica)

Anno 2003

Massive Attack - 100th Window
Pur non essendo un grande conoscitore di trip-hop mi sento di poter affermare che questo disco notturno sia davvero meraviglioso. Anche se non ai livelli di Mezzanine, 100th Windows è un’affascinante istantanea di una città notturna e misteriosa, con le sue luci al neon e le strade deserte. Ritmi elettronici ipnotici e suoni sintetizzati glaciali che fanno correre brividi lungo la schiena. Splendido

Anathema - A Natural Disaster
Ok, questo disco non inventerà nulla. Gli Anathema non saranno mai i Pink Floyd, nè i Radiohead. Ma la loro rilettura del prog e del rock alternativo, con una sensibilità spiccatamente gotica e "metallara", rende questo disco davvero entusiasmante, e unico. E questo mi basta.
Il mio preferito della band, insieme a Judgment.

Yob - Catharsis
Un magma dall'incedere lentissimo che inesorabilmente sommerge tutto. Doom psichedelico ai massimi livelli. Due brani lunghissimi e pachidermici, bollenti come la lava. Al centro un brano più vicino allo stoner, mentre voci marce e catarrose si intrecciano ad uno stridulo degno di Ozzy in acido. Musica allucinata, valvolare, sudata e fumante.

Kayo Dot - Choirs of the Eye
Musica in continua evoluzione e mutamento, difficile ma melodicamente affascinante. Pretenziosa e snob, forse, ma anche delicata e poetica. E soprattutto, unica e innovativa. Canzoni che si avvolgono e contorgono in maniera assolutamente naturale, traendo spunto dalle influenze più disparate, ma senza mai dare il senso di copia-incolla. Tutto è scorrevole. Non facile, ma scorrevole ed emozionante. Progressive rock.

Opeth - Damnation
Un bellissimo disco acustico. Una giornata di novembre, avvolta nella nebbia. Un capolavoro degno dei migliori Pink Floyd. Affascinante

The Mars Volta - De-loused in the Comatorium
Dalle ceneri degli At the Drive In nasce questo interessantissimo progetto che nel disco d'esordio raggiunge il perfetto equilibrio tra prog ipercervellotico, psichedelia delirante, energia hardcore e improvvisazioni folli. Un'esplosione incontrollabile, che trae spunto dai funanboli del passato come King Crimson, Yes, Mahavishnu Orchestra e la miscela alla furia hardcore, elaborando la proposta in modo decisamente unico.

Nevermore - Enemies of Reality
Ancora un passo avanti per la band di Seattle. Nonostante questo disco venga spesso criticato per me è un gioiello di thrash moderno. Si sente l'influenza dei Meshuggah, nel disco più violento e cerebrale dei Nevermore. 40 minuti senza un attimo di respiro, tra atmosfere apocalittiche. Straordinari i Testi di Warrel Dane.

Radiohead - Hail to the Thief
Tornando leggermente indietro sui propri passi, i Radiohead compongono un disco più vicino al rock. Lungo e affascinante, Hail to the Thief è l’ennesima conferma, fatta di melodie depresse e atmosfere da fine del mondo.

Tomahawk - Mit Gas
Soltanto a leggere i nomi coinvolti si capisce il valore di questa band. Ma non siamo di fronte ad una semplice somma di Melvins, Jesus Lizard, Helmet e Faith No More. I 4 dell'apocalisse inventano un rock straordinariamente energico, ma anche melodico, guidato da una chitarra abrasiva e rumorosa che si innesta su una sezione ritmica trascinante. E poi c'è la voce di Mike Patton che, a mio parere, neanche nei Faith no More ha mai raggiunto questi livelli. Il rock.

Neurosis & Jarboe - Neurosis & Jarboe
Sono di parte. Jarboe è una delle voci femminili che preferisco. I Neurosis sono uno dei miei gruppi preferiti. Non riesco ad essere obiettivo. Per me questo abbinamento è una delle cose più inquietanti e spaventose che mi sia capitato di ascoltare, ma anche incredibilmente commovente. Poesia

[No copertina] Ornaments - Ornaments
Unica pubblicazione di questa straordinaria band italiana. Il loro post rock strumentale profondamente influenzato dalle ultime produzioni di Neurosis, Isis e Breach, risulta personalissimo oltre che incredibilmente emozionate. Per la serie “se fossero stati inglesi avrebbero fatto ben altra strada”. Senza campanilismo esagerato, questo è in assoluto uno dei dischi post-* più interessanti che abbia mai ascoltato.
Pelican - Pelican
Ep di esordio per i giovanissimi Pelican. Quattro canzoni di una pesantezza disarmante, ai limiti tra doom psichedelico e post hardcore di scuola Neurosis. Per certi versi perfino superiore dell’ottimo full length uscito lo stesso anno, Australasia.

The Gathering - Souvenirs
Dopo aver assorbito una dose ingente di Radiohead e trip hop, i Gathering tornano con un disco straordinario che non perde le atmosfere ipnotiche e crepuscolari del lavoro precedente, ma le rilegge attraverso un’ottica maggiormente moderna. Straordinaria prova vocale di Anneke, che raggiunge picchi emotivi inusitati in brani come Broken Glass e You Learn About It, dimostrandosi una delle migliori cantanti in circolazione, nonostante la scarsa fama al di là del ristretto cerchio di fans. Da brividi

King Crimson - The Power to Believe
Nel nuovo millennio il Re Cremisi si manifesta sotto forma di suoni pesanti, ai limiti del prog metal più sperimentale, e ad essi abbina soundscaspes atmosferici e contorti assoli di chitarra, con qualche sprazzo elettronico, ma soprattutto con una ricerca melodica sempre affascinante e mai banale. Il risultato è un meraviglioso disco di rock progressivo del futuro.

Khanate - Things Viral
Il disco più doloroso e inquietante che abbia mai ascoltato. Un'ulcera che ti sbrana da dentro, un tumore che appesantisce i pensieri. Dolore, lancinante. Musica per tossici all'ultimo stadio, oppure per gli amanti delle emozioni forti. Agli altri risulterà una semplice cascata di rumore, per me è un'opera d'arte

A Perfect Circle - Thirteenth Step
Un disco avvolgente e sensuale, dalle atmosfere sottilmente misteriose. Più atmosferico e intimo del precedente, sempre più vicino ai migliori Cure, questo è davvero un disco meravlioso ed emozionante come pochi altri.

Manes - Vilosophe
Per certi versi affini agli Ulver, i Manes confezionano un disco dalle atmosfere scure ma mai disperate. Un lavoro incredibilmente affascinante, che trova pochi uguali nel mix riuscitissimo di trip hop elettronico, rock alternativo e atmosfere gotiche. Un disco anche beffardo e ironico, non saprei come definirlo. Fatto sta che la voce del cantante, nonostante non sia animalesca o particolarmente strana, mi mette davvero i brividi.

Katatonia - Viva Emptiness
Più immediati e d’impatto, gli svedesi creano un disco memorabile che riesce ad abbinare perfettamente l’oscurità metropolitana con un’energia straripante. Una batteria in perpetuo movimento, suoni di chitarra maggiormente compressi e melodie vocali strabilianti non indeboliscono, ma anzi arricchiscono, le classiche atmosfere plumbee della musica della band.

New Millennium: my 2002

2009-12-21T19:43:00.018+01:00

Anno 2002

Sigur Ros - ( )
Poesia. Un flusso bianco intenso come una pesante nevicata. Una tempesta di emozioni, per uno dei dischi più commoventi che abbia avuto la fortuna di ascoltare. Un flusso a cavallo tra il silenzio e il rumore, nel quale appaiono melodie dolci e malinconiche. Musica che racconta storie di posti a noi lontani, in una lingua che non esiste, ma che riesce davvero a parlare al nostro Io più profondo. Indescrivibile la rilettura del post rock operata da questa band islandese, incredibilmente calda e "settantiana", apparentemente caratterizzata solo da atmosfere affascinanti, in realtà molto più intensa di quel che appare.
Opeth - Deliverance
Erroneamente considerato un disco minore, Deliverance è invece l’imperdibile lato oscuro di Damnation. Un disco pesante e violento, che in certi passaggi richiama perfino i Morbid Angel, senza mai perdere di vista le atmosfere nebbiose che hanno resa famosa la band. Deliverance regala alcuni degli episodi più riusciti della carriera della band svedese, come la strepitosa A Fair Judgement, ballata prog emotivamente commovente, e la strepitosa Deliverance, un death metal progressivo che entra senza dubbio tra le migliori canzoni mai composte dagli Opeth, soprattutto grazie al finale schiacciasassi.
Dredg - El Cielo
Melodie malinconiche ma dolcemente solari, a metà tra rock alternativo, post rock e rock progressivo. Un gioiellino che porta la pace interiore nell'ascoltatore. Chitarre liquide e voce angelica, per canzoni strutturate come scale mobili, continuamente in movimento.

Porcupine Tree - In Absentia
La proposta musicale della band si è spinta decisamente verso lidi prog metal (grazie anche all'arrivo del batterista Gavin Harrison, più potente e "quadrato" di Maitland). Riff granitici in bilico tra hard rock e metal aprono le danze nella bellissima Blackest Eyes, canzone che non avrebbe sfigurato nei migliori dischi degli Opeth, e continuano a colpire in varie occasioni, mostrando anche la passione di Wilson per la musica pesante del nuovo millennio, Tool in testa. Per certi versi riallacciandosi alle recenti produzioni dei King Crimson, orientate verso l'energia compatta del metal moderno, i Porcupine Tree cercano di alzare i volumi, per dare scariche elettriche di energia. Ma la melodia non manca certamente in questo disco, ma anzi è la vera chiave di volta, grazie anche al solito studio maniacale degli arrangiamenti, sempre particolari e brillanti, per arrichire ritornelli orecchiabili di scuola Beatles e passaggi psichedelici. Emblematica, ad esempio, la stupenda Heartattack in a Layby, caratterizzata da un intensissimo intreccio di voci, oppure la solare e avvolgente Trains, guidata dalla chitarra acustica. Un disco malinconico con un'atmosfera davvero unica, da molti fans considerato uno dei dischi più riusciti.
Dillinger Escape Plan - Irony is a Dead Scene
E' solo un ep. Ma in 4 canzoni riescono a convogliare tutta la follia e l'energia straripante che i System of a Down non avranno mai. La voce di Mike Patton è strepitosa, e rende questo dischetto davvero imperdibile

35007 - Liquid
Gli olandesi tirano fuori un disco space rock psichedelico davvero straordinario. Diventati strumentali dopo l'abbandono del cantante (gran voce, tra l'altro!) la band diminuisce la dose di stoner rock in favore di una psichedelia ancor più dilatata. Un viaggio tra i flutti dell'oceano, ora calmi e rilassanti, ora potentissimi e trascinanti.

Meshuggah - Nothing
I ritmi meccanici e opprimenti della società tecnologica trovano rappresentazione perfetta in questo capolavoro di alienazione. Marziale, apocalittico, devastante, Nothing è il disco più pesante degli svedesi. Il ritmo rallenta, e i macigni ci cadono addosso da ogni direzione. Qualche assolo acidissimo richiama alla mente i migliori King Crimson...

Isis - Oceanic
Gli Isis intraprendono una strada personale distaccandosi dai maestri Neurosis, alleggerendo la loro musica con una gran quantità di arpeggi di derivazione post rock e strutturando le canzoni in maniera più complessa. Un disco acquatico (come Liquid dei 35007), pulsante, vivo.

Today is the Day - Sadness Will Prevail
Difficile descrivere il dolore che esprime questo disco. Insieme a Things Viral dei Khanate è probabilmente una delle cose più perverse che abbia mai ascoltato. E’ uno di quei dischi che faccio fatica ad ascoltare se non sono nello stato mentale adatto. Suoni zanzarosi e iper compressi, dissonanze come se piovesse (pioggia acida ovviamente), voci filtrate che stridono. Non si può descrivere un delirio di questo livello, bisogna lasciarsi strappare la carne da una delle opere più sporche mai concepite, e forse per questo più catartiche.
Dream Theater - Six Degrees of Inner Turbulence
I Dream Theater si sono guardati intorno e hanno assorbito le idee più interessanti di questo inizio millennio. Il loro progressive rock ultratecnico sviluppa, in un disco molto lungo e non del tutto a fuoco (soprattutto nella seconda parte), un’ interessante ibridazione con il rock alternativo. Non sempre maturo e originale, è comunque un ottimo lavoro, con un primo disco straordinario, che raggiunge la vetta con la bellissima Disappear, malinconica ballata che di fatto mette fine alla carriera dei Dream Theater, che da qui in poi calerà a picco.
Queens of the Stone Age - Song for the Deaf
Puro e semplice rock n' roll. Ma incredibilmente fresco e nuovo. Melodicamente impeccabile, abbina ritmi energici e travolgenti (Dave Grohl alla batteria) con riff di matrice stoner rock (Josh Homme alla chitarra) e aperture melodiche sottilmente psichedeliche. Mark Lanegan come ospite è una garanzia. Energia pura.

Tarantula Hawk - untitled
Un viaggio strumentale che ci porta a lambire i confini del kraut rock psichedelico della Germania degli anni 70, ma con mezzi moderni. Un magma di tastiere cariche di effetti, scricchiolii chitarristici e droni cosmici, per un risultato tra i più originali e stordenti di inizio millennio.

Peter Gabriel - Up
Delicato e ricco di fascino, Up è un disco che sembra uscito dagli anni 80, ma dopo aver assorbito i suoni e le atmosfere di fine anni 90. Elettronica a gocce, melodie pop ricercatissime e quasi sempre riuscite, arrangiamenti sopraffini e mai banali. La voce di Gabriel è pura poesia, ed è la vera forza di un disco che alterna ombra e luce, tensione e rilassatezza, dolore e piacere, il tutto in maniera estremamente coinvolgente.

Godspeed You! Black Emperor - Yanqui U.X.O.
Per molti è il disco meno interesante della band canadese. A me è quello che piace maggiormente. Il loro post rock dilatatissimo si avvicina a certa musica cosmica e rock progressivo, creando un'atmosfera davvero unica. Più epico e scorrevole dei precedenti, perde un pò di fascino per l'assenza degli intermezzi ambientali (voci e rumori) ma si dimostra ancora più melodico. Rockets Fall on Rocket Falls è una delle composizioni più emozionanti di sempre.

New Millennium: my 2001

2009-12-18T16:18:00.019+01:00

Anno 2001:

Radiohead - Amnesiac.
A differenza del gemello Kid A, Amnesiac non miscela perfettamente l’anima rock e quella elettronica dei Radiohead, risultando nel complesso meno originale, meno sconvolgente e meno bilanciato. Rimane comunque una strepitosa raccolta di canzoni, molte delle quali con diritto di entrare nell’ Olimpo della carriera del gruppo, dalla struggente Knives Out a Pyramid Songs, passando per You and Whose Army.

Neurosis - A Sun that Never Sets.
L'apocalisse si è abbattuta e ora non ci resta che contemplare il vuoto. I Neurosis "alleggeriscono" il carico di violenza per entrare in un universo di suoni nuovi. Folk apocalittico, industrial, psichedelia, post metal...tutto insieme per creare qualcosa di assolutamente unico e sconvolgentemente doloroso. Non è il primo capolavoro di questa band, che nel corso degli anni ha seguito un percorso personalissimo in anticipo su tutti

Opeth - Blackwater Park.
Il miglior disco della seconda stagione degli Opeth. Ogni nota al suo posto, nella sua perfezione formale Blackwater Park è il prog metal del nuovo millennio. Atmosfere nebbiose e sottilmente gotiche, arpeggi acustici di infinita bellezza, stacchi death metal opprimenti e inquientanti, un tocco prog innegabile. Capolavoro

Converge - Jane Doe.
L'hardcore maligno dei Converge trova in questo disco l'apice assoluto, e presto diventerà metro di paragone per tutti coloro desiderano suonare musica pesante in modo non convenzionale. Dalla furia hardcore alla violenza death metal passando per sfuriate rumoristiche, Jane Doe è un vero e proprio capolavoro di rabbia e dolore.

Breach - Kollapse.
L'hardcore si evolve e cambia forma. Negli anni 90 molti gruppi hc avevano intrapreso la strada della sperimentazione, ma è a cavallo del nuovo millennio che arriva la seconda ondata di furia acida. Kollapse è un disco epocale che dipinge scenari apocalittici. Un capolavoro di nervosismo e tensione, tra ferraglie industriali e arpeggi post rock.

Katatonia - Last Fair Deal Gone Down.
Evoluti dal doom degli esordi in una sorta di Cure metallici e nichilisti, i Katatonia creano un 'opera emotivamene toccante e assolutamente unica. Le melodie perennemente malinconiche, la voce ipnotica e stanca, l'artwork malato, tutto contribuisce a creare un'atmosfera di schifosa apatia, e (volutamente) esasperata perdita di speranza, energia e fiducia.

Tool - Lateralus. Dopo il successo dello stupendo Aenima i Tool diventano ancora più ambiziosi e costruiscono un'opera monumentale che suona unica per la sua capacità di fagocitare svariate influenze e amalgamarle in maniera mai vista. Lateralus è un percorso, un viaggio, un’esperienza. Un lungo e faticoso cammino, assolutamente inedito nell’attuale (e non solo) panorama artistico. Musica, immagini e parole si fondono e diventano un’unica entità, indissolubile. Un monolite grandioso con un messaggio preciso, da assorbire lentamente, fino ai nostri strati più profondi. Entrare dentro di noi, sfogliando i vari strati di coscienza, oltre la superficie, sempre più in profondità, lontani da quella che comunemente chiamiamo realtà. Molti artisti sperimentali con il gusto per il misticismo si erano spinti in territori così distanti (ma il concetto di distanza si può considerare superato) ma in pochi sono stati in grado di dipingere un “universo altro” con colori così brillanti.
Dream Theater - Live Scenes From New York.
Un disco live che fotografa il momento di gloria della band newyorkese, che nel corso degli anni 90 ha sconvolto il mondo del metal progressivo. Si parte dal recente passato, con l’esecuzione del capolavoro Scenes From a Memory, per poi proseguire con una carrellata di grandi canzoni, per un totale di 3 ore di musica, che odorano di greatest hits. Musicalmente suonato con precisione maniacale, mostra qualche cedimento sulla voce, ma questo non danneggia, anzi favorisce, il lato emotivo e sincero di una musica ipertecnica da molti considerata erroneamente puro esercizio di stile.
Porcupine Tree - Recordings.
Recordings è una raccolta di b-sides e canzoni inedite non inserite in Stupid Dream e Lightbulb Sun. La qualità delle composizioni è elevatissima, e stilisticamente queste Non si discostano troppo dei due dischi precedenti, ma l’atmosfera è ancora una volta diversa, più eterea e misteriosa. Una sorta di ultimo saluto al passato psichedelico della band, riletto nell’ottica delle ultime produzioni. Largo spazio è lasciato ai momenti strumentali, curatissimi negli arrangiamenti, ancor più sperimentali e particolari che nel recente passato, ma non mancano le classiche melodie sognanti. C’è una dolcezza che ondeggia tra le note, e una delicatezza nell’interpretazione vocale di Wilson, che probabilmente non avranno più occasione di ripresentarsi, in futuro. Note soffuse, echi di violoncello e contrabbasso, tappeti sonori mai invadenti ma sempre perfettamente bilanciati tra pieni e vuoti. Paesaggi sonori che pescano dal passato psichedelico della band e si combinano con le passioni sperimentali di Wilson, con una perizia tecnica incredibilmente elevata.
No-man - Returning Jesus.
Musica malinconica, dolce, dilatata. Nove ballate di pop delicato, ispirato a David Sylvian, U2, Talk Talk e Bark Psychosis. La caldissima ed enfatica voce di Tim Bowness si intreccia alla affascinante musica di Wilson. Arrangiamenti curatissimi ma mai esageratamente stratificati, che anzi contribuiscono ad amplificare lo spazio evocato dalle melodie. Un gioiello dimenticato

Fantomas - The Director's Cut.
Il disco più umano dei Fantomas è un’allucinante reinterpretazione di classiche colonne sonore. L’atmosfera è noir e misteriosa, e spesso sfocia nel metal più violento, il tutto attraverso la maestria dei membri di questo super gruppo, che si divertono a distruggere e ricostruire. Non c’è un attimo di tregua, e ci si diverte da matti, come sulle montagne russe.

New Millennium: my 2000

2009-12-17T20:28:00.024+01:00

Anno 2000:

Pearl Jam - Binaural.L’ultimo grande album della band di Seattle. I momenti di debolezza sono già evidenti, ma nel complesso Binaural è un disco emozionante, che non suona affatto stanco. C’è un leggero tocco psichedelico e spaziale che trova spazio in alcuni brani come Nothing As It Seems e Sleight of Hand, veri e propri gioielli del bassista Jeff Ament. Anche se il livello qualitativo non si mantiene sempre a tali livelli, il rock malinconico di Vedder e soci è sincero e vivo, e lo dimostrano tanto i brani sporchi come Insignificance, Gods’ Dice e Grievance, quanto le delicate ballate, dal sapore squisitamente pop, come Light Years e Thin Air. Parting Ways è un triste addio, per me rappresenterà la fine di un grande amore, nei confronti di una delle più grandi band degli anni 90.
Nevermore - Dead Heart in a Dead World.
Il metal del nuovo millennio passa da questa band. Se nel 1999 avevano già concepito un gioiello scuro come Dreaming Neon Black, un anno dopo la band di Seattle torna sulla scena allentando la presa gotica, e modernizzando ulteriormente il suono. Il loro originale thrash metal vede protagonista l'incredibile capacità espressiva dell'ugola di Warrel Dane e la maestosa capacità chitarristica di Jeff Loomis. Melodico e potente, malinconico e energico, questo disco è davvero unico.

Electric Wizard - Dopethrone.
Il doom psichedelico ai suoi massimi livelli. Se i Black Sabbath hanno fatto intravedere la strada oscura che si nasconde dietro ai muri di distorsioni e ai fumi allucinogeni, che poi molti gruppi tra fine anni 80 e 90 accentueranno (Candlemass, Cathedral, Trouble etc etc) gli Electric Wizard portano tutto questo all'estremo. Distorsioni fangose e profondissime, passaggi psichedelici davvero stranianti, atmosfere oscure e drogate. Psichedelia nera, e senza fondo.

Boris - Flood.
Disco psichedelico dai mille volti. Si passa da delicatissime ballate a distorsioni super massicce e ritmi doom, da ipnotici loop di chitarra arpeggiata a tempeste di rumore. Il suono è sporco, ruvido, valvolare, perchè la scuola di provenienza è quella noise.
E' una psichedelia straniante, più che rilassante. Su una base delicatissima, anche gli assoli urlano e stridono, più che cullare. Niente è convenzionale, nella mente di questi giapponesi dalla distorsione facile

Radiohead - Kid A.
Dopo l'incredibile (e meritato) successo di OK Computer, nessuno si sarebbe aspettato un cambio di rotta così repentino. Eppure la band inglese non guarda in faccia a nessuno e concepisce un'opera straordinaria dove l'elettronica va a rubare il ruolo di protagonista al rock, senza perdere un attimo di intensità. Epocale

Godspeed You!Black Emperor - Lift Yr Skinny Fists Like Antennas to Heaven.
Meno cupo del disco precedente, il secondo lavoro dei canadesi è un lunghissimo fiume melodico che scalda il cuore. Quattro suite, a metà tra musica cosmica e post rock, tra colonna sonora e musica classica. Un saliscendi fluido e ipnotico, nel quale perdersi completamente, ad occhi chiusi.
Qualche dialogo trova posto tra le note, qualche rumore ambientale squarcia i lunghi silenzi, e il risultato è una musica viva e sincera, che in certi passaggi raggiunge dei momenti di pura poesia come nel finale di Storm.
Porcupine Tree - Lightbulb Sun.
Lightbulb Sun rappresenta l'opera più easy listening della carriera dei Porcupine Tree, con le sue canzoni brevi e orecchiabili, dalle atmosfere solari e rilassanti. Un disco caldo e affascinante, con una perizia e una cura per gli arrangiamenti davvero unica, grazie ad un sapiente utilizzo dei pieni e dei vuoti. Con suoni tutt'altro che manieristici o già sentiti, Wilson impreziosisce le belle melodie pop, lasciando i giusti spazi tra i vari strumenti, che mai si accavallano ma che con classe si intrecciano gli uni negli altri. L'atmosfera è il punto di forza di un disco che scivola leggero tra testi malinconici e nostalgici, ma anche ironici. Un'atmosfera che richiama vecchi ricordi e sensazioni, momenti di spensieratezza e illusioni ormai crollate, ma un tempo brillanti ed energiche. Come una lunga passeggiata primaverile tra prati e viali alberati, assaporando ogni particolare della natura che ci circonda. E rivivendo il viale alberato della nostra esistenza…dolce malinconia. Rendersi conto di essere ancora qua, in questo viale, nonostante tutto. In Lightbulb Sun non c'è spazio per aggressività o oscurità, perchè il Sole brilla davvero con rassicurante energia, nonostante tutto.
A Perfect Circle - Mer de Noms.
James Maynard Keenan dona voce alle composizioni di Billy Howerdel, e il risultato è una straordinaria musica crepuscolare, che attinge tanto dai Depeche Mode quanto dagli Alice in Chains. La miscela è emozionante e nella sua penombra nasconde tanti volti, dalla spiccata personalità. Se nella seconda metà il disco cede leggermente, nella prima parte si dimostra a dir poco memorabile nell’alternare bellissime ballate a canzoni cariche di energia, con punte di sperimentazione raramente così toccanti dal punto di vista emotivo (Rose)
Ulver - Perdition City.
Una band che nel corso della sua storia ha stravolto la propria arte in maniera sconvolgente e che nel nuovo millennio concepisce un disco davvero unico e inimitabile, traendo spunto dalle influenze più disparate (soprattutto elettronica, industrial e trip hop) senza perdere di vista le atmosfere oscure e meditative. Musica per un film interiore.

At the Drive In - Relationship of Command.
Quando l'energia dell'hardcore incontra il rumorismo ma senza mai perdere di vista la melodia. Una sorta di Fugazi latini, mischiati con i Rage Against the Machine più energici, con un pizzico di Stooges...un mix certamente non originalissimo ma concepito in maniera straordinaria. L'energia che sprigiona questo disco è qualcosa di inumano. Nervoso e inarrestabile.

Raison D'Etre - The Empty Hollow Unfolds.
Ambient scurissimo e profondo, che evoca sconfinati spazi arrugginiti...come vagare in un'enorme industria abbandonata, mentre la luce del sole filtra tra le vetrate rotte. Stanze enormi, ormai prive di vita, ma che ancora respirano e raccontano le loro storie.
Metallo arrugginito che stride, mentre tappeti di tastiera riempiono l'aria....da brividi....

Sunn O))) - 00 Void.
Un disco apparentemente immobile, e poco originale. Gli Earth hanno creato, qualche anno prima, più o meno la stessa "musica". Ma i Sunn O))) ripuliscono i suoni, rendono ancora più compatti e monolitiche le distorsioni, e concepiscono un flusso ipnotico assolutamente impenetrabile, una sorta di musica cosmica che fluisce sottoterra. Pura vibrazione, nessuna melodia, nessun rumore. Presa di culo o capolavoro? Io sono per la seconda ipotesi

Playlist Novembre

2009-12-01T19:19:00.003+01:00

1. King Crimson - Red
2. Porcupine Tree - The Incident
3. Porcupine Tree - Up the Downstair
4. Isis - Wavering Radiant
5. Porcupine Tree - The Sky Moves Sideways
6. Porcupine Tree - Staircase Infinities
7. Steven Wilson - Insurgentes
8. Porcupine Tree - Stupid Dream
9. Katatonia - Discouraged Ones
10.The Gathering - How to Measure a Planet?

Altri:
Harvestman - In a Dark Tongue
Katatonia - Brave Murder Day
Opeth - Damnation
Pink Floyd - The Dark Side of the Moon
Katatonia - The Great Cold Distance

Concerto Isis

2009-11-26T16:40:00.003+01:00

In un Estragon semivuoto, in confronto al concerto dei Porcupine Tree di due settimane prima, ritrovo gli Isis. La band di Boston si presenta dopo l'uscita di Wavering Radiant, disco che ha riavvicinato la band verso sonorità massicce e pesanti, senza perdere di vista le ultime evoluzioni verso un rock sempre più psichedelico e progressivo, fortemente debitore dei Tool. Dal vivo la band di Aaron Turner mostra di aver ripreso un pò dell'energia distruttiva di qualche anno fa, ma di aver perso un pò della precisione osservata nel tour del disco precedente. Penalizzati da pessimi suoni nella prima parte la band necessita di alcune canzoni per ingranare, ma verso metà concerto tutto inizia a quadrare, e il bellissimo finale di Dulcinea è l'antipasto del concerto vero e proprio, che raggiungerà il suo apice nelle bellissime Ghost Key e Threshold of Transformation, straordinarie canzoni del nuovo album, che mostrano l'evoluzione del gruppo verso sonorità più liquide, psichedeliche e cerebrali, ma senza perdere di vista il lato fisico della musica.
Aaron Harris dimostra una notevole evoluzione, suonando ogni tour in modo sempre più fluido e con maggiore capacità di infondere groove ai pezzi, e anche se Turner non è precisissimo, non delude con la sua alternanza di voce melodica e sporca.
Il breve ma intenso concerto si conclude con la coda psichedelico-rumoristica di Altered Course, ed è la degna conclusione di un evento davvero riuscito (peccato per i suoni nella prima metà) che conferma, per l'ennesima volta, il valore di questo gruppo.

Concerto Porcupine Tree

2009-11-12T19:32:00.002+01:00

Arrivo all'Estragon verso le 19:15, il pubblico non è molto numeroso, e mi pare soprattutto composto da giuovini metallari. Mi mangio una piadina, mentre un vento freddo rende l'atmosfera davvero nordica, e l'attesa (anche se breve) non è certo delle più piacevoli. Intorno alle 20 aprono la porta, ed entro al calduccio. Pian piano l'Estragon inizia a riempirsi, e i Demians iniziano il loro spettacolo. Mi sistemo davanti al mixer, al centro, per vedere e sentire bene. La band non mi piace per nulla, e il mio giudizio sulla loro musica è ancora più impietoso della volta che li vidi di spalla agli Anathema. Melodie davvero troppo zuccherose, a metà tra Foo Fighters più melodici, Nickleback, rock gotico melenso etc etc...Il pubblico li apprezza, ma a me annoiano parecchio. Comunque sia...quando iniziano i porcospini (intorno alle 10) nel locale c'è un sacco di gente, e il pubblico si dimostra molto variegato, si va dal metallaro, al vecchio ascoltatore di prog (con tanto di figli al seguito) all'ascoltatore di rock alternativo. Ce n'è per tutte le età, e per tutti i gusti.

Un'aspirapolvere rossa pulisce per bene il palco che pochi minuti dopo Wilson calcherà a piedi nudi, e l'atmosfera di grande attesa si trasforma in uno spettacolo comico che il pubblico (me compreso) accoglie con un mare di risate. Arriva l'invito a non effettuare riprese (clamorosamente poco trasgredito, nell'arco della serata). Wilson ci è o ci fa? E' convinto di questi suoi deliri degni del Fripp più paranoico o si è costruito un personaggio da artista-pazzoide?! Fondamentalmente non me ne frega una mazza, mi basta la sua musica... :wink:

Ecco la base trip hop di Blind House. Si capisce che stanno per arrivare.
Le luci si spengono, si parte...
Salgono sul palco e Occam's Razor è un'intro affascinante, grazie anche alle belle immagini onirico-psicotiche proiettate alle spalle della band. Ancora una volta Lasse Hoile ha fatto un lavoro egregio che, a parte qualche immagine psichedelica computerizzata poco efficace(un pò troppo in stile Windows Media Player), non delude per niente, e anzi contribuisce ad amplificare l'effetto della musica, risultando indispensabile.
The Blind House è la vera partenza, e scuote per la sua energia, nonostante il suono del basso sia un pò troppo alto e renda non del tutto incisive le chitarre. La voce di Wilson deve ancora scaldarsi, ma il gruppo mostra subito una buona energia. Il finale elettronico è la vera chicca della canzone. Terminato il pezzo Wilson annuncia che la prima metà dello show sarà interamente occupata dall'esecuzione del nuovo concept. Una breve pausa, poi si riparte, e da qui in poi sarà un'immersione senza attimi di respiro.
L'esecuzione del concept è praticamente perfetta (anche se la title track non mi ha convinto al 100%, un pò per la voce di Wilson che ho trovato meno onirica rispetto alla versione in studio, un pò per la base elettronica che non era dotata della necessaria pesantezza, comunque ottime le chitarre distorte e il bellissimo finale melodico), e nelle parti acustiche riesce a creare un'atmosfera davvero affascinante. 55 minuti che scorrono in un lampo, e che valorizzano ancor di più un disco riuscito. L'impressione è infatti quella che il nuovo materiale guadagni molto nella versione live, grazie ad un'ottima enfatizzazione delle atmosfere. I suoni pian piano migliorano sempre di più, la voce di Wilson si dimostra sempre superlativa, e il supporto di Wesley si dimostra davvero fondamentale. Gli intrecci vocali, da sempre importantissimi nella musica della band, riescono alla perfezione e contribuiscono a valorizzare le bellissime melodie. Il gruppo convince sia nei momenti soft (bellissima Your Unpleasant Familiy, così The Seance) ma anche nelle parti pesanti (ottima l'opethiana Octane twisted, così come Circle of Manias, caratterizzata da bellissimi suoni distorti, davvero pesantissimi ma al tempo stesso ricchi di armonici e sfumature). Time Flies guadagna mille punti, sooprattutto nella parte psichedelica centrale, davvero coinvolgente. Una tempesta di suoni in continua mutazione, tra arpeggi acustici, note riverberate e un assolo acidissimo da strapparsi i capelli. Ottima la prestazione di Wilson alla chitarra, ma anche wesley non è da meno. Gli assoli (che nell'ultimo disco sono a dir poco meravigliosi), suonati con alcune piccole variazioni, suonano magnificamente. Ma non c'è una parte non riuscita, nell'esecuzione di the Incident. Dalle affascinanti atmosfere di The Yellow Wndows of the Evening Train, breve passaggio ambient in stile Sigur Ros, accompagnato da bellissime immagini, all'arpeggio di Degree Zero of Liberty, fino alle canzoni vere e proprie, come Drawing the Line (ottima l'alternanza di atmosfere crepuscolari e ritornello iper trascinate).
I Drive the Hearse chiude la prima metà del concerto in modo sublime.n Brano acutico bellissimo, in certi frangenti davvero intimo, in altri epico.
Conto alla rovescia, 10 minuti.
Precisissimi rientrano e si riparte con la straordinaria The Start of Something Beautiful, uno degli apici di Deadwing, a mio parere. Psichedelia, prog, metal, tutto insieme per creare un'atmosfera unica. La band suona benissimo, sia nelle parti più tecniche, sia in quelle più intime, come la successiva Buying New Soul, canzone straordinaria introdotto dai suoni di Richard Barbieri. Chitarre acustiche e synth si abbracciano, per poi lasciare il posto alle distorsioni, nella successiva Anesthetize (purtroppo eseguita soltanto la parte centrale). Un macigno, e il pubblico si esalta. Una canzone meravigliosa (personalemente una delle migliori mai scritte da Wilson) che, anche se monca, suona coinvolgente come non mai. Il pubblico (parecchio numeroso) si esalta e canta a squarciagola un brano che è già diventato un classico. Si torna poi a The Incident, con la bellissima Remember Me lover, che non delude le aspettative. Way Out of Here è l'ennesimo macigno, che lascia interdetti alcuni vecchi fans dai capelli bianchi, ma esalta i metallari. Il finale kingcrimsoniano è straordinario. Da lacrime.
E l'ora del brano strappalacrime. Lazarus si dimostra esaltante e il pubblico (mai vista così tanto coinvolgimento ad un concerto dei Porcupine Tree) canta ogni parola. Wilson lascia due ritornelli nelle mani del pubblico. Come dice Wilson, c'è grande entusiasmo, e questop non può che far piacere, soprattutto per una band che pian piano ha raccolto tutto quello che ha seminato, nel corso della sua carriera. La pesantissima Mother and Child Divided chiude il concerto in modo perfetto.
Ma c'è tempo per il bis.
Wilson chiede quali canzone vorremmo sentire, poi lascia scegliere ad Harrison (ennesima dimostrazione di abilità tecnica e gusto melodico, per il batterista, che gode di ottimi suoni stasera). Il siparietto si conclude e parte The Sound of Muzak, per la gioia di moltissimi presenti. L'entusiasmo è alle stelle, ma l'apoteosi si ha con la conclusiva Trains. Siparietti comici (tra cui la presentazione dei membri della band accompagnata da musichette dementi , nell'interruzione centrale del brano), batti mani generale, per una canzone meravigliosa, ormai classica nel repertorio del gruppo.
Con le note della chitarra acustica di Wilson si conclude un concerto di due ore abbondanti, perfetto sia per quanto riguarda la prestazione della band, sia per quanto riguarda la partecipazione del pubblico. Suoni molto buoni, scaletta coraggiosa incentrata sul disco appena uscito, ma anche con alcune (ottime) b-sides, e pubblico che, soprattutto nella seconda metà, si è dimostrato caldissimo ed entusiasta. Il mio quarto concerto dei Porcupine Tree, ancora una volta una bellissima esperienza, divertente ma anche affascinante e, per l'ennesima volta, sempre diverso dal precedente.
Un gruppo eccezionale, che dal vivo conferma l'idea (anzi, la amplifica) che il mio fanatismo nei loro confronti è più che giustificato!

Playlist Ottobre

2009-11-12T19:04:00.003+01:00

1. Porcupine Tree - The Incident
2. Cult of Luna - Eternal Kingdom
3. Nick Drake - Pink Moon
4. Cynic - Traced in Air
5. Pink Floyd - The Dark Side of the Moon
6. Steven Wilson - Insurgentes
7. Isis - Wavering Radiant
8. Pink Floyd - The Final Cut
9. Sigur Ros - Agaetis Byrjun
10.Area - Caution Radiation Area

Altri:
Harvestman - In a Dark Tongue
Katatonia - Brave Murder Day
Godspeed You! Black Emperor - Yanqui U.X.O.

Steven Wilson - Insurgentes

2009-10-12T20:18:00.002+02:00

Avenida de los Insurgentes è una delle strade cittadine più lunghe del mondo. Attraversa da cima a fondo Città del Messico, e nel suo articolato percorso incontra le varie anime della città. Il suo nome è un ricordo in onore dei rivoluzionari che si sono sacrificati per l’indipendenza della nazione messicana.

Steven Wilson, da tempo legato al Messico, nel suo primo vero e proprio disco solista (in precedenza, a suo nome, erano stati pubblicati solamente alcuni dischi di cover) percorre una strada lunga e complessa, che risale la sua carriera, attraversando ogni momento cruciale. Una strada che funge anche da omaggio per tutti gli artisti che hanno lasciato il segno, nella musica di Wilson. Insurgentes è lo stesso Wilson, mosso da una profonda voglia di rivoluzionare il proprio modo di comporre, per una volta completamente libero di spaziare, in qualsiasi direzione. Indubbiamente il lavoro più intimo e personale che l’autore, principale mente dietro al progetto Porcupine Tree, abbia mai concepito.
Tra gli arpeggi malinconici, le esplosioni rumoristiche, i crescendo psichedelici e gli stacchi elettronici c’è l’anima del musicista inglese, che, come già sottolineato nell’ultimo disco della sua band madre, cerca di comporre un’opera pura, completamente svincolata dalle logiche superficiali della società attuale. E’ necessaria un’immersione profonda nella musica, che è accompagnata anche da una prestigiosa veste grafica, da Wilson considerata parte integrante dell’opera. Oltre all’edizione normale del disco viene infatti pubblicata un’edizione deluxe con un gran numero di immagini in grande formato, oltre a dischi aggiuntivi in surround 5.1, per amplificare l’effetto avvolgente e psichedelico dell’esperienza. E un filmato, preparato da Lasse Hoile (già autore dell’artwork, insieme a Carl Glover) si sviluppa in parallelo al disco. Un’opera molto pretenziosa e complessa, che ha l’obiettivo di combattere la superficialità che caratterizza la “internet generation”, non solo dal punto di vista artistico/musicale.
Nel contorto percorso che si snoda nell’opera, Wilson abbraccia le varie anime della sua carriera: da quella più sperimentale e legata all’ambient (Veneno para las hadas) e al drone/noise (Get All You Deserve) , a quella intrisa di semplice ma efficace elettronica (Abandoner), fino al prog (No Twilight within the Court of the Sun) e al pop psichedelico (Significant Other). Una carrellata di bozzetti dal sapore psichedelico e onirico, vagamente inquietante e straniante, che il musicista, accompagniato da professionisti del rock progressivo e della musica sperimentale (da Tony Levin a Dirk Serries, da Jordan Rudess a Theo Travis), racconta con la sensibilità di chi affronta i vecchi ricordi e li mescola alle nuove passioni. Per una volta sono messi da parte il metal e i Pink Floyd, per addentrarsi in una rete di nuovi suoni e nuove soluzioni che ultimamente appassionano il musicista inglese.
Caratteristica fondamentale di Insurgentes sono i testi surreali, briciole di pensieri spezzettati che, più che raccontare, evocano immagini. Amplificando quindi l’effetto della musica, i testi contribuiscono a creare visioni di spazi sconfinati, dal sapore classicamente cinematografico.
Le danze si aprono con l’arpeggio di Harmony Korine (il titolo è un omaggio al regista americano, famoso per pellicola altamente sperimentali, come Gummo, che spesso trattano il tema dell’abbrutimento della società e in particolare delle giovani generazioni; e anche il surreale video della canzone è un insieme di citazioni cinematografiche), un richiamo alle tracce d’apertura del recente passato di Wilson (Fear of a Blank Planet dei Porcupine Tree ma anche Once dei Blackfield). L’atmosfera è immediatamente plumbea, gelida, colorata di un grigio senso di disillusione che l’esplosione del ritornello, ai limiti dello shoegaze, contribuisce ad amplificare. C’è un senso di spaesamento psichedelico e di confusione sensoriale in questo brano, senza dubbio legato profondamento ad altre composizioni di Wilson (forse troppo), ma non per questo poco affascinante.
Abandoner si apre dopo le ultime scintille della traccia d’apertura, e si adagia su una base trip hop fortemente debitrice dei Massive Attack, oltre che sui riavvolgimenti della chitarra di Sand Snowman, ospite poco conosciuto ma assolutamente efficace all’economia della canzone, che sembra avvolgersi su se stessa, immersa nei fumi psichedelici e annichilenti che avevano già caratterizzato il brano precedente. I suoni sono curatissimi e cristallini, ma non risultano mai esageratamente artefatti, grazie anche alla cura per gli arrangiamenti, che risultano spesso davvero affascinanti, come nella coda esplosiva della stessa Abandoner, che dopo un ossessivo ripetersi di note in stile codice morse, deflagra in una scia di droni chitarristici e sintetici figli della passione di Wilson per band quali Sunn O))) e Nadja (come già si intuiva dal suo progetto parallelo Continuum).
Lo strisciante e perverso synth che ci introduce in Salvaging è ancora una volta un omaggio alla musica oscura che ultimamente appassiona Wilson, che non risulta patetico nel citare i Nine Inch Nails, essendo in grado di rileggere l’arte di Trent Reznor in modo personale. L’effetto psichedelico della voce, così distante e riverberata, è evidente, ed è rafforzato dall’apatica intonazione e dalla mancanza di forma melodica. Uno stacco strumentale a cavallo tra musica orchestrale da colonna sonora (soluzione che ricorda la coda della canzone Savant degli Oceansize) e post rock, seguita poi da un’esplosione noise, evidenziano la voglia di Wilson di mischiare tutte le sue passioni, in modo libero e poco vincolato alle aspettative dei suoi fans, senza però mai perdere personalità ma anzi rileggendo le innumerevoli citazioni con un’occhio profondamente wilsoniano, cioè legato sempre e comunque alla melodia e alla psichedelia.
Il tempo si ferma, anzi torna indietro. Veneno para las hadas è un passaggio dai sapori ambient, guidato da un basso ossessivo e da poche note di pianoforte. Una citazione evidente (troppo spudorata direi) di un vecchio classico dello stesso Wilson, che in questo brano non riesce a bilanciare l’esile equilibrio che corre nell’intero disco tra rilettura del passato, citazione delle nuove influenze, e novità sperimentali. Un’occasione perduta, per un musicista che, come dimostrano i suoi progetti paralleli a nome Bass Communion, è spesso riuscito a creare tappeti ambient originali e affascinati.
I toni si fanno subito dopo accesi e focosi, e nella lunga No Twilight within the Court of the Sun diventa protagonista la chitarra (suonata, oltre che dallo stesso Wilson, da Mike Outram), che si avvolge e si intreccia tra dissonanze vertiginose, note spezzate e ripartenze fulminee, debitrici dello stile chitarristico di Omar Rodriguez Lopez dei The Mars Volta, ma soprattutto di Robet Fripp. No Twilight within the Court of the Sun è la A Sailor’s Tale di Wilson. Ovviamente non ha la stessa genialità e carica innovativa del brano che i King Crimson hanno pubblicato nel loro bellissimo Islands, ma si dimostra un riuscitissimo episodio di rock progressivo sperimentale. La batteria (suonata nell’intero disco da Gavin Harrison dei Porcupine Tree) scivola liquida e delicata, sempre ricercata nei suoi arrangiamenti, per poi esplodere in una tempesta di energia, dimostrando quanto il batterista sia una pedina fondamentale nell’economia del disco. La struttura contorta ma perfettamente scorrevole del brano, caratterizzato da innumerevoli saliscendi, è il paradigma di un disco complesso ma scorrevole, difficile ma anche immediato, rumoroso e sperimentale ma anche melodico ed orecchiabile. Il finale è tutto dedicato al piano di Jordan Rudess dei Dream Theater, che qui dimostra di non aver perso lo smalto e il gusto melodico di un tempo nonostante la caduta verticale delle ultime produzioni targate Dream Theater.
Dopo circa 25 minuti di musica lontana dalla classica forma canzone, ci imbattiamo nella splendida Significant Other, brano di pop psichedelico chiaramente debitore dei Radiohead di OK Computer. Il ritmo si fa lento e rilassato, l’atmosfera sognante e solare, una spirale discendente della melodia vocale rende però il tutto sottilmente misterioso. L’esplosione del “ritornello” è un varco nel cielo, e prima di trasformarsi in un sibilo sintetico è introdotto dai bellissimi vocalizzi di Clodagh Simmonds dei Fovea Hex, che dimostra ancora una volta la bravura di Wilson nel saper sfruttare pienamente le doti dei suoi ospiti, che non si rendono mai invadenti.
Only Child è un altro brano classicamente rock, caratterizzato da un lento incedere guidato dal basso, e da poche note arpeggiate di chitarra dal sapore psichedelico. Una canzone che scorre senza lasciare particolari impressioni, nonostante interessanti suoni ricchi di eco nella coda finale, che sembrano sgretolare il brano in un mare di feedback che però, purtroppo, non arriva mai.
Si ha l’impressione di essersi impantanati in una formula troppo classica, ma la successiva Twilight Coda, brano strumentale guidato ancora una volta dal piano di Rudess, nonostante l’apparente normalità, nasconde una delicatezza emotivamente coinvolgente che dimostra, ancora una volta, la capacità, propria della musica di Wilson, di evocare grandi spazi.
La forza visiva e cinematografica di questo disco può, per alcuni, risultare un punto debole a causa della sua grande enfasi. Wilson non suggerisce atmosfere, bensì le dipinge chiare e forti. Questo può risultare costruito, poco sincero. Ma dimostra anche il desiderio di creare un’arte immediata (ma non banale), poco incline allo snobismo di tanti artisti sperimentali.
Twilight Coda introduce dolcemente in uno degli episodi maggiormente riusciti, la splendida Get All you Deserve. Nonostante le evidenti influenze, il brano suona wilsoniano al 100%, e non può lasciare indifferenti. Una lunga ed estenuante attesa, caratterizzata da un tono sommesso e poche note di pianoforte, pian piano accompagnate dagli immancabili arpeggi di chitarra riverberati e da cori ipnotici. Il lato intimo, ma sempre profondamente spettacolare e cinematografico, della poetica di Wilson si trova qui. L’attesa si trasforma in nervosismo, prima di esplodere in mille pezzi, in un oceano di feedback e muri impenetrabili di rumori chitarristici e sintetici. Mischiare in maniera così efficace melodia e rumore è il grande successo di Insurgentes, che nonostante alcuni evidenti momenti di calo, e alcune citazioni troppo poco elaborate e personalizzate, si dimostra un’opera riuscita, nel suo scavare nell’anima dell’autore.
Dopo l’apocalisse è il momento della quiete, e la title track è la conclusione perfetta. Il piano si intreccia in maniera sublime con il koto (strumento musicale cinese a 17 corde) suonato da Michiyo Yagi. Il risultato è una bellissima e delicata melodia pop, dolcemente malinconica ma ricca di speranza con il raggio di Sole che squarcia le nuvole, dopo la tempesta.

Se il disco ufficiale finisce con le note di piano della emozionante title track, l’edizione deluxe, pubblicata in anteprima, e presto andata esaurita a causa dell’esiguo numero di copie disponibile, contiene un secondo disco con 5 brani bonus, che non si discostano, come atmosfera e soluzioni tecniche, dai brani del disco principale. Port Rubicon è la perversa apertura. Un brano straordinario che alterna muri di suono impenetrabili a sbilenchi arpeggi di chitarra minimalisti, sui quali la voce di Wilson bisbiglia sofferente. Un episodio davvero interessante che avrebbe meritato una posizione di rilievo tra le dieci canzoni del disco madre. Puncture Wound riporta il tutto sui binari della classica forma canzone, talmente classica da risultare praticamente una citazione di A Forest dei The Cure. Il pezzo scorre bene, grazie anche a degli ottimi suoni sintetici, e la melodia è coinvolgente, nella sua rilettura oscura del pop psichedelico, ma la citazione è troppo evidente, quasi stucchevole. Collecting Spaces porta un raggio di Sole. 5 minuti di musica strumentale molto affascinante e piacevole, basata su un intreccio caleidoscopico di chitarre e pianoforte. Pur non essendo un brano memorabile, è sicuramente un passaggio ben riuscito. Troviamo poi una rilettura del brano che da il nome all’album (e che chiude il disco madre). Una nuova versione che cerca di ricreare l’atmosfera mistica della cattedrale di San Bartolomeo a Brighton, nella quale è stata registrata. In questo caso, anziché chiudersi nell’intimità come avviene nel brano gemello, la musica si spalanca verso spazi sconfinati. Chitarre e synth gridano nell’aria, ma non hanno la forza del koto, e il brano si dimostra meno affascinante della versione originale. Untitled (conosciuta anche come The 78) è l’ultimo respiro del disco. Una base elettronica si intreccia con gli arpeggi di chitarra, ma il brano, nonostante alcune soluzioni interessanti, non decolla mai.
In definitiva il disco bonus si dimostra molto alterno, e forse sarebbe stato meglio se Wilson avesse per un attimo fermato la sua iperproduttività, filtrando le idee buone, ad esempio inserendo Port Rubicon e Collecting Spaces nel disco madre (al posto di qualche episodio sottotono come Veneno para las hadas e Only Child) e accantonando altri brani che, seppur piacevoli, si dimostrano decisamente inferiori alla media.

Insurgentes, disco coraggioso e intimo di un musicista che vede accrescere sempre più il proprio successo, è un’opera nella quale Wilson ha investito gran parte di se stesso. Il risultato da una parte è un’ottimo mix di musica contorta e lineare, sporca e brillante, acida e dolce, rumorosa e melodica. Dall’altro un equilibrio esile sul filo delle citazioni, che per fortuna in rari casi cade nel “già sentito”. Citazioni di se stesso, e di chi lo ha sempre ispirato. Non siamo di fronte ad un disco sperimentale, per cui chi cerca mirabolanti novità si deve rivolgere altrove. Ma è un disco emozionante e originale, che mostra la capacità di sintesi e rielaborazione da sempre caratteristica principe di Wilson. Insurgentes, con i suoi picchi e i suoi (rari, per fortuna) momenti di calo, è un disco che racchiude tutti i pregi e i difetti della poetica di Wilson. Chi lo ama lo segua, non ne rimarrà deluso.

Playlist Settembre

2009-10-01T22:22:00.003+02:00

1. Porcupine Tree - The Incident
2. Brian Eno - Ambient 1: Music for Airports
3. Blood Ceremony - Blood Ceremony
4. Godspeed You! Black Emperor - Yanqui U.X.O.
5. High Tide - High Tide
6. Hawkwind - In Search of Space
7. Sunn O))) - Monoliths & Dimensions
8. Electric Wizard - Witchcult Today
9. Steven Wilson - Insurgentes
10.Isis - Wavering Radiant

Altri:
Cynic - Traced in Air
Fripp & Eno - (No Pussyfooting)
The Doors - Strange Days
Peter Gabriel - Up
David Sylvian - Secrets of the Beehive

Concerto Kayo Dot

2009-10-01T20:35:00.002+02:00

Non mi aspettavo certamente che i Kayo Dot dal vivo fossero in grado di riprodurre la loro musica arzigogolata come su disco...però non immaginavo di dovermi fare le 4 ore di auto che mi separavano da casa, sulla strada del ritorno, profondamente deluso...
Fin dall'inizio (con The Manifold Curiosity, bellissima canzone di Choirs of the Eye) si è capito che i suoni non erano all'altezza (troppi alti, bassi quasi inesistenti, chitarra che copriva tutti nelle parti soft, piatti della batteria che coprivano tutto nel parti pesanti) e che la band non era in grado di ricreare le stupende musiche registrate in studio. Difficile rendere bene quei magistrali cambi di intensità e dinamica, ma soprattutto difficile rendere fluida la struttura completamente mutevole del pezzo.
Toby Driver fa il direttore d'orchestra e da il tempo a tutti, cercando di farli orientare nella marea di pause , ripartenze, arpeggi e sfuriate. Gli altri lo "inseguono" e la sensazione è perennemente quella di una band scoordinata, che non attacca con la dovuta precisione e naturalezza. Le canzoni sono stranamente rallentate, e le pause si allungano, quasi come per dare tempo a tutti i membri di "mettersi in fase". Così facendo però la musica della band perde una delle sue caratteristiche principali, cioè la scorrevolezza e la naturalezza. Io adoro i primi 2 dischi del gruppo, e amo proprio la capacità di costruire canzoni complesse che scivolano e confluiscono in maniera liquida e naturale, nonostante la mancanza di un chiaro filo conduttore. Dal vivo invece questa scorrevolezza viene persa....e le canzoni risultano spezzettate, e mal coordinate. The Manifold Curiosity (oltre a non poter contare su tutti i bellissimi arrangiamenti della versione in studio) pecca soprattutto nella parte pesante, dove il delirio (che su disco è comunque energico e trascinante, nella sua follia) suona come una cacofonia dominata da note stridenti, un muro sonoro che ha poco a che vedere con il pesantissimo martellare della versione in studio. Immortelle and Paper Caravelle (da Dowsing Anemone with Copper Tongue) è la seconda canzone, e, dopo un bell'intro, suona troppo dilatata, rallentata, spezzettata. Si riconosce la bellezza delle melodie di chitarra, la voce eterea, la delicatezza di certi passaggi, ma il tutto scorre in modo troppo farraginoso e poco naturale.
Il terzo pezzo credo fosse dell'ultimo disco (che conosco poco) ed è davvero difficile da seguire. Vanno molto meglio le cose con la conclusiva Marathon (anche questa da Choirs of the Eye), che inizialmente ha una struttura più classica e la band si trova più compatta e precisa, e nel finale, guidato dalle belle note della tastiera, l'atmosfera si fa finalmente sognante ed eterea. La voce di Toby non raggiunge i picchi emotivi della versione in studio, ma grazie ad una tonnellata di delay ed echi vari riesce a suonare molto ipnotica e affascinante, davvero bella.
A quel punto penso: "ok, i suoni stanno migliorando, la band inizia ad ingranare..." e tutto finisce. 50 minuti. Niente di più. Resta una sensazione di occasione perduta. Peccato

Concerto Electric Wizard

2009-09-16T23:12:00.002+02:00

Nel caldo opprimente e insopportabile dell'Unwound di Padova, ci ritroviamo al cospetto dei maestri del doom più ossessivo e demoniaco. Introdotti dai canadesi Blood Ceremony, che, seppur ancora un pò acerbi e imprecisi, si dimostrano una band interessantissima con il loro hard rock sepolcrale con venature progressive, che odora di anni 70 a chilometri di distanza. Niente di originale, ma le canzoni sono davvero coinvolgenti e creano un'atmosfera affascinante. E' poi il turno degli Electric Wizard. Con la sezione ritmica completamente rinnovata, la band perde la pesantezza estenuante del batterista Justin Greaves, ma suona più compatta e precisa di quando li vidi a Sesto Fiorentino. I suoni sono piuttosto buoni e contribuiscono a rendere pesante e soffocante la serata, amplificando l'energia dei rallentatissimi riff. Mentre una straordinaria sequenza di spezzoni di film horror scorre alle loro spalle, la band tira fuori un concerto breve ma intensissimo, incentrato soprattutto sull'ultimo album. Alcuni brani si presentano dilatati e ancor più lisergici che su disco, sempre estremamente coinvolgenti. Ipnotizzato dalle immagini di messe nere e riti in onore del demonio, vengo davvero rapito dal pesantissimo flusso oscuro creato dalla band. Sequenze affascinanti, tratte da film culto degli anni 7o, davvero perfettamente abbinate alla musica fumosa, pesante, fangosa, sporca, maligna...
Forse non memorabile come l'esibizione di Sesto, di spalla ai Cathedral, dove la band aveva un suono a dir poco perfetto, il concerto è comunque straordinario e la prestazione della band si è rivelata ottima. Come essere immersi nelle magiche e misteriose atmosfere di un cinema della paura che non esiste più, con una sottile sensazione di nostalgia.

Playlist Agosto

2009-09-10T18:08:00.003+02:00

1. Megadeth - Rust in Peace
2. Steven Wilson - Insurgentes
3. Control Denied - The Fragile Art of Existence
4. Marillion - Misplaced Childhood
5. Joy Division - Closer
6. Nick Drake - Pink Moon
7. Anathema - Hindsight
8. Sigur Ros - Agaetis Byrjun
9. Cynic - Traced in Air
10. Nevermore - This Godless Endeavor

Altri:

Ride - Nowhere
Peter Gabriel - Up
The Doors - The Doors
Ulver - Perdition City
Tool - Lateralus

Playlist Luglio

2009-09-09T22:26:00.003+02:00

1. Sigur Ros - Agaetis Byrjun
2. Khanate - Clean Heads Go Foul
3. Slayer - Divine Intervention
4. Marillion - Misplaced Childhood
5. Harvestman - In a Dark Tongue
6. Isis - Wavering Radiant
7. Made Out of Babies - Trophy
8. Control Denied - The Fragile Art of Existence
9. Current 93 - Aleph at Hallucinatory Mountain
10.Tool - Lateralus

Altri:
Cynic - Traced in Air
Kayo Dot - Choirs of the Eye
Monster Magnet - Spine of God
Steven Wilson - Insurgentes

Coraline e la porta magica

2009-07-22T22:39:00.004+02:00

Alice nel Paese delle Meraviglie, capolavoro di Lewis Carroll, una volta assunta la forma di un film d'animazione, è diventato un vero e proprio culto tra gli hippie. Il "cartone" psichedelico per eccellenza. Con le dovute, abissali, differenze di contenuto e di impatto sociale, è innegabile come Nightmare Before Christmas, diretto da Henry Selik e ideato da Tim Burton, sia stato un film d'animazione molto importante per il sotterraneo movimento "dark". Coraline, diretto anch'esso da Selik, si pone esattamente nel mezzo. Non riuscirà a diventare modaiolo come Nightmare Before Christmas, nè aprirà la mente di un oceano di spettatori come Alice, ma nella sua perfetta sintesi tra immaginario dark e psichedelico si dimostra un'opera incredibilmente intelligente, oltre che affascinante e coinvolgente. Sfruttando la tecnica dello stop-motion e del 3D digitale, Coraline riesce ad unire spettacolari sequenze psichedeliche e atmosfere oscure e misteriose, che amplificano in modo egregio le tematiche affrontate da quest'opera davvero imperdibile. Tratto da un racconto di Neil Gaiman, Coraline si dimostra ancor più interessante di tante opere di Tim Burton, per la sua capacità di andare oltre il semplice rifiuto della grigia realtà in favore di una fantasia nera, sconosciuta, spaventosa e meno banale. In Coraline c'è molto altro. Tra le immagini horrorifiche e altamente lisergiche (film sconsigliato ai bambini, decisamente) si nasconde una'interessante romanzo di formazione. Una bambina in una nuova casa, con genitori troppo impegnati a lavorare per dedicarle attenzione. La sua ricerca di un mondo migliore, che ben presto si trasfmora in una lotta per sottolineare la sua libertà e la sua unicità. Non una semplice ricerca di quella fantasia annebbiata dall'estrema razionalità della società contemporanea, bensì una ricerca molto più complessa attraverso il mondo delle illusorie felicità, per ritrovare se stessi.
Bellissimo

Concerto Karma to Burn

2009-07-06T17:22:00.004+02:00

Morti e sepolti. Sotto uno strato di sabbia e rocce, ovviamente. I Karma to Burn, dopo tre dischi di stoner spacca ossa, si sono sbriciolati e sono scomparsi. Dopo un esordio capolavoro, che li aveva lanciati al vertice del genere più desertico del pianeta, la band abbandona la strepitosa voce del cantante Jarosz, e si lancia nell'universo della musica strumentale. La qualità non diminuisce. Ancora riff trita tutto, momenti ai limiti della psichedelia pesante e sabbathiana, grande musica insomma. Poi la morte. E' il 2002. Io ancora ignoro la loro esistenza, così mi perdo un loro concerto a tre passi da casa...
Ma ad inizio 2009 il Dio dello Stoner ci regala una reunion. Di fronte a questi ritrovi melodrammatici si sente puzza di soldi a chilometri di distanza. E soprattutto puzzo di vecchiaia. Ma confidando nel Dio dello Stoner, affrontiamo la trasferta verso il Mare Adriatico. Così i Karma to Burn ci lasciano a bocca aperta. Riff massicci e trascinanti, vortici di groove e distorsione, energia dirompente. Senza un attimo di tregua, la loro musica incita allo scapellamento selvaggio, e non si riesce a star fermi. Una tempesta. Due pezzi nuovi confermano le voci che parlano di un nuovo album in arrivo, e la sensazione di trovarsi di fronte una band tutt'altro che morta è evidente. A volte i miracoli avvengono per davvero.
Un concerto del genere, per di più tra le dune della spiaggia adriatica, che amplificano l'atmosfera stoner, non ha prezzo (infatti era gratis!).
Attendendo nuovi miracoli, rendiamo grazie al Dio dello Stoner, per il grandioso concerto del quale ci ha reso partecipi!

Playlist Giugno

2009-07-02T16:15:00.002+02:00

1. Isis - Wavering Radiant
2. Sunn O))) - Monoliths & Dimensions
3. Opeth - Damnation
4. Current 93 - Aleph at Hallucinatory Mountain
5. Harvestman - In a Dark Tongue
6. King Crimson - Islands
7. Cynic - Traced in Air
8. No-Man - Together we're Stranger
9. Mastodon - Crack the Skye
10. Steve Von Till - A Grave is a Grim Horse

Altri:
King Crimson - The Power to Believe
Premiata Forneria Marconi - Storia di un Minuto
Blackfield - Blackfield
Talk Talk - Spirit of Eden
Ulver - Shadows of the Sun

Antichrist

2009-06-04T20:16:00.006+02:00

Antichrist è la drammatica storia di una coppia che deve affrontare il dramma della morte del figlio, avvenuta improvvisamente per una disattenzione dei due, mentre i loro desideri carnali li guidavano altrove. Il marito, psicoterapeuta, cerca di aiutare la compagna nel difficile cammino di risalita. Lars Von Trier costruisce un thriller psicologico che coinvolge lo spettatore grazie alla sua grande abilità registica, alla magistrale fotografia allucinata e ad una colonna sonora ai limiti del dark ambient. Il clima è angosciante e opprimente, le paranoie della donna si fanno via via più insistenti e pian piano trascinano in questa spirale malsana anche il marito, che per aiutare la moglie decide di farle affrontare a viso aperto le sue paure, conducendola in una casa sperduta in mezzo ad un bosco, nella quale la donna ha già trascorso un lungo periodo in compagnia del figlio, e dalla quale ora viene ossessionata nei sogni. La tensione psicologica costruita da Von Trier è elevata ma il regista pecca gravemente per la continua ricerca di spiegare ogni cosa attraverso teorie psicologiche davvero poco convincenti. Si parla dei sintomi e di come affrontarli, mai di come superare il trauma vero e proprio. Il dolore psicologico è dolore fisico, opprimente e martellante, ma si dimostra uno specchio per coinvolgere lo spettatore più che per scavare negli abissi della disperazione. la pretenziosità di Von Trier è, come negli altri suoi film, ai limiti del sopportabile, ma qui non ha una base solida sulla quale far perno. Ma nonostante questo il film risulta coinvolgente e sottilmente inquietante, almeno fino a l punto in cui il regista ribalta i piani, e decide di non prendersi più sul serio, gettandosi nell'horror puro. Sia chiaro che non c'è niente di ridicolo nell'horror. Ma in questo film la storia è ben diversa. Von Trier decide, ad un certo punto, di ribaltare ogni teoria costruita sul nulla (ma che fino ad allora aveva sorretto con grande convinzione), e di costruire una seconda parte di film che cade nel ridicolo. Scene demenziali di animali che lanciano profezie maligne, qualche passaggio di splatter puro (con citazioni da film horror molto meno pretenziosi ma ben più riusciti come Nekromantik) gratuito e insensato. Se da un lato questa seconda parte rivaluta un pò la prima (dimostrando che il regista ha l'intenzione di divertirsi e prendersi poco sul serio - cosa che non accadeva dai tempi del magistrale The Kingdom -), il film però accusa uno stacco talmente forzato da serissimo film psicologico a horror estremo e demenziale da risultare un esercizio di stile, un giochino, un passatempo. E neanche molto riuscito, dato che il finale horror offre ben pochi spunti di interesse, eccezion fatta per la superba caratterizzazione della moglie, che nella mente del marito si trasforma pian piano, da vittima dei suoi stessi incubi, a carnefice. Ma il marito se ne accorge troppo tardi, e quando la metamorfosi avviene, l'impatto è devastante e perfettamente costruito. Ma dura poco. Si cade quasi subito nel ridicolo, e il film non si riprende più. Spero vivamente che Von Trier volesse essere ironico nella seconda metà, questo (anche se non eleverebbe più di tanto il film) eviterebbe di affossarlo a opera pretenziosa e banale. Spero insomma che Von Trier non volesse giocare a fare il Cronenberg dei bei tempi (Videodrome, Gli Inseparabili etc) perchè altrimenti il suo sarebbe davvero un flop clamoroso. Perchè non basta mostrare carne e sesso, violenza e terrore, per essere Cronenberg.

Playlist Maggio

2009-06-01T20:27:00.002+02:00

1. Isis - Wavering Radiant
2. Steven Wilson - Insurgentes
3. Cynic - Traced in Air
4. Mastodon - Crack the Skye
5. King Crimson - Islands
6. Isis - Oceanic
7. Nevermore - This Godless Endeavor
8. Lunatic Soul - Lunatic Soul
9. Dredg - The Pariah, the Parrot, the Delusion
10.Bass Communion - III

Altri:
Bass Communion - II
Talk Talk - Spirit of Eden
Fripp & Eno - (No Pussyfooting)

Concerto God is an Astronaut

2009-06-01T15:45:00.003+02:00

Caldo. Questo è quello che non dimenticherò mai di questo concerto. I tre irlandesi arrivano a Pisa in quel buco del Caracol, noto, anche in inverno, per le temperature tropicali. Ma a fine maggio la situazione rasenta il drammatico. Mi dispiace parlar male di un locale che propone buoni concerti (per lo più acustici) e che si è ritrovato a dover ospitare un concerto come questo quasi a sorpresa, a causa dei problemi de La Centrale. Ma questo non giustifica la totale assenza di ossigeno (porte e finestre sprangate per evitare che i vicini fossero disturbati dalla musica) che ha reso il concerto una vera e propria sauna. Per fortuna la musica ha risollevato la serata.
I God is an Astronaut suonano bene e si dimostrano più trascinanti ed emotivi che su disco. La loro musica la conosco solo superficialmente anche perchè nella selva di gruppi post rock non sono mai stati tra i miei preferiti. Però dal vivo, nonostante alcuni passaggi un pò troppo standard, si dimostrano molto interessanti per la loro capacità di creare canzoni (si, niente suite chilometriche) lineari e scorrevoli, che abbinanoun ottimo groove alle classiche atmosfere malinconiche. La musica è evocativa e coinvolgente, e gli ottimi suoni contribuiscono ad amplificarne il fascino, che raggiunge vette eccelse durante alcune esplosioni pesanti (From Dust to the Beyond mi ha davvero stregato). I bellissimi video proiettati alle loro spalle sono la ciliegina sulla torta. Alla fine rimango soddisfatto per un buon concerto di un gruppo che certamente non mi farà saltare dalla sedia per la sorpresa ma che si dimostra un ascolto molto piacevole. Poca creatività ma non per questo la loro musica risulta banale e noiosa. E certamente il clima tropicale, piuttosto insolito in abbinamento a musica spaziale come questa, allontanerà il ricordo di questa serata dai binari della banalità quotidiana.

Il guadiano dei sogni

2009-05-12T19:23:00.002+02:00

Un uomo si risveglia in un letto di ospedale, dopo un'operazione. E in quella situazione di estenuante attesa e irreale sospensione, si trova di fronte un vicino di letto con il potere di entrare nella sua mente e leggere i sogni. Uscito dall'ospedale, il protagonista compie un'ossessiva ricerca dell'uomo che si è dimostrato in grado di scardinare la su psiche, ancora sconvolta dalla morte della moglie. La sua ricerca in una Venezia gotica e misteriosa, lo porterà in un universo dove fantasia e realtà si fondono, e dove ogni cosa si rispecchia in un opposto identico all'originale. Il libro del 2003 di Paolo Maurensig è un'avvincente riflessione sul tema del doppio, e appassiona il lettore per la sua storia intrigante e ricca di mistero, ma al contempo incredibilmente riflessiva e profonda.

Spiklenci slasti (Conspirators of pleasure)

2009-05-09T20:40:00.003+02:00

Jan Svankmajer è un artista che nella sua carriera ha realizzato una lunga serie di cortometaggi (oltre ad alcuni lungometraggi) surrealisti caratterizzati dall'utilizzo di marionette, pupazzi ed altre strane sculture di sua crezione, animate mediante la tecnica dello stop motion. Conspirators of Pleasure è il primo film che vedo di questo artista, che ho conosciuto grazie ai suoi cortometraggi presenti su Youtube. In questo film, nel quale sono assenti i dialoghi, i pupazzi hanno un ruolo decisamente più marginale rispetto ad altre sue opere, ma non manca la solita carica di satira grottesca, che si sviluppa in ambienti decadenti e sporchi, per certi versi profondamente disturbanti. L'ironia è una delle armi più feroci della sua poetica artistica, e si sposa perfettamente con il gusto per il perverso. Un surrealismo vivace e pungente, molto meno criptico di quanto appare, e straordinariamente efficace grazie alla strepitosa ricerca scenografica, che rende le sue opere vagamente inquietanti e disturbanti. L'ossessione per il cibo, la carne, i rumori apparentemente insignificanti ma in realtà emotivamente fondamentali, i movimenti goffi e scattanti dei personaggi....tante piccole caratteristiche che amplificano le strane atmosfere delle sue opere. In Conspirators of Pleasure (1996) si intrecciano le storie di strani personaggi ossessionati dalla ricerca del piacere, completamente alienati dalla società e praticamente incapaci di relazionarsi con gli altri. Una ricerca del piacere sessuale che non porta mai al sesso vero e proprio, ma a stravaganti e assurde tecniche masturbatorie, anche dal punto di vista psicologico. Le varie storie dei protagonisti si intrecciano tra loro, e tutti sembrano intuire le perversioni celate dall'altro, ma come una vera e propria cospirazione, preferiscono tacere e godersi la libertà regalata dalle loro fantasie, che in alcuni casi, possono anche tramutarsi in realtà.
Un estratto:

Il rosso segno della follia

2009-05-09T17:02:00.002+02:00

Interessante film di Mario Bava, probabilmente non avvincente come Sei donne per l'assassino ma comunque davvero ben fatto, con alcuni passaggi onirico psichedelici molto intensi, e una storia semplice ma d'effetto, con un che di gotico riconducibile a Poe. La vicenda è raccontata dalla prospettiva dell'assassino, che nella seconda parte diventa vittima (delle sue ossessioni?!). Una ricerca dei vecchi traumi (un tema che diventerà caro a tanti gialli e thriller italiani di quel periodo) che si snoda tra le pieghe della dissociata personalità di Jhon, assassino dichiarato fin dall'inizio. Una buona dose di humor nero che però non alleggerisce un bel film che trova forza nell'ottima atmosfera che riesce a creare. L'ennesima opera che mostra la profonda influenza di Bava sul cinema di Dario Argento, che proprio in quell'anno (1970) esordirà con L'uccello dalle piume di cristallo. Da non perdere.

Cosa avete fatto a Solange?

2009-05-03T23:28:00.003+02:00

Ottimo thriller italiano, poco conosciuto ma degno di grande attenzione, non solo da parte degli appassionati del genere. Un giallo perfettamente congegnato, avvincente e sottilmente inquietante, con alcuni momenti di tensione, senza mai spingere sull'acceleratore dell'horror. Ambientato a Londra, è la storia di una misteriosa catena di delitti, le cui vittime sono una serie di studentesse di un collegio cattolico. Questa vicenda si intreccia con le vicende personali del professor Rosseni (Fabio Testi), che coltiva una relazione extraconiugale con una delle sue studentesse e si ritrova coinvolto in una storia ricca di mistero e segreti inconfessabili. La storia, fotogramma dopo fotogramma, diventa sempre più complessa, fino al colpo di scena finale. Il regista (Massimo Dallamano) ci racconta una vicenda drammatica che ben si inserisce negli anni 70 (il film uscì nel 1972), ma la sua poetica è ambigua, talvolta molto progressista, in altre, più frequenti, occasioni, estremamente conservatrice. Ma quel che colpisce di questo film, oltre agli spunti di riflessione, è la solidità della trama, che risulta davvero straordinaria e avvincente. Lo spettatore viene coinvolto in modo assoluto, alla ricerca di una verità che giace nascosta nel lato oscuro della società di quei tempi. Da segnalare la fotografia di Aristide Massaccesi (Joe D'amato) e la stupenda colonna sonora di Ennio Morricone.

Earth - La Nostra Terra

2009-05-03T13:33:00.005+02:00

Un tributo alla bellezza epica del nostro pianeta. Tre storie, tre viaggi. Una famiglia di orsi polari, una di elefanti africani, una di megattere. Ma anche tanti altri protagonisti. Un anno attraverso panorami mozzafiato, per attraversare un pianeta vivo ma in pericolo. Il tono è quello epico delle produzioni zuccherose Walt Disney, enfatizzate da una bella, ma un troppo tradizionale, colonna sonora orchestrale e dalla conosciuta voce di Paolo Bonolis (un pò troppo impostata, secondo me), ma le bellissime immagini parlano da sole, contrapponendo la maestosità di bellissimi paesaggi all'intimità della vita, sempre in bilico tra paradiso e inferno. Animali antropizzati come nella tradizione Disney, ma per una volta questa scelta è necessaria per avvicinare lo spettatore alla drammatica ma meravigliosa vita di questi nostri parenti prossimi. La dura lotta per soppravvivere è l'anima stessa di questo pianeta, e nella sua drammaticità si ritrovano i momenti più poetici ed emozionanti di un documentario altamente spettacolare. Per ricordarci che siamo parte di un equilibrio affascinante ma fragile, e che le nostre scelte possono essere davvero fondamentali, per il suo mantenimento. Da vedere al cinema, assolutamente.
PS: ma dove sono i Sigur Ros? Peccato che li abbiano inseriti soltanto nel trailer...

Playlist Aprile

2009-05-02T17:11:00.005+02:00

1. Mastodon - Crack the Skye
2. Steven Wilson - Insurgentes
3. King Crimson - The Power to Believe
4. Sand Snowman - Two Way Mirror
5. Isis - Oceanic
6. Fripp & Eno - (No Pussyfooting)
7. Cynic - Traced in Air
8. Esoteric - Metamorphogenesis
9. Neurosis - Given to the Rising
10. Steve Von Till - A Grave is a Grim Horse

Altri:

David Sylvian - Secrets of the Beehive
Massive Attack - Mezzanine
King Crimson - Islands
Anathema - Hindsight
No-Man - Schoolyard Ghosts
Nevermore - Nevermore

Concerto A Storm of Light

2009-04-12T19:19:00.005+02:00

Dopo l'esibizione di spalla ai Neurosis, l'estate scorsa, le aspettative per questo nuovo gruppo di Josh Graham non sono molto alte. E invece, a sorpresa, gli A Storm of Light tirano fuori una prestazione interessante e coinvolgente. Nonostante la loro musica sia una poco originale commistione di muri di suono di scuola Jesu e terrore post industriale Neurotico, l'impatto risulta molto più convincente rispetto al concerto italiano di qualche mese fa. La voce di Graham risulta molto più precisa, e riesce a mantenersi su livelli più che sufficienti per l'intera serata, contribuendo con le sue note prolungate all'effetto straniante e psichedelico indotto dalla musica monolitica e dissonante. Il batterista nuovo, molto più essenziale di Signorelli, risulta molto più adatto alla musica della band. Il suo tocco violento, i suoi ritmi secchi e marziali si adattano alla perfezione alle atmosfere post industriali e apocalittiche. Inoltre evita, a differenza del suo predecessore, di suonare nei momenti atmosferici che collegano i diversi pezzi. Le basi di synth e tastiera esplodono nell'aria e riempiono ogni spazio, creando un effetto davvero allucinatorio, peccato che non ci sia nessuno a suonare tali parti, fondamentali per l'economia della musica. E peccato che i bellissimi video proiettati siano sgranati e tagliati, mentre nell'occasione precedente avevano dimostrato di essere fondamentali. Ma il bilancio è più che positivo. Certo, Graham ha sviluppato progetti molto più originali e interessanti (Battle of Mice, Red Sparowes) ma non ci possiamo lamentare di fronte ad un concerto così intensamente acido e nero

Playlist Marzo

2009-04-04T13:26:00.004+02:00

1. Steven Wilson - Insurgentes

2. King Crimson - The Power to Believe

3. David Sylvian - Secrets of the Beehive

4. Cynic - Traced in Air

5. Lunatic Soul - Lunatic Soul

6. Marillion - Misplaced Childhood

7. King Crimson - In the Court of the Crimson King

8. Van Der Graaf Generator - Pawn Hearts

9. King Crimson - Lizard

10.Peter Gabriel - Up

Altri:

Porcupine Tree - Nil Recurring

Fripp & Eno - (No Pussyfooting)

35007 - Sea of Tranquility

Control Denied - The Fragile Art of Existence

Meshuggah - Nothing

Banco del Mutuo Soccorso - Io Sono Nato Libero

Ulver - Perdition City

Dream Theater - Images and Words

2009-03-21T13:52:00.003+01:00

Dolci gocce di piano si fondono sulla tavolozza del pittore che, con precisione maniacale, dipinge emozioni, brillanti e lucide, nell'anima dell'ascoltatore. Chitarre veloci sfrecciano nel cielo come angeli, mentre la luce del tramonto colora lunghe scalinate ritmiche, che si avvolgono su se stesse, verso l'infinito. Immagini intense, che continuamente mutano, come biglie che scivolano su una scala a chiocciola, senza arrestarsi mai. I Dream Theater dipingono un'opera totale, e la sensazione che si ha entrando in quest'affresco, è quella di toccare una perfetta scultura di avorio, apparentemente immobile e gelida, ma dotata di un'anima e di una sensibilità palpabile. Così come “Pull me Under”, con i suoi riff rocciosi e potenti e le veloci ripartenze, apre con luminosa ed epica energia questo disco, “Another Day” mostra l'altra faccia della stessa medaglia, tra melodie celestiali e una dolce malinconia non priva di speranza che infiammerà anche il resto del disco. E il calore è una sensazione che entra dentro ad ogni ascolto di questo lavoro, (così come sarà il gelo per il disco seguente,lo stupendo Awake), un calore che sembra espandersi nei bellissimi e commoventi stacchi pianistici di Kevin Moore (autore di una goccia di infinito,”Wait for Sleep”), tastierista ancora rimpianto da molti fans, dopo il suo abbandono, o negli assoli di John Petrucci (indimenticabile il capolavoro solista su “Under a Glass Moon” ), che riesce a coniugare le spaziali melodie di Satriani alla potenza del metal dei primi anni 90 e la ricercatezza e la complessità del rock progressivo. Non è solo la capacità di riprendere le idee di Rush, Yes e Pink Floyd e riadattarle a sonorità più pesanti, ispirandosi a Fates Warning e Queensryche, che rende questo disco (il secondo della band newyorkese) un vero e proprio gioiello, ma è proprio la capacità, che i Dream Theater dimostrano di possedere appieno, di rinnovare (come vuole la definizione di prog) atmosfere e soluzioni musicali. Così questi 5 ragazzi conosciutisi in conservatorio riversano le loro incredibili abilità tecniche in stacchi strumentali di zappiana genialità e sognanti visioni che vibrano di un fuoco interiore che raramente la band riusce negli ultimi anni a ripetere con la stessa intensità (ed originalità). La parte centrale di “Metropolis”, canzone simbolo della band, diventerà un pezzo di storia, grazie anche alle intricate soluzioni ritmiche del batterista Mike Portnoy, vero e proprio trascinatore (anche in sede live). E se il silenzioso John Myung guida con il suo basso i riff poderosi, senza limitarsi al già enorme compito di riempire laddove una sola chitarra non può arrivare, la vera novità è la voce di James LaBrie. Appena entrato nella band, il cantante canadese dimostra un'intensità che si manifesta in tutta la sua grandezza in canzoni come “Surrounded”, dove, insieme a Moore, ci accompagna in un vero e proprio sogno di luce. Una menzione particolare deve, senza dubbio, essere rivolta ai testi che, poetici e surrealmente complessi, affrontano temi difficili come il nostro rapporto con la morte o la solitudine, senza disdegnare frammenti di pensieri e preghiere il cui destinatario è il nostro prossimo, con il quale ci confrontiamo continuamente, fino a rappresentare noi stessi. Il centro dell'opera, infatti, siamo proprio noi, la nostra capacità di amare e di trovare la speranza, in ogni cosa che ci circonda. Images & Words, uscito nel 1992, è un'opera che segnerà profondamente la musica metal (e non solo) e che aprirà la strada ad una band tra le più amate/odiate del panorama rock contemporaneo.

“The way your heart sounds, makes all the difference

it's what decides if you'll endure the pain that we all feel

the way your heart beats, makes all the difference

in learning to live

spread before you is your soul

so forever hold the dreams, within our hearts

through nature's inflexible grace

I'm learning to live”

Concerto Scott Henderson

2009-03-19T18:28:00.007+01:00

Ignaro della sua musica, mi inoltro tra le note di Scott Henderson, che con il suo blues delirante cattura una notevole quantità di persone, accorse per l'occasione al Borderline. Un'ora e quarantacinque minuti di assoli graffianti e infuocati, dapprima decisamente vicini alla fusion acida, poi più tranquillamente adagiati su un blues potente ed energico. La prima parte della show, deviata e dissonante, mi rapisce e mi annichilisce. Dal basso della mia ignoranza sento tanto jazz-rock brucia-neuroni nella sua musica, e più di una volta mi vengono in mente artisti come Adrian Belew e la Mahavishnu Orchestra. Ma l'importante non è analizzare questa colata lavica di note (anche perchè non ne sarei minimamente in grado), bensì lasciarsi intrappolare e stuprare da tanta agilità compositiva. La seconda metà del concerto è più (per i miei gusti direi un pò troppo) terrena, nonostante sia comunque avvinciente. Ma il ricordo di quella prima ora mi obbliga a entrare dentro questo labirinto musicale, da me mai esplorato.

Mp3 generation

2009-03-15T15:45:00.005+01:00

Abbiamo tutto a portata di mano, ma è quello di cui abbiamo veramente bisogno?

Una tonnellata di Gigabyte ci farà aprire gli occhi come mai prima, oppure ci anestetizzerà per sempre? Un bombardamento di possibilità ci renderà ricchi e critici oppure superficiali e stupidi? Correre per non perdere un attimo della nostra vita, oppure camminare e assaporare la bellezza delle piccole cose?

La musica è ancora un'Arte, e come tale in grado di scardinare le convinzioni dell'individuo e della società, per farli evolvere? Oppure è un prodotto usa e getta, utile semplicemente per distrarsi dalla vita reale e per riempire i tempi morti? La musica è un veicolo per accedere all'interiorità più profonda di noi stessi, o è un passatempo?Oppure una gara a chi corre più veloce?

C'è chi crede ancora nel valore delle note, e per questo le custodisce con cura e cerca di interiorizzarle, magari perdendosi molte altre cose, ma godendo di ogni istante da loro regalato. C'è ancora chi si perde nelle immagini degli artwork, cerca di capire i testi, va ai concerti, suona con le sue mani quelle note, le respira, le vive.

Io sono uno di quelli.

Reunion Faith No More

2009-03-02T15:21:00.003+01:00

E' ufficiale.

I Faith No More si riuniranno, e suoneranno in giro per l'Europa. Lo storico gruppo scioltosi nel 1998 rinasce, con Mike Patton alla voce, Jon Hudson alla chitarra, Bill Gould al basso, Mike Bordin alla batteria e Robby Buttom alle tastiere.

Ammetto di non essere mai stato un grandissimo fan dei FNM, e di aver apprezzato maggiormente Patton per altri progetti (Fantomas e Tomahawk su tutti) ma l'emozione di risentire alcuni vecchi classici degli anni 90, cantati dalla strepitosa voce di Patton, è impagabile. Finalmente lo sentiremo cantare dal vivo in un gruppo rock vero e proprio (visto che anche i Tomahawk si erano allontanati da tale "genere"). Però come ogni reunion anche questa fa venire tanti dubbi...che senso ha ritirar fuori un gruppo morto e sepolto più di 10 anni fa, e dal quale Patton ha più volte preso le distanze? La risposta sarà per caso questa: $ ? E che fine faranno i vari progetti di Patton? Uscirà il doppio disco dei Fantomas di cui si parla da tempo e che io personalmente aspetto con molto più entusiasmo di qualsiasi cosa dei FNM? Bisogna ammettere che ultimamente il caro Mike non aveva stupito come aveva fatto in passato...forse un calo dell'ispirazione lo ha portato verso questa decisione? Ma i FNM si limiteranno a fare un tour oppure faranno anche un disco (con il rischio di smerdare il loro passato)?

Chi lo sa...intanto mi gongolo all'idea di un concerto del genere:

Playlist Febbraio

2009-03-01T16:55:00.003+01:00

1. Cynic - Traced in Air

2. Fripp & Eno - (No Pussyfooting)

3. Banco del Mutuo Soccorso - Darwin!

4. Marillion - Misplaced Childhood

5. David Sylvian - Secrets of the Beehive

6. Ulver - Shadows of the Sun

7. King Crimson - Thrak

8. Metamorfosi - Inferno

9. Godspeed You! Black Emperor - Lift Yr Skinny Fists Like Antennas to Heaven

10.Death - Human

Altri:

Pink Floyd - The Division Bell

Gong - You

King Crimson - Lizard

King Crimson - In the Wake of Poseidon

Nevermore - Enemies of Reality

Nick Drake - Bryter Layter

Death - Human

2009-02-10T20:52:00.003+01:00

1991. Mentre il death metal esplode con tutta la sua violenza superando i limiti dell'underground, Chuck Schuldiner, uno dei fautori di questa rivoluzione, partorisce un'opera che ridestruttura le regole della musica estrema. Nato interamente dalla mente di Chuck (voce e chitarra), Human non è soltanto un'allucinata caduta nelle atmosfere marce e malate classiche del genere, è anche un percorso musicale asfissiante, che con creatività diverge per diventare un gioiello nero incastonato in una carriera caratterizzata da continue metamorfosi artistiche, e che qui trova il suo maggiore e più fondamentale punto di svolta. Human esce dai clichè splatter del genere per incollare l'ascoltatore in un incubo profondo e vorticoso sulla condizione umana. I testi riescono a disegnare strazianti visioni, guidati dalla musica che si avvale di un'invidiabile dose di tecnica (grazie anche all'incredibile line-up, Masvidal e Reinert, rispettivamente chitarrista e batterista dei Cynic e Steve Di Giorgio, bassista dei Sadus che anche in futuro collaborerà con Schuldiner) che rende il lavoro strutturalmente complesso e di una sensibilità che non ha eguali. Ripartenze velocissime dopo stranianti controtempi e decelerazioni oscure come il fondo dell'abisso colorano di nero quest'intensissimo percorso, che alterna, con aggressività, interessanti riflessioni sulla maschera che ricopre il volto spirituale di ognuno di noi e semplici sensazioni di rabbia di fronte alla negazione di una morte liberatoria(e quindi la negazione di una libertà di scelta, negazione di vita?!), tra agghiaccianti domande sulla depressione che entra in noi (when did the end begin?) e sull'ignoranza che rende il nostro prossimo incapace di comunicare, nascondendosi dietro patetiche finzioni. Ma gli attacchi frontali dei Death sono interiorizzati attraverso una sofferenza lacerante, come se fossero diretti alle stesse sorgenti che li generano. Così, quando inizia il viaggio con “Flattening of Emotions”, il crescendo di batteria sale dentro le vene, accompagnato da uno sbilenco riff di chitarre dalle accordature abbassate, prima di esplodere in mille domande, violente, acide, glaciali. I ritmi si rallentano, su un tappeto di potenza inaudita, nella seguente “Suicide Machine”, che tra fraseggi sdoppiati e dissonanti si intreccia con riff scuri e malefici, prima di approdare in altre, inevitabili, cicliche esplosioni di furia. Trentacinque minuti senza tregua, nei quali violenti momenti riflessivi illuminano il disco di un'anima palpitante (indimenticabile il break ondulante di “Secret Face”) e un breve lampo strumentale (“Cosmic Sea”) penetra sottopelle per raggiungere i recessi più profondi, scuotendo con forza di fronte ad un'opera che, insieme ai dischi di Carcass, Atheist, Cynic segnerà la strada verso una visione sempre più sperimentale e progressiva del metal.

Death - Suicide Machine

Controlling their lives

Deciding when and how they will die

A victim of someone elses choice

The ones who suffer have no voice

Manipulating destiny

When it comes to living, no one seems to care

But when it comes to wanting out

Those with power, will be there

Prolong the pain

How long will it last?

Suicide machine

A request to die with dignity

Is that too much to ask?

Suicide machine

How easy it is to deny the pain

Of someone elses suffering

Robbed of natural abilities

In death they now seek tranquility

In a confused state of mind

Extending agony, they must be blind

Manipulating destiny

When it comes to living, no one seems to care

But when it comes to wanting out

Those with power, will be there

Prolong the pain

How long will it last?

Suicide machine

A request to die with dignity

Is that too much to ask?

Suicide machine

Ulver - Shadows of the Sun

2009-02-03T20:33:00.001+01:00

Il potere del buio.
La forza devastante del silenzio.
L’immenso abbraccio della solitudine.
Shadows of the Sun non è, come potrebbe apparire ad un’immersione superficiale, semplicemente questo.
E’ un flusso in continua evoluzione, solo apparentemente immobile. Incessante, ciclico, infinito. La sua forza giace tanto nelle intense e toccanti melodie, quanto nei particolari. Nove capitoli, da percepire spalancando se stessi, alla ricerca del calore che giace sotto la gelida superficie di questo oceano inesplorato e misterioso.
Un percorso da intraprendere in solitudine, preferibilmente in quei momenti di assoluto abbandono che precedono il sonno, quando il tempo sembra rallentare, fino all’annullamento. Un’intimità profonda che mai prima d’ora, nella musica della band norvegese, si era manifestata con atmosfere tanto avvolgenti. Musicalmente ci troviamo dentro ad un’opera dal sapore atmosferico, ambientale. Una corrente di suoni soffusi, ovattati, a tratti acquatici, a tratti cosmici. Alcune gocce di pianoforte, su una liscia superficie di archi caldissimi come legno. Curatissimi arrangiamenti elettronici, appena percepibili, nella coltre nebbiosa del muro di suono.
E sovrana, ma mai eccessivamente melodrammatica, si erge la voce di Kristoffer Rygg (Garm), a guidarci in questa infinita immersione. Un’immersione che ci porterà ad esplorare gli angoli bui della nostra coscienza. Quegli angoli che ogni essere umano, volente o nolente, dovrà prima o poi affrontare.
Lunghe note di organo ci introducono in un’ambiente illuminato dalla luce del crepuscolo, mentre fili di violino si intrecciano, malinconici. L’utilizzo degli archi, certe volte in veste solista, altre come tappeto, risulta incredibilmente efficace nella sua semplicità e non risulta mai eccessivo. Essi contribuiscono a creare quel muro sonoro annichilente che richiama certa musica cosmica tedesca di quasi quarant’anni fa. Ma i volumi sono soffusi, mai opprimenti e pesanti. La funzione non è quella di ipnotizzare l’ascoltatore, per portarlo in un’altra dimensione, bensì quella di avvolgerlo, facendolo immergere nella meditazione profonda. Le semplici ma forti parole pronunciate da Garm sono la chiave, per superare l’oscurità. La voce è caldissima, profonda, dona ossigeno e distende la mente. Cori profondi, inumani, si fondono con i sintetizzatori, per trasportarci dove non abbiamo mai avuto il coraggio. E da sott’acqua si intravedono le note di un pianoforte, che in punta di piedi guidano la danza melodica. Per alcuni attimi si intravede il suono dei fiati, per lo più sfibrati, stanchi, incredibilmente fisici, con il compito, perfettamente eseguito, di colorare l’opera con intenso calore. Raramente c’è spazio per le percussioni, ma quando queste si liberano dalla stretta del silenzio, risuonano ricche di echi. Non c’è più traccia del trip-hop notturno di Perdition City, né delle sperimentazioni intricate di Blood Inside. In Shadows of the Sun ci sono briciole di ogni esperienza precedente, ma la sensibilità è completamente nuova. Una musica riflessiva, che in certi frangenti si apre in squarci melodici abbaglianti. Musica spaziale, per la sua capacità di evocare ampi spazi fisici, a tre dimensioni, oltre che immensi spazi mentali. E proprio in questi spazi dovremo avventurarci, per affrontare le nostre più profonde e naturali paure, per toccare lo spettro della nostra finitudine.

Playlist Gennaio

2009-02-01T22:29:00.003+01:00

1. Nick Drake - Bryter Layter

2. Premiata Forneria Marconi - L'isola di niente

3. King Crimson - Lizard

4. Perigeo - Abbiamo tutti un blues da piangere

5. Fripp & Eno - (No Pussyfooting)

6. Peter Gabriel -Up

7. Bass Communion - II

8. Franco Battiato - Fetus

9. Lunatic soul - Lunatic Soul

10.Pink Floyd - Meddle

Altri:

Tangerine Dream - Zeit

Nick Drake - Pink Moon

Ulver - Shadows of the Sun

Led Zeppelin - IV

Xasthur - Subliminal Genocide

Pink Floyd - Wish You Were Here

Sigur Ros -Takk...

Concerto The Bugz

2009-01-25T13:19:00.004+01:00

Finalmente esce il primo disco dei the Bugz, storico gruppo pisano. E finalmente li rivedo dal vivo dopo mille anni (colpa mia, non loro...) alla festa di presentazione del suddetto. Il loro rock n' roll rumoroso ha guadagnato in impatto e tiro (sempre più bravi) ma ha perso un pò l'anima noise (peccato). Prestazione comunque eccezionale, molto trascinante e divertente. Per i miei gusti l'ultima canzone, molto doom-Melvins, è stata l'apoteosi, davvero ipnotica e pesante, ma in generale non hanno avuto momenti di calo. Energia sudata dall'inizio alla fine, una bella scarica sempre gradita!

Supernatural Cat Night II: Lent0 + Morkobot + Ufomammut

2009-01-18T16:34:00.003+01:00

Un mese dopo.

Nuovamente a contatto con gli alieni.

I Lent0 ci investono ancora una volta con i loro muri di distorsione. Forse meno massicci e travolgenti della volta precedente, comunque potentissimi e ben bilanciati, la loro musica è sudore e violenza. Corde che si spezzano ma non fermano la lenta caduta di macigni.

I Morkobot atterrano con le loro astronavi sul palco della Flog e fin da subito ci inviano messaggi mentali potentissimi. Psichedelici e rumorosi, cercano di rapirci, e alla fine siamo costretti a cedere di fronte al richiamo dello spazio. Passiamo attraverso strutture metalliche e contorte, difficilmente comprensibili dalla mente umana, per ritrovarci su un disco volante ondeggiante, e di fronte a noi, un pianeta sconosciuto.

Gli Ufommamut sono lava che scorre, nel medesimo pianeta. Cielo rovente e tempesta di meteoriti, energia allo stato puro, che scivola nel cuore del pianeta e ci piomba addosso, in continuazione. Esplosioni nucleari sulla superficie di un Sole a noi sconosciuto. Psichedelia pesante, senza via di ritorno.

Playlist dicembre

2009-01-03T21:32:00.002+01:00

1. Lunatic Soul – Lunatic Soul
2. King Crimson – In the Wake of Poseidon
3. Robert Wyatt – The End of an Ear
4. Amon Duul II – Yeti
5. Premiata Forneria Marconi – Storia di un Minuto
6. King Crimson – Larks’ Tongues in Aspic
7. Slayer – Hell Awaits
8. Steve Von Till – A Grave is a Grim Horse
9. Locanda delle Fate – Forse le Lucciole Non si Amano Più
10.Electric Wizard – Witchcult Today

Altri:
Opeth – Watershed
Opeth - Ghost reveries
Le Orme – Felona e Sorona
Guapo – Elixirs
Anekdoten – From within
Robert Wyatt – Rock Bottom
Banco del Mutuo Soccorso – Io Sono Nato Libero

Bark Psychosis – Hex

Warrel Dane - Praises to the War Machine

Opeth - Ghost reveries

2008-12-24T00:10:00.002+01:00

Gli Opeth provengono dal grande successo di pubblico di Damnation ma anche dalle critiche feroci dei fans storici che iniziano a considerarli ormai sulla via della "svendita artistica". La band continua per la propria strada fregandosene di entrambe le correnti di pensiero e compone un bellissimo disco, originale e moderno, ma profondamente ancorato al passato della band. Si percepisce un maggior gusto per la melodia, e soprattutto una profonda influenza per quel prog settantiano che da sempre appassiona Akerfeldt e compagni. Per amplificare questa esigenza, nel gruppo entra in pianta stabile il tastierista Per Wiberg che, senza cadere in banali arrangiamenti orchestrali classici del peggior metal gotico, ricama bilanciatissime e mai invadenti note dal sapore leggermente psichedelico. Il lavoro di Wiberg, pur non essendo di primo piano, si dimostra fondamentale per la perfetta riuscita dell'opera (prodotta dallo stesso Akerfeldt, e non da Steven Wilson, come era invece accaduto per i tre dischi precedenti).

Già dalla prima canzone (Ghost of Perdition) si percepiscono le principali novità. Fin da subito, infatti, la musica suona molto moderna con riff potenti ma soprattutto energici e ricchi di groove (meno pesanti e classicamente metal) e atmosfere che, grazie al calibrato lavoro di tastiera, disegnano dipinti misteriosi e oscuri, che anzichè aprirsi in scenari di umide foreste o brughiere nebbiose, rappresentano colossali cattedrali gotiche, all'interno delle quali si respira un'aria affascinante, misteriosa e per certi versi mistica. C'è un senso di antico, di vissuto, di qualcosa di nascosto, continuamente da scoprire. Le melodie della voce suonano nuove e mai banali, l'energia è trascinante, le parti acustiche sono molto evocative. L'unico difetto è l'eccessiva somiglianza del riff toolico con il gruppo di Maynard. Per il resto il brano è memorabile.The Baying of the Hounds: il ritmo incalzante dell'intro, guidato dagli eccellenti contrappunti tastieristici, dimostrano ancora un allontanamento dal metal, e un evidente richiamo agli anni 70. L'atmosfera si fa leggermente più luminosa, come se bagliori di luce penetrassero dalle vetrate della cattedrale disegnando mutevoli traettorie con la polvere sospesa. Nella parte centrale, con un bellissimo break melodico, si percepisce chiaramente tale malinconia, per certi versi rilassante e pacificatrice. Ancora una volta ottime melodie vocali, e originale struttura della canzone che, seppur complessa, suona scorrevole e fluida.Beneath the Mire: chitarre e tastiera dialogano ancora. C'è molto spazio per la melodia e la canzone non è particolarmente pesante o oscura. C'è una palpabile speranza. Ancora un bellissimo break centrale guidato dalla tastiera (che richiama gli Yes). Il finale è uno stranissimo passaggio acquatico che ricorda i Porcupine Tree.Atonement: quarta canzone, quarto gioiello. Nessun momento di calo fino ad ora. Le atmosfere si fanno ancor più delicate e avvolgenti. E' una sorta di intermezzo spirituale di una bellezza abbagliante. Fraseggi melodici, percussioni che amplificano un andamento ipnotico creato da una semplice melodia vocale (voce effettata) e un bel coro. Potrebbe essere una canzone dei Porcupine Tree. Finale di piano da lacrime. Poi c'è il bell'intro alla canzone successiva...Reverie/ Harlequin Forest: una delle migliori mai composte dalla band. Trasmette una sensazione di rallentamento spazio-temporale davvero particolare. Si ha come la sensazione che tutto scorra velocemente ma che sfugga dalle mani. Come avere gli occhi spalancati e vedere solo un movimento fluido e lento, molto rilassante, mentre si capisce benissimo che tutto è frenetico, ma che scorre su un altro piano, e non si riesce a cogliere tale velocità. Forse per il dinamico lavoro di Lopez, (che anche in questo disco dimostra un tocco sopraffino e unico, che Axenrot non riuscirà certamente ad avvicinare, pur facendo un ottimo lavoro nel disco successivo) che si contrappone con la melodia vocale rallentata e gli strani fraseggi di chitarra. Lo stacco centrale è ancora una volta molto intimo e delicato (poche note, bellissimi suoni). C'è una pace in quel passaggio che solleva, fa galleggiare, per poi (grazie al meraviglioso fraseggio di chitarra) apre, dilata, annulla. La seconda parte, dapprima liquida poi distorta, infine ritmica (con una nota modulata continua) richiama i primissimi Opeth, ma con meno irruenza e una maggiore maturità. E' uno degli apici della carriera della band insomma, capolavoro totale.Hours of Wealth: bell'arpeggio evocativo, per certi versi spirituale (forse anche per il gusto onirico, tra l'altro presente spesso nel disco - e quasi assente in Watershed, molto più epico-). Molto originale lo stacco, con la melodia vocale quasi soul. Ammetto però che certi passaggi (già presenti qua e la nelle prime canzoni) mi suonano parecchio strani e non riesco a digerirli fino in fondo. L'assolo è delicatissimo, da pelle d'oca.... Una canzone "silenziosa" e "timida", che ben descrive la spiritualità del disco, a tratti molto intimo, a tratti maestosamente mistico.The Grand Conjuration: ecco la canzone che abbassa notevolmente la media (e per certi versi anticipa la freddezza del disco successivo). Basata su un riff diretto e orecchiabile, pur mostrando alcune interessanti ritmiche molto moderne, e un bel passaggio melodico, trasmette poco o nulla. Suona banale e superflua, forse la canzone più brutta nella carriera della band.Isolation Years: per fortuna nel finale si torna ad alti livelli. Un breve e intenso gioiello. Musica notturna, passionale e drammatica, come il fuoco di una candela.

Chiude in maniera perfetta (lacrime agli occhi) un disco eccezionale che, anche senza inventure nulla, si dimostra originale ed emotivamente intensissimo, e che mostra una nuova direzione per la band (anche se poi il disco successivo non seguirà tale percorso). La valutazione complessiva cade però verso il basso a causa di The Grand Conjuration, canzone assolutamente al di sotto degli standard della band. Per fortuna risulta essere un episodio isolato all'interno di un disco coraggioso e molto emozionante.

Opeth - Watershed

2008-12-23T23:40:00.004+01:00

Gli Opeth tornano sulle scene dopo un vero e proprio terremoto interno. Il batterista Martin Lopez ha abbandonato la band lasciando il posto al bravo, ma molto meno "caldo" Martin Axenrot. Anche Peter Lindgren non c'è più, al suo posto il virtuoso Fredrik Akesson. Per molti fans c'è il rischio che la band abbandoni quel caldissimo suono d'ispirazione prog per gettarsi a capofitto nel prog-metal ultratecnico. E in effetti il gruppo svedese abbandona le atmosfere crepuscolari, facendo respirare un'aria diversa, più epica e pomposa. Il tastierista Per Wiberg si conferma fondamentale nel mantenere il suono caldo e avvolgente, con i suoi spunti sottilmente psichedelici, ma forse non basta. Il disco si dimostra un'opera riuscita a metà, a cavallo tra due pulsioni. Alcuni lo definirebbero un disco di transizione, altri l'inizio della fine. E' certo che dopo tanti anni al vertice, con un paio di capolavori che hanno davvero sconvolto il mondo del metal (e non solo) non si può accusare Akerfeldt (che doveva tra l'altro ricostruire il gruppo) di aver perso l'ispirazione. Se tutti i gruppi che hanno perso l'ispirazione suonassero così....
Si parte con Coil, canzone avviata da un bell'arpeggio, ma appesantita da una melodia vocale davvero insignificante. Il pezzo scorre ma non lascia il segno, e quando arriva la voce femminile si cade nel gotic-metal dozzinale. Decisamente trascurabile.Con Heir Apparent, invece, i nostri orecchi si spalancano. Potente e intricata, brilla per violenza assassina (bellissima l'accelerazione death metal, una cosa che mancava nella loro musica). Una classica canzone Opeth anche se l'atmosfera che si respira è molto lontana da gli affascinanti e romantici quadri dei dischi passati, che parlavano di boschi e nebbia. E' il primo esempio di quello che possiamo definire prog metal, in quanto l'atmosfera che si respira è incredibilmente epica e grandiosa, più che intima come in passato. Questo è un pò stemperato dagli ottimi spunti tastieristici, che rendono le melodie meno spigolose e compresse. Il lavoro di Wiberg si dimostra la marcia in più del disco, in quanto il suo apporto risulta senza dubbio la cosa più originale dell'opera (sviluppando un discorso intrapreso e accennato nel disco precedente). Si prosegue con The Lotus Eater,bella novità con un incredibile groove. Proprio l'energia di questo pezzo lo rendono sempre interessante. Non avrà la forza dirompente della parte finale di Ghost of Perdition (per certi versi affine) ma è un ottimo brano con rallentamenti improvvisi e accelerazioni che formano muri di suono (bellissimi certi momenti con doppia cassa e accordi di chitarra distorta). Ottimo lo stacco melodico verso metà. Ad un certo punto c'è una parte ritmata che richiama direttamente i Dream Theater, e per molti fans risulterà davvero fuori luogo (nonostante sia comunque divertente). E' una canzone comunque originale che sembra indicare una nuova strada per la band...vedremo se è solo un esperimentooppure la base per uno stile da affinare in futuro. Burden è il classico lentone epico. Molto epico. Forse troppo epico. Le melodie sono piacevoli (nonostante l'inizio di piano non brilli per originalità...basti ascoltare l'intro di The Loom dei Bark Psychosis) ma inserite in una struttura quadrata e precisa, con tanto di assolo settantiano proprio dove te lo aspetteresti. Non fa quindi gridare al miracolo, ma risulta comunque una bella canzone. Il finale (prima della parte scordata, davvero interessante ) è una rilettura in chiave "prog-metal" dei King Crimson. Non c'è quell'intimità di altri lentoni della band. Ma in generale, in tutto il disco non c'è tale intimità.Porcelain Heart è una sorta di nuova The Grand Conjuration (che però era meno riuscita, senza dubbio). C'è un bel riff immediato che entra subito nella testa dell'ascoltatore (anche questo caratterizzato da un'atmosfera molto epica e grandiosa), poi c'è spazio per i classici stacchi soft...insomma tutte le caratteristiche della band anche se spogliate della classica poetica. Sarà il modo di cantare di Mikael,che sembra un pò troppo impostato, sarà l'atmosfera molto pomposa, sarà la struttura poco scorrevole ai limiti del copia-incolla...comunque sia...questa sembra una canzone costruita. Fredda e poco affascinante (nonostante alcuni ottimi spunti di tastiera e un bel fraseggio ciclico-ipnotico di chitarra), è un pezzo davvero trascurabile che fa venire il dubbio che Mikael si sia un pò adagiato sugli allori componendo musica di mestiere, senza anima.Ma poco dopo il livello si alza, con Hessian Peel, che sembra approfondire ed elaborare certi spunti soul dei vocalizzi del disco precedente. Questa canzone risulta calda e poetica, anche se nel finale, con una valanga di riff ipercomplessi, risulta un pò stucchevole. Non sono evidenti picchi e passaggi memorabili, ma è una canzone interessante. I passaggi sinfonici sono l'ennesimo esempio di prog metal e riportano l'atmosfera verso lidi maggiormente epici (mentre in molti passaggi c'è un'atmosfera "campestre" e intima per certi versi avvicinabile agli anni 70). Curioso il riavvolgimento della voce. Meno bello l'assolo a mille all'ora (anche se non è brutto, sia chiaro...però per gli standard degli Opeth, che con i loro assoli sempre particolarissimi si dimostravano davvero unici, è un pò una caduta). Hex Omega è una lettura psichedelica e doom della musica degli Opeth, e si dimostra davvero originale ed interessante. Ancora una volta ci troviamo di fronte ad una canzone complessa che alterna varie anime in continuazione, ma questa volta il tutto scorre molto fluido e affascinante. L'atmosfera è avvolgente, e tornano alla mente le migliori composizioni della band.
Una perla finale che eleva il livello di un disco altrimenti troppo incostante, che rischia di cadere da un momento all'altro nel mare delle banalità, ben lontano dai poetici e affascinanti lavori precedenti. Forse non ci troviamo di fronte ad un vero e proprio passo falso, ma solo ad un disco di transizione, cosa per altro comprensibile visti i notevoli cambiamenti in seno alla band. Il disco in definitiva risulta bello e avvincente, ma certe cadute madornali, rarissime nella carriera della band, fanno davvero storcere il naso (considerando soprattutto lo standard dei lavori del gruppo)

Vedremo ciò che ci riserverà il futuro.

Supernaturalcat night: Lent0 + Morkobot + Ufomammut

2008-12-23T22:27:00.005+01:00

In un piccolo locale, nascosto nella periferia di Ravenna, si tiene il concerto di Natale per i pochi intimi appassionati della musica pesante e opprimente.

Così, in un colpo solo, ci troviamo di fronte tre tra le band più interessanti del panorama italiano. Aprono le danze i Lent0, che in una quarantina di minuti creano un muro sonoro letteralmente devastante, che spazza via, per potenza, compattezza ed estensione armonica, un bel numero di band ben più famose. Trovarsi di fronte (...o dentro....o attraverso...) a tale spostamento d'aria è un'esperienza consigliata a tutti coloro che amano Isis, Cult of luna, Neurosis e simili... C'è tempo anche per qualche bel passaggio psichedelico per alleggerire l'atmosfera, ma sostanzialmente il loro concerto è un inseguirsi di riff di marmo. Se in futuro riusciranno a staccarsi un pò dai riferimenti agli Isis di Oceanic per seguire una strada più personale potrebbero fare il botto.

I Morkobot li vedo per la seconda volta. Ma se nell'altra occasione mi erano piaciuti, questa volta mi hanno entusiasmato. Merito dei suoni perfettamente calibrati per spaccare l'universo in due, ma soprattutto dei nuovi pezzi, che si dimostrano davvero di provenire da un'altra dimensione. Il delirio è ancora maggiore, ma forse più bilanciato verso una psichedelia cosmica che non può che piacermi.

Ritmi eccezionali e travolgenti, pompati da distorsioni ai limiti dell'industrial, accentuano lo straniamento.

E finalmente riesco a vedere gli Ufomammut! La loro psichedelia pesante è un vero toccasana per la mente. Come essere travolti da una tempesta di asteroidi....macigni che ti piombano addosso da tutte le direzioni, fiumi di lava che ti circondano...i riff granitici creano delle martellate difficilmente percepibili su disco, e gli effetti del basso amplificano la sensazione di viaggio cosmico, così come l'utilizzo di un moog.

Girano voci di un possibile atterraggio dell'astronave Supernaturalcat a Firenze in Gennaio...speriamo proprio....non sarebbe male farsi un altro bel "viaggio".

Playlist novembre

2008-12-02T23:36:00.006+01:00

1. King Crimson - In the wake of Poseidon

2. Anathema - Hindsight

3. Lunatic Soul - Lunatic Soul

4. Cynic - Focus

5. Steve Von Till - A Grave is a Grim Horse

6. Banco del Mutuo Soccorso - Banco del Mutuo Soccorso

7. Melvins - Houdini

8. Red Sparowes - Every Red Heart Shines Toward the Red Sun

9. Ulver - Shadows of the Sun

10.Deathspell Omega - Si Monumentum Requires, Circumspice

Altri:

Slayer - Hell Awaits

Slayer – South of Heaven
Slayer – Seasons in the Abyss
Alan Sorrenti - Aria
Novembre – Classica
The Beatles – Abbey Road
Melvins – Stoner Witch
Guapo – Elixirs
Pineapple Thief – Tightly Unwound
Baroness – Red Album
Klaus Schulze – Irrlicht

Nevermore - Nevermore

Playlist Ottobre

2008-11-03T17:35:00.007+01:00

1. Steve Von Till - A Grave is a Grim Horse

2. Anathema - Hindsight

3. Nevermore - This Godless Endeavor

4. Down - III: Over the Under

5. Warrel Dane - Praises to the War Machine

6. Klaus Schulze - Irrlicht

7. Death - Human

8. Opeth - Watershed

9. King Crimson - Larks' Tongues in Aspic

10.35007 - Liquid

Altri:

Area - Arbeit Macht Frei
Guapo - Elixirs

Alan Sorrenti - Aria

Juri Camisasca - La Finestra Dentro

Alphataurus - Alphataurus

Premiata Forneria Marconi - Storia di un Minuto

Premiata Forneria Marconi - Per un Amico

Lunatic Soul - Lunatic Soul

Nektar - Journey to the Center of the Eye

Esoteric - The Maniacal Vale

King Crimson - In the Wake of Poseidon

The Mars Volta - De-Loused in the Comatorium

2008-10-28T20:39:00.002+01:00

De-Loused in the Comatorium è una droga. Pesante, ovviamente. Uno sconvolgente trip avvolto su se stesso, una continua esplosione di effetti speciali, una cavalcata sul dorso di un serpente velenoso. Non poteva essere altrimenti. Cedric Bixler Zavala e Omar Rodriguez Lopez, dopo aver messo la parola fine ad un promettente giocattolo chiamato At the Drive In, che con Relationship of Command si era dimostrato una delle band di hardcore sperimentale più interessanti degli ultimi anni, cambiano completamente rotta. L’energia rimane immutata, ma è convogliata lungo spirali strumentali, vocalizzi che si arrampicano su ritmi spezzati, frammenti di psichedelica impazzita. Genio e sregolatezza. Questa è l’anima dei The Mars Volta. Melodie orecchiabili dal sapore malinconicamente latino, mentre infuria una battaglia strumentale tra accelerazioni vorticose e sospensioni psichedeliche modernissime, ma dal sapore retrò. Spontaneità viscerale ma anche studio maniacale di ogni frammento. Per seguire questa strada tortuosa la band si ispira ai grandi funamboli della storia. Tra le note di De-Loused in the Comatorium scivolano chiaramente gli Yes in acido e i King Crimson di Red e Larks’ Tongues in Aspic morsi da una tarantola velenosa. Niente di particolarmente nuovo quindi, ma l’energia che la band multietnica riesce ad esprimere (grazie al retroterra hardcore) e la freschezza di certe melodie (grazie alla continua voglia di mischiare generi ed influenze) è davvero unica. E’ da sottolineare anche la loro capacità di accogliere, integrare e sfruttare a pieno la partecipazione di John Frusciante e Flea – rispettivamente chitarrista e bassista dei Red Hot Chili Peppers, una delle band ormai più spiccatamente mainstream del panorama musicale degli ultimi anni. Il viaggio narra un drammatico cammino tra la vita e la morte, un percorso onirico di una persona in coma, continuamente a contatto con personaggi fantastici di un mondo fiabesco, rappresentazioni di se stesso, delle sue opere d’arte e di chi, in vita, gli è stato vicino. Un bad trip allucinogeno, viscido, pieno di flash abbaglianti, urla, risate, rumori… frastuono, silenzio, frastuono. Un delirio dal quale il protagonista si risveglierà, per decidere di gettarsi comunque tra le braccia della morte. Una storia basata sul suicidio di un amico dei due leader del gruppo, un drammatico racconto colorato da macchie di follia e delirio,su uno sfondo di dolore e disillusione. Dopo una breve intro, Inertiatic ESP è la prima stanza di questo castello intricato. L’entrata è energica, veloce, sfrenata, ma al tempo stesso molto melodica, e con un tocco psichedelico che inacidisce l’atmosfera. Le caratteristiche del “suono Mars Volta” sono presenti nella loro interezza, ma siamo solo all’inizio. Non siamo ancora decollati, questo è solo un breve antipasto. Il trip inizia pian piano a fare effetto, e mentre svaniscono gli echi dei Muse impazziti, una nuova esplosione elettrica ci introduce in Roulette Dares (The Haunt Of), caratterizzata da repentini cambi di dinamica, assolutamente fluidi nonostante la frammentarietà delle diverse parti. La capacità dei The Mars Volta di creare climax energici è spaventosa, sembra che ogni nota sia studiata al millimetro per preparare alle inevitabili scariche di adrenalina. Il tutto senza andare minimamente a discapito della spontaneità, vera e propria marcia in più della band. Serpenti velenosi che si avvolgono sempre più stretti, ipnotizzati dai suoni psichedelici ricchi di echi, per poi scaricare la loro forza in convulsioni epilettiche, irrefrenabili. E non dimentichiamo le melodie assolutamente magiche dipinte dai vocalizzi di Cedric, cristallini e potenti (a differenza del passato, quando erano volutamente sporchi e imprecisi, sguaiati e rabbiosi). Poche note, ognuna al suo posto, verrebbe da dire. E invece ci troviamo di fronte ad un fiume di note in piena, ma ogni goccia ci scivola addosso con incredibile naturalezza, e ci colpisce profondamente per la sua elevatissima capacità espressiva. Sarebbe davvero limitante parlare di ogni singola traccia, dato che ci troviamo di fronte ad un lavoro fluido, scorrevole, letteralmente inscindibile, senza un attimo di calo, perfetto dalla prima all’ultima nota, che brilla sia nei momenti romantici e melodici sia in quelli sfrenati e ipercinetici (Eriatarka ne è un ottimo esempio, alternando entrambe le anime dei Mars Volta con un sapiente utilizzo delle dinamiche e della struttura compositiva della canzone). Un disco ricco tanto di psichedelica quanto di rock progressivo, il tutto riletto nell’ottica di un Quentin Tarantino in preda ad allucinazioni. Potrei citare Cicatriz ESP, che con i suoi 12 minuti abbondanti si dimostra una perfetta sintesi del disco, alternando melodie coinvolgenti e immediate ad arrangiamenti complessi, pause ed esplosioni, rallentamenti e accelerazioni, sospensioni liquide e intrecci convulsi. Oppure dedicarmi alla descrizione della bellissima ballata Televators, oppure ancora alla chiusura “elettronico-frippiana” del disco (Take the Veil Cerpin Taxt), caratterizzata da un assolo di chitarra letteralmente lisergico. Ma questa non è musica da descrivere: è musica da ascoltare con l’anima, lasciandosi trasportare dal ritmo e dalla melodia. De-Loused in the Comatorium è una droga. Attraversa il cervello da un’emisfero all’altro. …e provoca dipendenza!

Concerto Anathema

2008-10-26T11:12:00.006+01:00

E' riduttivo scrivere qualcosa sull'evento di ieri sera. E' stata un'esperienza talmente personale e intima che è davvero difficile esprimere ciò che ho provato. E' stato come riappropriarsi di qualcosa che mi appartiene; emozioni sincere, che quasi consideravo perdute. Non immaginavo che gli Anathema sarebbero stati in grado di aprirmi il cuore in maniera così devastante. Sono passati quasi 10 anni, dal mio primo incontro. Judgment. Un disco che mi travolse. E che, come pochi altri, sentii mio. La mia passione per la loro musica ha seguito un percorso fatto di alti e bassi, in questi anni. E due concerti come spalla ai Porcupine Tree (il primo dei quali, nel 2005, particolarmente bello), pur emozionandomi, non mi erano entrati sotto pelle. Ma ieri l'atmosfera magica, fuori dal tempo, che si è venuta a creare, ha avuto la capacità di trasportarmi a 10 anni fa. Ingenuità, tanta rabbia e disillusione, una malinconia strisciante ma anche una continua speranza. Fin dalle note introduttive di Parissienne Moonlight, che ha accompagnato l'ingresso della band, si poteva percepire quel che sarebbe accaduto dopo. Una versione rabbiosa di Deep, e poi via via lungo il cammino che ha toccato ogni album. Un caleidoscopio emotivo che per due ore abbondanti, in maniera ininterrotta, ha dimostrato la grande forma della band, e, soprattutto, la magnifica prova vocale di Vincent, che conferma il miglioramento tecnico e interpretativo che si era percepito un anno fa. E vecchi gioielli hanno ripreso a brillare, sotto la luce di una poetica più sincera e meno teatrale. Pezzi come Far Away e Angelica hanno stupito per il calore, e ottimamente si sono sposati a nuove creazioni come le stupende Angels Walk Among Us e A Simple Mistake (conosciute in occasione del concerto di un anno fa), che lasciano presagire un nuovo bellissimo disco, che sembra non vedere mai la luce. Ma nell'attesa non posso dirmi deluso da questa carrellata, che ha raggiunto picchi emotivi elevatissimi, grazie anche a reinterpretazioni da brividi (su tutte l'immortale One Last Goodbye in versione piano e voce, durante la quale Vincent è apparso particolarmente emozionato). Ogni canzone sarebbe da segnalare per ciò che è riuscita a trasmettere, ma quello che si è visto con Are you There? in versione "drakiana", suonata dal solo Danny che chiedeva al pubblico di non battere le mani, è una cosa rara nel panorama musicale attuale. Emozioni, nient'altro. Nessun effetto speciale, nessuna incredibile novità, nessun virtuosismo, nessuna strepitosa capacità di improvvisazione. Emozioni. La maestosa versione di Anyone, Anywhere, che alterna momenti acustici a devastanti passaggi doom, è stata una delle anime del concerto di ieri sera, che si è spinto anche verso momenti di rock trascinante (Empty, Judgment che si trasforma in Panic), e ha stupito tutti con versioni moderne di classici del metal sepolcrale come A Dying Wish (con, nell'intermezzo, citazione di Another Brick in the Wall) e Sleepless. Il piano di Shroud of Flase, la bellezza dell'acustica Regret o della drammatica Lost Control, il climax del nuovo pezzo strumentale, dal sapore chiaramente post-rock...un uragano. Un uragano che è esploso definitivamente quando il calorosissimo pubblico ha cantato Flying, in un unico, infinito, coro di speranza.

La musica è questo, un uragano che ti esplode dentro. Solo questo.

Are You There?

2008-10-22T23:19:00.006+02:00

Are you there?

is it wonderful to know

all the ghosts…all the ghosts…

freak my selfish out

my mind is happy

need to learn to let it go

I know you’d do no harm to me

but since you’ve been gone I’ve been lost inside

tried and failed as we walked by the riverside

and I wish you could see the love in her eyes

the best friend that eluded you lost in time

burned alive in the heat of a grieving mind

but what can I say now?

it couldn’t be more wrong

cos there’s no one there

unmistakably lost and without a care

did we lose all the love that we could have shared

and its wearing me down

and its turning me round

and I can’t find a way

now to find it out

where are you when I need you…

are you there?

Are You There? - Anathema (2003)

Metamorfosi:Pompei?

2008-10-21T22:44:00.004+02:00

Un posto magico, sul lato oscuro della Luna

Metamorfosi: The Great Gig in the Sky

2008-10-21T00:02:00.004+02:00

E' giunta l'ora di rinascere.
Anche se niente è mai morto.
E' una metamorfosi

Questa è per te Rick,
Grazie infinite

Porcupine Tree - Nil Recurring

2008-10-19T23:29:00.003+02:00

Nil Recurring, recente ep della band inglese, è un completamento dell'ultimo album in studio. Quattro tracce che richiamano esplicitamente, sia nella musica che nei testi, Fear of a Blank Planet. La musica è ancora più sbilanciata verso il lato sperimentale e pesante e, in certi frangenti, assume quasi l'aspetto di un remix (o comunque di una versione alternativa dell'originale). Si parte con una vorticosa canzone strumentale, una sorta di jam session spezzata e acida, che richiama deliri psicotici di crimsoniana memoria (guarda caso la chitarra di un certo Robert Fripp è assoluta protagonista), prima di tuffarci nella malinconica Normal, canzone dall'atmosfera opethiana che, dopo aver rielaborato alcuni passaggi della già nota Sentimental, si spalanca in una potentissima esplosione epica prima di avvolgersi in un finale acustico davvero trascinante. Malinconico punto di domanda riguardante le cose che influenzano la nostra vita ma che, in fondo, non sono altro che superficiali modi di nascondersi di fronte ad essa. Cheating the Polygraph, già presentata dal vivo durante il tour del 2006 e inizialmente considerata parte della tracklist di Fear of a Blank Planet, è un brano che alterna melodie soffuse a poderosi riff di matrice metal, oltre che un bell'intermezzo psichedelico guidato da Barbieri. Ma il vero capolavoro è la conclusiva What Happens Now?, non solo per il testo semplicissimo ma incredibilmente intenso, ma soprattutto per un'atmosfera di sospensione quasi metafisica che scivola liquidamente tra tappeti eterei e ritmi psichedelico-ipnotici che si avvolgono a spirale con maestosa epicità. I richiami ad Anesthetize sono evidenti, così come a vecchi classici della band come The Sky Moves Sideways, e in questo gioco di sintesi e rielaborazione la band mostra la capacità di osare senza perdere di vista le sue origini.

Porcupine Tree - Fear of a Blank Planet

2008-10-19T23:17:00.003+02:00

Rumori di dita che scorrono veloci sulla tastiera di un computer, prima di un ritmo frenetico che ci introduce nel nono disco dei Porcupine Tree.
Fear of a Blank Planet, la title track che apre le danze, illustra da subito le tematiche del disco. Attraverso il racconto proveniente dalla voce del bambino protagonista, i Porcupine Tree descrivono sensazioni di alienazione e apatia, indotte nei giovanissimi dall’utilizzo smodato e incontrollato delle moderne tecnologie, e dalla crescente dipendenza che esse inducono nelle menti troppo spesso abituate ad avere tutto e subito. Nel raccontare questa crescente perdita di stimoli e interessi, verso una sempre più veloce e superficiale catalogazione e classificazione di noi stessi, i Porcupine Tree, guidati da Steven Wilson, utilizzano suoni e soluzioni estremamente moderni, e con l’atmosfera oscura dipinta dalle sei canzoni che compongono l’opera, cercano di sottolineare l’inquietudine indotta da tanta modernità. Pur senza gettarsi in ardite sperimentazioni elettroniche futuribili, la band di Wilson crea strati sonori limpidissimi, abbaglianti nella loro perfezione, lasciando una fredda sensazione sulla pelle, resa ancora più glaciale dai semplici ma efficaci inserti elettronici, per non parlare degli straordinari momenti tastieristici, malinconici e sognanti, guidati da Richard Barbieri. In certi momenti chitarre pesanti e distorte, dalle accordature ribassate, contribuiscono a creare quel distacco tra mondo reale e mondo virtuale che anestetizza la mente dei giovani protagonisti. Testi semplici e diretti, come le parole di un bambino, ma anche come le sensazioni che scorrono dentro ognuno di noi. Una critica feroce alla velocità della società odierna, che mastica e poi sputa ogni forma artistica, prima ancora di averla digerita e metabolizzata, Wilson, noto per la sua prolificità compositiva, cerca di limare al massimo ogni angolo, per non lasciare nessun momento di calo. In 50 minuti bilancia perfettamente il lato più sperimentale della sua musica con quello più classicamente pop, non ha paura di richiamare un po’ di sana psichedelica ma soprattutto di proseguire quella via prog-metal che lo accompagna dai tempi di In Absentia. Le canzoni non sono dilatate come ai vecchi tempi, ma precise e compatte, pulite e rifinite, perdendo forse un po’ di fascino misterioso ma acquistando una decisione ed una sicurezza necessarie per affrontare con lucidità le tematiche del concept, come l’annientamento della coscienza critica.
Il pezzo di apertura è un immediato richiamo al rock di Deadwing (2005), con la sua frenesia e velocità, quasi ripetitiva nella prima parte, prima di un finale dal sapore progressivo e vagamente psichedelico davvero strabiliante. Una cantilena grottesca e volutamente forzata che esalta l’assenza di volontà di svegliarsi e di dare una scossa alla propria dipendenza, una sorta di nevermind di nirvaniana memoria, che diventa evidente nel richiamo testuale ai Pearl jam (autori di una canzone come Jeremy che affronta problemi analoghi, anche se in maniera diversa). Il suicidio non è una via d’uscita, né una vendetta, né un grido d’aiuto, neanche il suicidio può cambiare qualcosa. E comunque sia, non importa che cambi qualcosa.
My Ashes, secondo capitolo dell’opera, è una ballata che si snoda su una melodia malinconica dapprima accompagnata da pianoforte e chitarra acustica, poi innalzata da un magistrale utilizzo degli archi, che la rendono epica e grandiosa, nel corso dell’emozionante ritornello. Perfetta sintesi dell’intimità nostalgica e della epicità sinfonica dei Porcupine Tree del nuovo millennio.
Ma il fulcro del disco è indubbiamente il brano centrale, la lunga Anesthetize. Brano complesso ma incredibilmente scorrevole, si dimostra fondamentale sia dal punto di vista lirico che musicale. Indubbiamente una delle composizioni più coraggiose e particolari di Wilson, miscela perfetta delle varie passioni musicali del musicista inglese, ma dotata soprattutto di una personalità vibrante, che la rende una vera e propria perla nel panorama progressivo contemporaneo. Strutturata in tre parti molto diverse tra loro, scivola con semplicità come le onde del mare sulla sabbia, fino al malinconico finale. Una prima parte estremamente percussiva e sognante caratterizzata da un utilizzo molto particolare della voce, alta e sospesa al di fuori della mente….poi una profonda caduta, tra riff monolitici, gommosi e rallentati, degni dei migliori Meshuggah, e stacchi elettronici, psichedelici nel loro techno-ritmo ipnotico, fino a vere e proprie esplosioni di furia travolgente (ottimo il lavoro di Gavin Harrison dietro le pelli), prima dell’ultima parte, una lenta e sognante serie di onde pink floydiane, per narrare con tragica malinconia la perdita di se stessi, la dissociazione ormai avvenuta, l’eclissi finale. Il dolce e malinconico ricordo di sensazioni autentiche e calde, che lentamente svaniscono e ci abbandonano al grigio opprimente della polvere. 17 minuti assolutamente magici, dal forte sapore sperimentale ma anche emotivo, assolutamente tra i momenti migliori della discografia dei Porcospini. Da notare il bellissimo assolo di chitarra, composto e suonato da Alex Lifeson dei Rush.
Sentimental è una semplice ballata guidata dal pianoforte, vicina ai pezzi più malinconici dei Blackfield (side project di Steven Wilson dal sapore pop), travolgente nel suo ritornello, molto orecchiabile ma altrettanto intenso. Quarta traccia del disco, segna la sentimentale presa di coscienza di fronte ad un’incapacità di ogni reazione. C’è un barlume di speranza, una piccola fiammella che ancora brucia dentro, c’è ancora ossigeno.
La voglia di fuggire e di reagire con forza si ha nella successiva Way Out of Here, ma non è dato sapere se lo svanimento sarà una via di fuga o semplicemente l’ennesimo modo per anestetizzarsi di fronte al nulla che ci circonda, gettandosi tra le sue braccia. Grazie ad un utilizzo della voce molto emotivo, sentito, sincero, in contrapposizione ad una musica che mischia basi elettroniche e chitarre metal, questa traccia si dimostra uno degli apici del disco. Un ritornello che richiama certe atmosfere dream theateriane, ma con qualche accorgimento sperimentale in più, e un finale ipnotico guidato da Robert Fripp, aumentano il fascino prima della canzone conclusiva, Sleep Together. Quest’ultima è un salto nell’ignoto, una fuga lontano da ciò che si è stati, una piccola rivoluzione che conclude in maniera misteriosa e affascinante il percorso iniziato, al contrario, con l’apatia e l’anedonia. Musicalmente coinvolgente per la sua capacità di far convivere con naturalezza un ritornello classicamente rock (dal sapore Beatles) a parti elettroniche che prima fungono da tappeto alla malinconica linea vocale del verso, poi sovrastano ogni strumento nella grandiosa fine, ipnotica e circolare, come una spirale, che lascia ogni domanda in sospeso, prima di una rullata finale, nel vuoto, come una porta che si chiude, improvvisamente.
I Porcupine Tree, per l’ennesima volta, si confermano una delle più interessanti band del panorama rock, grazie anche ad una personalità solida e ben definita. Nessuna rivoluzione, semplicemente musica emozionante e per niente banale, più semplice di quanto possa sembrare dai curatissimi arrangiamenti, e al tempo stesso più complessa e intensa di quanto si possa pensare in base alle melodie immediate e orecchiabili. Una musica da scoprire, assorbire e metabolizzare lentamente, senza la frenesia vorticosa che caratterizza la società attuale

Concerto Dredg (Agosto 2008)

2008-10-19T15:48:00.005+02:00

Dopo il memorabile concerto del 2005 a Miloano, torno a vedere i Dredg all'Estragon di Bologna. Sono curioso di sentire come si è evoluto il sound della band in questi ultimi anni, in prospettiva di un nuovo disco che dovrebbe uscire a breve. Infatti il gruppo propone alcuni brani inediti che per la verità non mi affascinano particolarmente, a parte uno. Gli altri mi lasciano l'amaro in bocca...sembra che i Dredg abbiano deciso di abbandonare definitivamente le atmosfere eteree e dilatate del loro capolavoro El Cielo per sviluppare ancor di più il loro lato pop (già evidente nel bel Catch Without Arms). Vedremo...intanto i pezzi vecchi sono davvero commoventi, nonostante l'acustica sia decisamente insufficiente e danneggi di parecchio il rendimento finale. Nonostante questo è davvero emozionante abbandonarsi alle solari melodie, che con passaggi psichedelici sollevano letteralmente in aria l'ascoltatore, donando un senso di pace grandioso.
La voce di Gavin si dimostra ancora una volta eccezionale, capace di elevarsi in alto senza mai perdere potenza ed espressività. Tutto sommato un buon concerto, anche se pesantemente danneggiato dall'acustica...Aspetteremo il loro ritorno in Italia per presentare il disco nuovo, sperando che questo non perda di vista le influenze progressive e post-rock che hanno reso unica la band

Concerto Neurosis (Agosto 2008)

2008-10-19T12:19:00.005+02:00

In una zona squallida e surreale,come per magia, piombano i Neurosis. Per raggiungerli ci imbarchiamo in un lungo viaggio che attraversa oceani di nuvole e vere e proprie tempeste, per poi terminare sul lungomare marchigiano, che definire deprimente è davvero poco. L'attesa è lunga e affascinante, perchè tra vecchi e nuovi incontri entriamo nella famiglia dei neurotici, tutti frenetici per l'evento. Sono anni che i Neurosis non passano dall'Italia,e se alcuni fortunati li hanno seguiti all'estero (Inghilterra, Olanda) in una delle loro rare date dal vivo, la maggioranza del pubblico è ancora vergine. Le aspettative sono molto alte. Si entra. Il locale è una discoteca con un bello spazio all'aperto, sicuramente con un'atmosfera poco consona alla claustrofobica musica della band, ma comunque carino. I The Ocean sono una piacevole introduzione, anche se non esaltante, mentre gli A Storm of Light sono un muro sonoro davvero affascinante, nonostante la ripetitività e l'eccessiva somiglianza con i momenti d'atmosfera dei maestri Neurosis, e una voce poco convincente. Ci sediamo, parliamo, aspettiamo. Finchè esplodono le note di Given to the Rising. Riff granitici e voci sfibrate che strappano la pelle, poi la quiete, e in un attimo è tutto finito. Un lampo e siamo già completamente rapiti. Arriva anche Distill con i suoi crescendo, i suoi arpeggi, e le sue esplosioni di furia cieca. Brividi e lacrime, questa è musica che fa vibrare lo stomaco, entra dentro, si attorciglia lungo la spina dorsale ed esplode nel cervello, come avviene durante Locust Star, uno degli apici assoluti della serata. Ma non c'è un attimo di tregua, si respira un'atmosfera adrenalinica...stacchi industriali per Left to Wander, e poi chitarre deviate che si attorcigliano in Fear and Sickness. Tutto scorre velocissimo e non lascia il tempo di metabolizzare l'assalto sonoro al quale siamo sottoposti. Piccoli stacchi atmosferici collegano in un unico flusso tutte le canzoni, e insieme ai bellissimi video proiettati amplificano l'atmosfera surreale e magica della serata. Water is not Enogh ci riporta alla realtà con il suo riff spaccaoossa e i suoi infiniti cigolii, per introdurci nel vero e proprio gioiello, la conclusiva Stones From the Sky. Un vulcano che chiude un concerto diretto e viscerale, eppure psicologicamente intensissimo. Mente e corpo fuse alla perfezione. Totale.

Concerto Premiata Forneria Marconi (Luglio 2008)

2008-10-11T03:02:00.004+02:00

Nel bellissimo parco di Villa Corridi a Livorno, si esibisce uno dei gruppi storici del prog italiano, nonchè uno dei più ascoltati dal sottoscritto in questo 2008. Dischi come Storia di un Minuto e Per un Amico, con le loro caldissime atmosfere, sono entrati di prepotenza nella mia mente. Dal vivo la band alterna grandi classici (suonati benissimo ma forse non tutti con la sensibilità delle registrazioni degli anni 70) a pezzi più recenti, meno interessanti, decisamente troppo vicini al rock da classifica.
Certi frangenti sono davvero toccanti, e alcuni passaggi strumentali sono incredibilmente coinvolgenti ed emotivi. Alcuni vecchi classici (soprattutto quelli più energici come il Banchetto o E' Festa) si dimostrano vere e proprie opere d'arte anche adesso, gioielli da insegnare a scuola. Una perizia tecnica spaventosa che dimostra ancora una volta come questi vecchietti abbiano ancora molta energia in corpo (e soprattutto nella mente)

Concerto Il Teatro degli Orrori (Giugno 2008)

2008-10-11T02:46:00.004+02:00

Se il primo incontro era stato entusiasmante, il secondo è un vero e proprio orgasmo. Il Teatro degli Orrori, con suoni davvero potenti e perfettamente bilanciati, è una vera e propria forza della natura. Non c'è paragone con il concerto al quale avevo assistito nel dicembre del 2007. Ancora più energici, ancora più rumorosi, ancora più emozionanti. All'aperto, riempiono letteralmente l'aria. Un vulcano.

Concerto Raison D'Etre (Maggio 2008)

2008-10-09T23:12:00.004+02:00

In una serata dedicata al lato oscuro della musica ambient, spicca il nome di Raison D'Etre. Degli altri artisti che si esibiscono sul palco del Siddharta, deve senza dubbio essere segnalato Alessandro Pacciani, autore di una musica caratterizzata da momenti d'atmosfera cupissimi e molto evocativi, alternati a rumorismi industrial di una pesantezza mastodontica e stacchi techno elettronici super trascinanti. L'ubriachissimo Deutsch Nepal (musicalmente interessante ma davvero molesto...)prepara il campo per Raison D'Etre che crea un'atmosfera ai limiti del rito vodoo in chiave gotica...Precisissimo e maniacale, inizia a mandare in loop un pò di suoni di campane, campanelle, piatti e attrezzi vari, suonati con archetti di violino, spazzole, una specie di grattugia. In religioso silenzio manipola tutto con il suo computer, poi aggiunge un'altra scampanellata, un passaggio percussivo su una lastra metallica, una specie di soffio d'aria ottenuto da uno stranissimo flauto a forma di dragone... Sembra stia preparando un dolce leggendo una ricetta, una spruzzatina di questo, 10 grammi di quest'altro... E invece sta creando un'apocalisse sonora altamente ipnotica, che si snoda e si evolve, cresce, si avvolge, si sviluppa fino a trasformarsi in una agghiacciante sinfonia di sferragliate arrugginite, scricchiolii e riverberi profondissimi. Il pubblico finalmente si zittisce e rimane abbagliato da atmosfere ipnotiche e misteriose. Il buio

Concerto Le Orme (Aprile 2008)

2008-10-09T23:03:00.005+02:00

Ho sinceramente un po’ di paura ad entrare in una discoteca di ballo liscio, per sentire un gruppo capace, nella sua lunga carriera, di raggiungere le vette più alte della prog italiano ma anche le più basse della spazzatura pop. Ma amo il rischio. E soprattutto, sono curioso di sentire alcuni estratti da uno dei dischi che, in breve tempo, ho imparato ad amare alla follia (Felona e Sorona). Nonostante l’improponibile lato scenico della band, la musica è suonata con grande calore ed intensità, alla faccia di chi crede che questi vecchietti non abbiano più energia. Concerto breve ma molto intenso, con alcuni, previsti, momenti di stanca (dovuti ai pezzi più pop) ma moltissimi momenti entusiasmanti, grazie all’ottima esecuzione di alcuni classici del passato (anche se alcuni suonano troppo “modernizzati” dal punto di vista sonoro) e ad alcune belle suite recenti. Un bel tuffo nel passato, assolutamente superiore ad ogni aspettativa

Il Fuoco Vs Giardini di Mirò (gennaio 2008)

2008-10-09T22:02:00.007+02:00

Il Viper di Firenze è gremito, si respira l’aria del grande evento. Io ovviamente sono all’oscuro. Ma comprendo velocemente.
Non c’è il palco…il gruppo suona tra il pubblico…al quale è richiesto di stare seduto e in silenzio. L’atmosfera diventa presto magica, mentre prendono vita le prime immagini de “Il Fuoco”, film muto di Giovanni Pastrone, datato 1915. Il gruppo crea un flusso strumentale che accompagna le immagini. Un fiume di rumori e suoni malinconici che perfettamente avvolgono la pellicola. C’è un’inquietudine strisciante nella vicenda narrata, amplificata dai surreali movimenti e dalle espressioni dei bravissimi attori. Una storia sulla passione, sull’energia creativa, sul calore della vita, ma anche sul gelo del tradimento, sulla pazzia, sulla cenere.
Un’opera intensa, resa ancor più attuale dalla magnifica musica dei Giardini di Mirò. Indimenticabile.

Playlist Settembre

2008-10-03T12:46:00.004+02:00

1. Warrel Dane - Praises to the War Machine

2. Alice in Chains - Jar of Flies

3. Opeth - Watershed

4. No-Man - Schoolyard Ghosts

5. Nevermore - This Godless Endeavor

6. Pink Floyd - Meddle

7. No-Man - Together We're Strangers

8. Ulver - Nattens Madrigal

9. Converge - Jane Doe

10. Steve Von Till - A Grave Is a Grim Horse

Altri:

Quella Vecchia Locanda - Quella Vecchia Locanda

Marillion - Brave

Jeff Loomis - Zero Order Phase

Klaus Schulze - Irrlicht

Death - Human

Porcupine Tree - Nil Recurring

Radiohead - In Rainbows

Guapo - Elixirs

Amplifier - Amplifier

Yawning Man - Rock Formations

Playlist Agosto

2008-09-22T20:44:00.003+02:00

1. Made Out Of Babies - The Ruiner

2. Cult of Luna - Eternal Kingdom
3. Banco del Mutuo Soccorso - Banco del Mutuo Soccorso

4. The Mars Volta - Amputechture

5. Neurosis - Enemy of the Sun

6. Neurosis - Given to the Rising

7. Warrel Dane - Praises to the War Machine

8. Callisto - Noir

9. Quella Vecchia Locanda - Il Tempo della Gioia

10.The Ocean - Precambrian

Altri:

Dredg - El Cielo

No-Man - Together We're Stranger

Neurosis - The Eye of Every Storm

Guapo - Elixirs

No-Man - Schoolyard Ghosts

The Doors - The Doors

Down - III: Over the Under

Meshuggah - Obzen

Playlist Luglio

2008-08-10T19:02:00.005+02:00

1. Iron Maiden - Seventh Son of a Seventh Son

2. Iron Maiden - The Number of the Beast

3. Monster Magnet - Spine of God

4. Callisto - Noir

5. Colour Haze - Los Sounds de Krauts

6. Down - III: Over the Under

7. Ulver - Shadow of the Sun

8. Melvins - Houdini

9. Corrosion of Conformity -Blind

10. 35007 - 35007 (Into the Void We Travelled)

Altri:

350King Crimson - Larks' Tongues in Aspic; The Mars Volta - De-Loused in the Comatorium; Iron Maiden - Somewhere in Time; Radiohead - In Rainbows, No-Man - Schoolyard Ghosts; Alan Sorrenti - Aria; Premiata Forneria Marconi - Storia di un Minuto; Banco del Mutuo Soccorso - Banco del Mutuo Soccorso; Iron Maiden - Powerslave; Pelican - The Fire in Our Throats Will Beckon the Thaw

Playlist Giugno

2008-07-01T22:11:00.004+02:00

1. No-man - Schoolyard Ghosts
2. Opeth - Watershed
3. Tangerine Dream - Alpha Centauri
4. Iron Maiden - Iron Maiden
5. Gentle Giant - Gentle Giant
6. Iron Maiden - Killers
7. Tangerine Dream - Atem
8. Katatonia - Last Fair Deal Gone Down
9. Nick Drake - Pink Moon
10.Alice in Chains - Alice in Chains

Playlist maggio

2008-06-02T11:53:00.005+02:00

1. Porcupine Tree - We Lost the Skyline

2. Gentle Giant - Gentle Giant

3. Area - Arbeit Macht Frei

4. Meshuggah - Obzen

5. Raison D'Etre - Requiem for Abandoned Souls

6. Alice in Chains - Alice in Chains

7. Today is the Day - Temple of the Morning Star

8. Esoteric - Metamorphogenesis

9. The Soft Machine - Third

10.King Crimson - Thrak

Playlist Aprile

2008-05-14T22:55:00.003+02:00

1. Le Orme - Felona e Sorona

2. Premiata Forneria Marconi - Per un Amico

3. King Crimson - Thrak

4. La Locanda delle Fate - Forse le Lucciole Non si Amano Più

5. Yes - Close to the Edge

6. Monster Magnet - Spine of God

7. King Crimson - Discipline

8. Down - III. Over the Under

9. Meshuggah - Obzen

10. Marillion - Marbles

Playlist Marzo

2008-05-14T22:33:00.004+02:00

1. Le Orme - Felona e Sorona

2. Locanda delle Fate - Forse le Lucciole Non si Amano Più

3. Yes - Close to the Edge

4. Premiata Forneria Marconi - Storia di un Minuto

5. Van der Graaf Generator - Pawn Hearts

6. King crimson - In the Court of the Crimson King

7. The Mars Volta - The Bedlam in Goliath

8. Meshuggah - Obzen

9. Corrosion of Conformity - Blind

10.Robert Wyatt - Ruth is Stranger than Richard

Altri:

Nick Drake - Pink Moon

King Crimson - Larks' Tongues in Aspic

Amon Duul II - Yeti

Klaus Schulze - Irrlicht

Concerto Van Der Graaf Generator

2008-03-31T09:36:00.004+02:00

Musica da assaporare. In silenzio. In un teatro gremito, i Van Der Graaf Generator di Peter Hammill regalano 100 minuti di pura poesia, con passaggi sopraffini ed esplosioni emotive dal calore ustionante. Morbidissimi giochi percussivi sui piatti, balletti sui pedali dell’organo, suoni di chitarre non amplificate, semplici particolari che contribuiscono a rendere unico un concerto perfetto, che sale verso l’epicità più trascinante per poi ridiscendere in un intimismo davvero toccante. Musica di un altro universo e di un altro tempo, eppure incredibilmente attuale, e sinceramente sentita. Magia.

Godspeed You Black Emperor! - Yanqui U.X.O.

2008-03-25T10:45:00.003+01:00

Immagini. Fotogrammi in bianco e nero ormai sbiaditi, vecchi ed usurati, intensamente vissuti. Uomini che marciano lenti, per una guerra che non è la loro. Sporchi di sabbia e accecati dal sole cocente, in un luogo post apocalittico, assolutamente devastato dalla banalità del male. Il film scorre, ora placido e malinconico, ora esplosivo e oscuro, angosciante come un fiume in piena, trascina con sè ogni cosa lungo paesaggi desolati e solitari, tra vortici emotivi. Nessuna parola. Le drammatiche immagini evocate nella nostra mente derivano da un intreccio di suoni e rumori, melodie in continua evoluzione. Lunghi crescendo, che levitano tra i tempi dilatatissimi delle cinque tracce dell’album, fino ad esplosioni tutt’altro che risolutive, immerse in atmosfere oscure e glaciali, affascinanti come l’aurora boreale. Un dolce minimalismo che rende ogni passaggio sincero e vissuto, e che si controbilancia perfettamente con i vari strati sonori, con le strutture sinuose e complesse, con la maestosità di una musica fuori dal tempo. Il terzo, e ultimo, disco dei canadesi Godspeed You Black Emperor! fonde con maestria il post-rock con la psichedelia, il rock indipendente con il rock progressivo, il noise con la musica cosmica, la musica classica con le colonne sonore mantenendo una forte personalità e una carica emotiva travolgente. La musica del silenzio, della riflessione, della presa di coscienza. Fin dal titolo (yankee unexplosed ordnance) viene trasmessa una sensazione di calma apparente, fragile, sotto la quale si nasconde un dramma. La data che dona il titolo alla prima suite, 09-15-00 (corrispondente all’inizio della seconda intifada) preannuncia la malinconia dipinta dagli intrecci sonori di chitarre e archi. E’ un’estenuante attesa, una lenta e lunga marcia, prima del finale distruttivo carico di noise e risonanze, guidato da percussioni che si elevano sempre più in alto. Le lunghe e interminabili salite - da uno stato di quiete fino alla tempesta più travolgente - sono una delle principali caratteristiche della musica della band (composta da nove musicisti), che con la seconda parte della già citata suite, catapulta nuovamente l’ascoltatore in un limbo sospeso, di fronte a edifici distrutti e resti di serenità bruciati, con un senso di solitudine disarmante. L’approccio della band al post rock è decisamente più progressivo rispetto al passato, grazie anche ad una produzione (affidata a Steve Albini) che rende chiara ogni nota, alla ricerca di un’epicità mai così marcata, forse a discapito della nostalgia presente nei dischi precedenti, dove i dialoghi e i rumori ambientali erano una parte fondamentale della musica dei GY!BE, così come le lunghe pause, e le strutture spezzate e frammentarie. Con Yanqui U.X.O. la band intraprende una strada più scorrevole, fluida, diretta, che si dimostra funzionale all’atmosfera catartica dell’opera: un lungo percorso attraverso la violenza e il desiderio di pace, più che un sguardo nelle nostre memorie come avveniva in passato. Inutile dire che l’intensa poetica non ne risente minimamente. Un arpeggio stoppato e ricco di riverberi, al quale si mescolano le malinconiche note dei violini, ci introduce nella grandiosa Rocket Fall on Rocket Falls. Un viaggio lungo la via della disperazione silenziosa, quella che gli oppressi devono nascondere negli anfratti della loro anima, in profondità. La suite si snoda tra sali-scendi maestosi ed epici, che mostrano rabbia vitale e voglia di rivalsa, seguiti da un’attesa snervante per un attacco che sembra non arrivare mai, tra percussioni ipnotiche e lunghissime note di strumenti a fiato, sospese al di là del tempo. L’apertura che segue è uno squarcio, una voragine, un baratro alla ricerca della libertà, un breve - ma maestoso - sprazzo di psichedelia (qualcuno ha presente i Pink Floyd di Pompei?!), che chiude una delle migliori composizioni della carriera del gruppo. Motherfucker=Redemeer è la terza, e ultima, suite (anche’essa divisa in due parti). Questa nasce tra dolci note dal sapore krimsoniano per poi evolversi in un’inedito ritmo in levare che dona vigore e ritmo ad un disco finora sostanzialmente riflessivo. L’atmosfera non è plumbea come in precedenza: sembra quasi che un bagliore di speranza si faccia largo tra le macerie, anche quando i ritmi rallentano per immergersi nel classico post-rock caro a gruppi come Explosions in the Sky o Mogwai, fatto di arpeggi dolci e malinconici, leggeri e sognanti, accompagnati da un delicato gusto per le dissonanze e per il rumorismo. La seconda parte di Motherfucker=Redeeemer chiama in causa i Tangerine Dream di Zeit con la loro dilatazione estrema dei tempi, attraverso droni rumorosi che si amalgamano con giri di basso ipnotici e psichedelici. Un viaggio finale, illuminato da una luce di speranza, che sembra richiamare verso di se, oltre la tempesta di chitarre stridenti. L’ennesima progressione, verso l’alto, fino allo svenimento, al di fuori della realtà. Senza aprire bocca i Godspeed You Black Emperor! si cimentano in un’opera cinematografica con forti richiami politico-sociali, evidenziati anche dal semplice ma bellissimo artwork (sul quale spicca un albero genealogico che collega varie major dell’industria discografica ad altrettante industrie di armi belliche). Dimostrazione del potere comunicativo della musica, Yanqui U.X.O. è una fortissima carrellata di immagini tristemente reali, saldamente ancorate al mondo che ci circonda, più che alla “realtà” cinematografica.

Riccardo Tognini

Where We Would Be

2008-03-24T20:18:00.005+01:00

Tied - tied to a time

When we knew that the sun would shine

And you were all smiles

And we could just talk for a while...

Of where we would be when the future comes

And how you would paint while I wrote my songs

If I could find you

And tell you about my life

Or maybe just write

And remind you of when we would dream...

Of where we would be when the future comes

And how you would paint while I wrote my songs

Strange how you never become

The person you see when you're young

Where We Would Be - Porcupine Tree (2000)

Pink Floyd - The Wall

2008-03-22T00:40:00.003+01:00

Le leggende narrano che Roger Waters abbia partorito una delle opere più famose del rock ispirandosi al suo crescente rifiuto per il sistema alienante che i suoi stessi Pink Floyd avevano contribuito a creare. Il gruppo infatti, nella seconda metà degli anni '70, aveva letteralmente stravolto l'idea di concerto, privando gli spettatori della propria identità, in favore di una “coscienza globale” che li facesse entrare direttamente nell'esperienza psichedelica. Nessuna droga era necessaria. Solo musica onirica, light-show liquidi, spazi sempre più ampi e una folla via via crescente, che oscillasse di fronte a quattro maschere di musicisti, ognuno perduto sul proprio lato oscuro della Luna. E se un tempo la psichedelia era sinonimo di apertura della mente, con il tempo diventò annientamento e anestesia. Quando questa agghiacciante realtà balzò nella mente di Waters, il bassista concepì uno spettacolo che superò l'idea di concept album tanto in voga negli anni '70, divenendo film (come accadde anche per Tommy degli The Who) e spettacolo teatrale vero e proprio. Ispirandosi alle proprie vicende personali e a quelle dell' ex-floydiano Syd Barrett, Waters realizzò un'opera sull'alienazione umana che è molto più profonda di un semplice rifiuto del music business e della società in generale che alcuni leggono in The Wall. Su una base musicale intensa e coinvolgente, che esce dai canoni classici della band, andando a prelevare caratteristiche sonore del rock più tradizionale e mescolandole ad una tristezza e disperazione ben più cupe e oscure delle precedenti produzioni sognanti dei quattro inglesi, si inserisce una storia di solitudine e dolore lacerante che parte dal primo vagito del protagonista. In quasi un'ora e mezzo di musica veniamo a imbatterci in riflessioni sulla violenza, sulla debolezza, sul tradimento. La forza di The Wall sta nella spinta esistenzialista che lo manda avanti, all'infinito (come dimostra la bellissima, enigmatica, “fine”). Infatti, anche se diversi piani di lettura si intrecciano nell'opera, il fulcro ruota sempre attorno alla figura di un uomo, incredibilmente solo, e incapace di aprirsi anche a se stesso. Attraverso la sua sofferenza viene messa in luce l'alienazione indotta da una società cinica e violenta (ed, essendo anch'egli parte della medesima società, anche da se stesso), la perdita di ogni ideale e la fuga nell'annichilimento. E mentre il protagonista tenta di dissolversi dietro un muro da lui costruito, il mondo che lo circonda cerca di esporlo, all'esterno. E la disperazione prende possesso dell'ascoltatore, trascinato con violenza in un mondo delirante, “un mondo che ci costringe ad essere normali, dove la normalità nasconde la sua disumanità, la sua mancanza di anima”*. Attraverso simboli e metafore, che nel film e nell'artwork del disco sono perfettamente rappresentate dai disegni cupi e oscuri di Gerald Scarfe, The Wall diventa una rappresentazione dell'esistenza. Prima l'estraniazione, poi, perduta ogni identità, il protagonista diventa una maschera, una vittima e carnefice al tempo stesso, un ingranaggio in un marchingegno che lo ha travolto, masticato, e cambiato. Ma la colpa non è solo di un sistema totalitario che guida la sua vita, ma anche di Pink stesso (nome del personaggio, ovvio riferimento alla band, e quindi alla maschera che Waters si era cucito addosso), che diventa una parte attiva nella corruzione della società che lo circonda. Il fatto che Pink sia un musicista serve non solo a criticare ferocemente il business musicale che stava masticando i Pink Floyd, ma anche per elevare il palcoscenico e gli spettatori a personaggi fondamentali di questa rappresentazione. Il disco si apre con una melodia appena accennata (che concluderà anche l' opera) prima di esplodere nel famosissimo riff di "In The Flesh?", guidato dalla voce soffocata di Waters, mentre esplosioni fragorose collegano alla morte del padre, primo mattone che andrà a costituire il muro che isolerà Pink. E l'accoglienza di Pink, alla sua nascita, non poteva essere più devastante. E l'alternarsi di momenti rilassati con altri di glaciale freddezza continueranno nel corso dell'album, per sottolineare l'inganno che si cela in ogni piccolo passo. Se "Another Brick in the Wall part II" è diventata una dei cavalli di battaglia dei Pink Floyd, grazie anche al bellissimo assolo di David Gilmour, che in questo disco avrà un ruolo molto più maginale rispetto ai precedenti, la prima parte della stessa canzone (che affronta il tema dell'infanzia) è un piccolo momento psichedelico dall'intensità spaventosa, capace di rapirci e trasportarci grazie al suo utilizzo del delay, fondamentale nel creare un riff ciclico e ipnotico (così come fu per “One of These Days”) fino quasi a farci svanire prima delle immancabili esplosioni psichiche di Pink, interiorizzazioni e paranoie tanto intense da farci entrare nella mente di un bambino incapace di liberarsi dalla protettività esasperata della madre, e in seguito della compagna. E questa debolezza scorre tra le tracce, trascinata dall'alternanza della voce disperata di Waters con quella malinconica di Gilmour, dagli arpeggi acustici perennemente tristi, da un basso incalzante e da una chitarra elettrica in grado di dipingere lacrime, così come dai laceranti momenti pianistici. E i rumori meccanici di "Empty Spaces", che seguono la nostalgica caduta della serenità di "Goodbye Blue Sky", sono il primo passo verso la vita adulta, nel vuoto. E nel vuoto, che chiude la prima parte del disco, cade la sanità mentale del protagonista, dopo alcuni momenti tesi e angoscianti, tra i sospiri e le esplosioni di furia di una rockstar definitivamente crollata . Costruito così il muro (dal vivo un vero e proprio muro dividerà fisicamente i musicisti dal pubblico), si entra nella seconda parte. Questa si apre con un inno di speranza, "Hey You", ma che presto cade in una agghiacciante presa di coscienza. Non c'è nessun Io, solo un muro. Chiuso in una stanza, tra visioni e angoscia, tra bisbiglii confusi, il protagonista affronta un cammino triste e decadente, attraverso pezzi come "Is There Anybody out There?", guidato da un bellissimo arpeggio acustico e "Nobody Home", solo piano e voce per un nostalgico momento di ritorno al passato, dopo l'abbandono e l'incomunicabilità (altri due temi chiave del disco) prima di esplodere nell'orchestrale "Bring the Boys Back Home", un breve lampo pacifista che trova le sue fondamenta nel richiamo dei valori fondamentali, per se stessi. Poi è il momento di un altro pezzo famosissimo, la bellissima "Comfortably Numb",riflessione sull'anestesia che impedisce la visione dell'orrore del vuoto, scritta da David Gilmour (insieme a Waters) e guidata dai suoi, memorabili, assoli, da sempre basati su poche note prolungate, capaci di entrare nella storia. Il protagonista a questo punto non è più lui, la spersonalizzazione è completa, e il suo alter ego, la sua maschera, entra a far parte del meccanismo trita carne. Così, nelle canzoni seguenti, la critica ai totalitarismi (e agli show rock) diventa un pretesto per evidenziare una nuova forma di difesa, diversa dall'isolamento: l'aggressività. Al posto del muro, Pink ha creato così una nuova figura di sè, un aguzzino, come coloro che avevano contribuito a sollevare il muro intorno a lui. Ognuno dentro di sè possiede i semi dell'intolleranza. "Stop" è un brevissimo intermezzo pianistico che implica una svolta fondamentale nel personaggio, che diventa consapevole della farsa alla quale ha preso parte attiva, divenendone complice. Questo porta ad una ribellione, tanto breve quanto intensa. Nella terrificante "The Trial", maestosa conclusione teatrale, due parti antitetiche di Pink si scontrano, sotto forma dei personaggi in precedenza incontrati. La voce, ora sofferta e tremante, ora violenta e accusatrice, dona epicità ad un finale caratterizzato da atmosfere orchestrali e strumenti elettrici, quasi a ricordare l'esperimento progressivo di Atom Heart Mother. E mentre lo scontro tra la coscienza di Pink che ha visto la verità e la parte di sè legata ai valori del sistema alienante (che cerca di mettere a nudo la personalità disturbata di Pink, in un mondo dove la maschera è fondamentale per sopravvivere) diventa violento, il muro crolla, e "Outside the Wall" diventa un punto di domanda, interrotto improvvisamente: questa rivoluzione porterà ad una evoluzione, oppure ad una definitiva caduta? La risposta non è data, e l'opera, la più complessa nella carriera dei Pink Floyd, mantiene quel fascino misterioso che la caratterizza dal 1979, continuando a rimanere attuale sia nelle tematiche sia nelle soluzioni musicali come pochi capolavori riescono a fare a distanza di tempo.

*cit. Gabriele Marciano,"Pink. Un'anima in scena", tratto da "Pink Floyd - The Wall. Rock e multimedialità", libro che mi ha aiutato a comprendere meglio il disco

Riccardo Tognini

Concerto The Mars Volta

2008-03-13T13:13:00.002+01:00

Prolissi, autoindulgenti, perennemente eccessivi ed esagerati. Come un trip acido ogni sensazione viene amplificata all’estremo, oltre ogni limite consentito dalla norma. Tempeste di suoni, ora velocissimi e iperenergici, ora soffici e ipnotici, in certi frangenti trascinanti e ballabili, in altri annichilenti e spossanti. Un concerto come quello dei Mars Volta è un’esperienza rara nel 2008, e fa piacere trovarsi immersi in questa foresta di note, assaporando la genuinità e il fanciullesco desiderio di suonare, divertendosi. Anarchia, per certi versi. Quando la band rientra tra i binari (si fa per dire) c’è un’energia devastante che straripa, e presto ci sommerge completamente, facendoci perdere la cognizione spazio temporale grazie a continue dilatazioni e variazioni. Quasi tre ore di musica, non perfetta e sconvolgente come nel 2005, con suoni non all’altezza delle qualità del gruppo, con un nuovo batterista più pesante e forse un po’ meno carico di groove, però tre ore da tramandare. Perché in pochi hanno il coraggio di divertirsi a suonare, in completa libertà, riuscendo a trasmettere questa energia positiva al pubblico. Applausi

Playlist Febbraio

2008-03-01T20:53:00.004+01:00

1. PFM - Storia di un Minuto

2. Robert Wyatt - Ruth is Stranger than Richard

3. Le Orme - Felona e Sorona

4. Megadeth - Rust in Peace

5. King Crimson - Larks' Tongues in Aspic

6. Massive Attack - 100th Window

7. Nevermore - This Godless Endeavor

8. Eddie Vedder - Into the Wild OST

9. EyeHateGod - Dopesick

10.Down - Down III: Over the Under

altri: Pantera - Vulgar Display of Power; The Mars Volta - Amputechture, Slayer - South of Heaven...

Playlist Gennaio

2008-01-31T19:54:00.001+01:00

1. Radiohead - In Rainbows

2. King Crimson - Larks' Tongues in Aspic

3. King Crimson - Discipline

4. PFM - Storia di un Minuto

5. Banco del Mutuo Soccorso - Io Sono Nato Libero

6. The Mars Volta - Frances the Mute

7. Ozric Tentacles - Erpland

8. The Mars Volta - De-Loused in the Comatorium

9. Dream Theater - Images & Words

10.Kayo Dot - Dowsing Anemone with Copper Tongue

Altri:

Ulver - Shadows of the Sun;

Dream Theater - Scenes from a Memory;

Robert Wyatt - Rock Bottom...

Playlist Dicembre

2007-12-31T19:25:00.001+01:00

1. Ulver - Shadows of the Sun

2. Radiohead - Amnesiac

3. Deathspell Omega - Fas, Ite Maledicti in Ignem Aeternum

4. King Crimson - Discipline

5. Tangerine Dream - Zeit

6. Klaus Schulze - Irrlicht

7. NeuroSounds Volume I: Stones From the Sky

8. Karlheinz Stockhausen - Kontakte

9. Morkobot - Mostro

10.Vanessa Van Basten - La Stanza di Swedenborg

Concerto Il Teatro degli Orrori

2007-12-31T19:04:00.001+01:00

Finalmente, proprio agli sgoccioli del 2007, sono riuscito a vedere dal vivo uno dei gruppi italiani più interessanti degli ultimi tempi. Il loro Dell'Impero Delle Tenebre si è rivelato un disco riuscitissimo, e dal vivo hanno confermato l'energia che sprigiona la loro musica su cd. Un rock rumoroso figlio dei Jesus Lizard ma con una cura particolare per le melodie (molto più immediate di quelle del gruppo americano) e per i testi, davvero bellissimi. Il cantato-recitato in italiano è poi la vera forza del gruppo. Capovilla (già leader dei One Dimensional Man) dal vivo è un intrattenitore nato, e anche se perde un pò della carica e della sporcizia dello studio, guadagna in capacità di attirare l'attenzione, nel puro spirito del frontman rock. Un concerto che nella seconda metà (con i suoni finalmente adatti alle circostanze) è decollato, grazie anche a bellissime versioni di Compagna Teresa, Maria Maddalena, Lezioni di Musica...energia a fiumi, esplosioni noise, pogo scatenato. Finalmente tanta gente ad ascoltare un gruppo italiano diverso da Afterhours, Marlene o Subsonica. In Italia c'è anche altro, e soprattutto c'è di meglio. Il Teatro degli Orrori lo ha dimostrato, e con una discreta dose di rumore.

Concerto Porcupine Tree + Anathema

2007-12-18T13:50:00.001+01:00

Due anni e mezzo dopo, Porcupine Tree e Anathema coindividono ancora lo stesso palco. Questa volta è quello dell'Alcatraz, inspiegabilmente spezzato in due (nonostante la grande affluenza di pubblico). Nonostante la mancanza di spazio, la musica delle due band riesce a creare un non-luogo mentale nel quale viene esaltata la nostra solitudine, lasciando un senso di serenità e liberazione. I 50 minuti affidati agli Anathema sono martoriati da suoni orribili ma le melodie fantastiche dell'iniziale Fragile Dreams, e delle conclusive One Last Goodbye e Flying riescono ad emozionare comunque. Vincent Cavanagh viene trascinato dalla sua stessa musica e il calore dell'esibizione non cala quando la band presenta tre nuovi pezzi, che preannunciano un doppio disco davvero interessante. Imprecisi e fisici, e proprio per questo emotivi e sinceri.

I Porcupine Tree invece sono il lato cerebrale del concerto, e la nuova anima della band perfettamente si amalgama alla precisione maniacale dei loro suoni, agli intrecci calcolati dei loro arrangiamenti, alle canzoni sempre più spesso ultrastrutturate, e dal sapore ultramoderno. I Porcupine Tree giocano su atmosfere fosche e misteriose, non intimi attimi di vita vissuta bensì ragionate metafore della società contemporanea, che con distacco e freddezza riescono a dipingere, tra le maglie fitte del loro rock progressivo. Coadiuvati da proiezioni da viaggio acido, perennemente sospese sul baratro della sanità mentale, la band propone due ore di musica per la mente, che trova il suo apice nella bellissima Anesthetize, canzone simbolo dell'attuale poetica della band, con i suoi tre movimenti dall'atmosfera perennemente malinconica, ma a tratti opprimente e devastante come un ingranaggio impazzito, a tratti nostalgica e dolce come un vecchio ricordo. Indimenticabile.

Concerto Fu Manchu

2007-12-18T13:38:00.001+01:00

In ritardissimo spendo due parole sul bel concerto dei Fu Manchu al The Cage, a Livorno. Era la seconda volta che li vedevo quest'anno e, nonostante la partecipazione del (poco numeroso) pubblico fosse molto inferiore, la band ha suonato ancora meglio. Suoni eccezionali che esaltavano i riff iper-energici e trascinanti di una band divertente e festaiola, e in certi frangenti anche psichedelica. Un finale da viaggio acido in un deserto sperduto, dopo una bella dose di stoner sporco e irriverente.

Playlist novembre

2007-12-04T18:01:00.001+01:00

1. Porcupine Tree - Fear of a Blank Planet

2. Porcupine Tree - Nil Recurring

3. King Crimson - Discipline

4. Nick Drake - Pink Moon

5. Il Teatro degli Orrori - Dell'Impero delle Tenebre

6. Ash Ra Tempel - Schwingugen

7. King Crimson - In the Court of the Crimson King

8. Bass Communion - II

9.The Ocean - Precambrian

10.Sigur Ros - ( )